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  L’ArteCheMiPiace – Libri da leggere

Con “La mia Sherazade”, nel 2020 Maria Marchese dà inizio ad
un’inedita stagione poetica; dopo “Le scarpe rosse – Tra tumultuoso mare e
placide acque”, del 2017, e “Fragilità poetiche”, del 2022, il suo verso
poetico si rivolge, spontaneo, verso una sfera amorosa, le cui pregnanze sono
intrise di un erotismo sfacciatamente elegante.

  L’ArteCheMiPiace –  Divagazioni sull’ Arte

Axl Kant, Axl falda, Axl – entina… Axl woman: wonder? Senza
dubbio! Il nerofumo d’autore di Axl tratteggia, sulle tele, un neo immaginario
tutto femminile.

di Maria Marchese |14|Dicembre|2024|

OnlyFans?… Only FANS! — Chemalditesta! —.

La donna è ben altro.

Dopo
l’evento al Salone di F. Curletto, durante il Fuorisalone di Milano, Axl
 continua a sperimentare il proprio
rapporto con la china, definendo, sempre più marcatamente, una serie di figure esclusivamente
femminili; con l’inchiostro, vi impartisce carisma e sensualità e tutti i
paradossi che la donna porta con sé.

 

Eravamo rimasti a…

—   Ale ma che sguardo ha Gimesh?
Ops Ykxheyelx? —

—   Yxchel, Maria, hahaha —

—   Siiii, lei ahahah! — I suoi
occhi possiedono quel vago strabismo di venere conturbante, come le labbra
della donna di “Nel profondo”, così mangamente Okusayane, così sensuali…

 

Quel
nome, così strano, accompagna una donna Axl.

Da
allora, sono nate Irene – Tempo di Pace e Elektra.

 

Io e Axl pochi giorni fa.

—  
Ale ti invio qualche pagina del romanzo che sto scrivendo. Se
ti ispirerà, ti andrebbe di realizzarne la copertina? —.

Intanto le descrivo la protagonista:
dualistica, camaleontica, metamorfica, ironica, tagliente, fantasiosa…

—   Mmmh! Mi ispira. —.

Le
invio poche righe, la prima pagina o poco più, dove si comprende in pieno soprattutto
questo doppio volto.

Il giorno dopo

—   Bing! Bing! — due notifiche
sonore del telefono. Premo e sul display appaiono due immagini che mi fanno
innamorare. Seppure siano dei bozzetti, mi ricordano la presenza scenica e il
fascino charmant della Valentina di Crepax, il disincanto e la risolutività di Mafalda
di Quino, l’astuzia della Kant  delle Giussani.

Il
senso di ciò che ho appena scritto è lontano dal voler fare paragoni: la
fascinazione propria del fumetto, del manga, a partire da Hokusai , parte
esattamente dalla capacità, da parte dell’autore, di caratterizzare i tratti
salienti dei loro eroi o eroine.

Parentesi

—…
ad un certo punto Maria, tu mi hai fatto notare che ritraevo esclusivamente
donne. Ragionandoci, poi, mi sono accorta che nelle tele con più soggetti,
quelli maschili li ho rappresentati come animali — non ce ne vogliano i signori
uomini, perché le creature di Axl portano con sé un bagaglio simbolico
ricercato —.

Chiusa parentesi

Esclusi
gli eroi, quindi, siano esse di un sex appeal esplosivo, come Valentina  , oppure
“macchiette” come Mafalda , quelle donne, con le loro storie, quotidiane
o straordinarie, ci hanno avvinti tra le strisce a fumetti.

Volevo
arrivare proprio qui! Ciò che ho percepito da subito nelle donne della Mangano
è che ogni singolo dettaglio fisico, ma in generale compositivo, mi permette di
individuare una certa sfumatura caratteriale e altro ancora.

Axl ed io ne discutiamo, partendo dal presupposto che quelle
immagini “siano la strada giusta”. Il fil rouge.

Quando
Alessandra Mangano mi disse di voler togliere il colore dalle tele,
scioccandomi —tipo Ohibò, nooooo! —, all’opposto mi sorprese per diverse
ragioni; tolte la morbidezza, la condiscendenza e la gentilezza del gessetto
colorato, è evidente una mano abile, che impartisce la tenacia, la decisione e
la perseveranza della china. Il forte contrasto tra il bianco ed il nero, così
impattante, avvince l’occhio, ma quel lavoro di fine campitura — sopraffina
oserei dire — rende i suoi soggetti eleganti, preservando volutamente la fresca
acerbezza tipica del mondo adolescenziale, nei dettagli anatomici.

La
Mangano, infatti, non è un iperrealista, pur preservando il senso delle
proporzioni, e nemmeno la si può definire una surrealista; le sue donne sono in
perfetto equilibrio, sul confine che separa la realtà dall’immaginario. Frutto
di quello spazio sono quindi queste donne senza tempo — in un eterna
fanciullezza che non prevede l’invecchiamento fisiologico, ma alle quale Axl
riesce, attraverso l’introduzione di  dettagli
ricercati, dove il valore simbolico non è un abbellimento — vedi la cornucopia
in Irene – Tempo di pace, come ogni singolo fiore, foglia o animale — a
realizzare un vero e proprio progetto grafico.

Questo
termine potrebbe far pensare al rigore, a strutture architettoniche, forme geometriche,
ad unità di misura; in realtà, esso è evidente nella ripartizione dei pieni e
dei vuoti, i primi fatti da ombreggiature curate, tratteggiata, punteggiate… , le
cui distanze minimali denotano un lavoro certosino e paziente, alternate a
linee essenziali, che annodano, congiungono, delineano, quando i secondi
conferiscono respiro, permettendo di individuare l’essenza nera.

Trattandosi
di opere d’arte, a differenza del fumetto, in cui l’immagine rende meno
necessari i testi — anche per questo motivo sono le letture predilette dai
pigri — Ahi ahi! Qui interviene la Maestrina che è in me —. —, qui un testo non
esiste, ed il fatto che il lato estetico ameno consenta di esplorare anche
sfumature psicologiche, esistenziali, comportamentali e spirituali le rende intriganti.

 

Insomma,
non me ne vogliano le Onlyfansine con le loro proposte fast food — Only FANS è
il mio SOS! Perché non lo digerisco e mi causa un mal di testa feroce —, ma io
sono una gourmand, anche nella vita, non solamente per quanto riguarda la
cucina, perciò l’occhio vuole la sua parte — sacrosanto! Aggiungo —, ma
degustare l’universo femminile, così ricco di fragranze, intercalare espressivi
personali e identitari, nonsense comportamentali — Sugar Fornaciari ce Le
dipinge in cerca di guai oppure al telefono che non suona mai — ma anche no
dico io! —,sagge, materne altre volte lascive … è cosa che richiede amore,
tempo, dedizione.

 

Axl
nel frattempo sta per pubblicare il suo nuovo libro di poesie, mentre la
copertina del mio romanzo – che in realtà ha un coautore ma non posso dire
altro — prende forma!

 

Che
altro?

Ah!
Alla prossima by Maria Marchese

 L’ArteCheMiPiace –  Divagazioni sull’ Arte

 L’ArteCheMiPiace –  Divagazioni sull’ Arte

Mario Vespasiani “The gentleman” 

C’è un nuovo supereroe
molto gentle, altrettanto mystic e, perché no, anche fashion. Superman, Iromen,
Spiderman … superati! Parola di Maria Marchese! L’universo di Mario Vespasiani,
a Gentleman in the world of art.

  L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’arte 

Fredda e immobile? Ahahah ride Axl, Figaro, Curletto,
Maruca, la Marchese: — Giammai!…— La donna è Mobile (lo sosteneva
pure Verdi)

di Maria Marchese |05|Aprile|2024|

 

In occasione della Design Week, il salone Franco Curletto, a
Milano, organizza l’evento Speedy Glowy, in cui la special guest
sarà l’ artista Milanese Axl, protagonista con alcune tra le opere della sua
nuova stagione.

 

—Fredda ed immobile come una statua, fiato non restami da respirar — dice la bella Rosina, mentre
messer Figaro si fa una sonora risata — e con lui ridono anche AXL, Curletto ,
Saverina Maruca e mi ci metto pure io ahahah! —.

Poi, però, la pietrificata Rosina afferma anche — Io sono
docile, son rispettosa, sono ubbediente, dolce, amorosa; mi lascio reggere, mi fo
guidare. Ma se mi toccano, dov’è il mio debole — capelli, orgoglio, outfit giornaliero…
ahahah! — sarò una vipera – o un pesce combattente, come nell’opera Anima di
Axl, aggiungo —.

Le demoiselles di Rossini (Rosina, Isabella, Angelina,
Desdemona, Semiramide, Giulia, Berenice, Matilda…) — non quelle di Picasso, più
easy e lascive e pur senza Rossini, Bellini, Spritz, specifico io … — sono in gamba:
appassionate, combattive, psicologicamente complesse — non aspettano certamente
strutte e languide, sul palco, di essere salvate dal tenore — semmai lo seducono
oppure lo colpiscono “aimablement” con il loro ombrellino da sole, un buffetto da
maestrina con la penna rossa, però —.

Rosina è dunque intelligente, attiva, tenace e pronta a
tutto pur di non cedere alla pressione altrui…

 

Rewind!

 

— Signora Mangano bonjour — esordisco.

 

— Ca va? — chiedo, poi.

— Ho deciso di iniziare una serie nuova, una

Trilogia — risponde Alessandra Mangano.

— Olè! — replico — Tipo? Idea? Concetto?

— Continuo.

— Tolgo il colore — mi gela lei.

— Mmmm —.

(Da Axl switcha in black and white: la nuova serie
“Autoritratto dell’anima”, di Maria Marchese)

Con la serie “Autoritratto dell’ anima”, Axl
spazza via il colore — non con un colpo di phon, quello lo fanno Curletto o Figaro —: quel en-tête
(colpo di testa in francese) ha messo in luce una nuova maturità artistica, in cui la sua
mano delinea, con un margine di errore pressoché minimo, i profili dei
protagonisti, gestendo l’importanza dei ruoli attraverso un sapiente gioco di pieni e vuoti, di
tenuità e intensità.

Non solo. — C’è altro vi chiederete? —.

— Siiiii! — rispondo io.

 

Dopo aver affrontato una considerevole ricerca simbolica —
alchechengi, elleboro, fiori di loto, nell’opera Four chiama a ruolo addirittura
una certa Yxchel — “mon dieux“ mi dico e vi direte —, Axl mette in evidenza anche la
capacità di caratterizzare le sue donne con dettagli minimali, dove
concilia il valore simbolico e quello estetico, in maniera ammiccante.

Qualche tempo fa

— Ale ma che sguardo ha Gimesh? ops Ykxheyelx? —

— Yxchel, Maria, hahaha —

— Siiii, lei ahahah! — I suoi occhi possiedono quel vago
strabismo di venere conturbante, come le labbra della donna di “Nel profondo”,
così mangamente Okusayane, così sensuali…

In sintesi

Abbandonando l’universalità che l’ha contraddistinta nel
passato, Axl compie un ulteriore switch: perdendo i presupposti del
Nam-myoho-renge-kyo, dell’uno per tutti e tutti per uno, dell’ ommmm…, le sue opere diventano
identitarie di una realtà femminina e anche femmina.

 

Attenzione però! Questa parola che scatena turbinanti
emozioni nei maschietti, qui, è da intendersi come “fruttuosa”, e la di lei “delectatio”,
come insegna sora Ildegarda di Bingen, non è bruciante libido, bensì è paragonabile al
calore del sole che imbeve la terra con continuità, affinché tutto cresca e fiorisca.

Così Axl ruba i frutti di una realtà nettarea, edenica,
ancestrale e — non ci fa un succo ahahah— li sintetizza in composizioni, il cui perno è
un ovale, che lei rende muliebre adornandolo con arabeschi d’inchiostro. La sua mano
annoda e libera il liquido nero, finché forme appartenenti alla natura si
trasformano in appendici e particolari del corpo della donna.

Questo processo è particolarmente evidente nell’opera Il Viaggio
e raffinato nell’opera Ascesa: due sono le figure — e qui scatta il
fatidico “Two il meglio che one” — per un unico soggetto: Axl riesce pienamente a
rendere l’idea di due diverse maturità impartendo maggior o minore rilevanza ad un
elemento anatomico o ad uno genuino rispetto all’altro.

Torniamo a quel Mobile

— La donna è Mobile qual piuma al vento — scrive anche il
Maestro Verdi…

Verdi sono la tematiche del Fuorisalone di Milano, “Materia
Natura” e “sostenibilità”, e si sposano perfettamente con le opere
dell’artista milanese; dal 15 al 21 Aprile, anche l’atelier Franco Curletto — il
nostro Figaro e artista, di natali Torinesi come Piffetti, ebanista di fama
internazionale, autore del doppio corpo, il mobile più prestigioso al mondo — apre le
sue porte all’Arte: Axl esporrà, in quest’occasione, le tele Anima, Four e Il viaggio.

 

E se Rosina di Bellini — non quella di Mozart però — è
docile, rispettosa, ubbediente, dolce, amorosa, ma anche vipera, quella di Axl è
Yxchel — acciderbolina —, quindi combattente, fruttuosa, solida,
madre e donna, esotica, esoterica, misteriosa, mobile? … siiii mutevole, vivace,
cangiante, ricca di sfumature.

 

La donna Axl sarà mobile, in particolar modo, mercoledì 17
Aprile, dalle ore 18.00 alle 21.30, in via Pasubio 12, a Milano, giorno in cui il
prestigioso salone dedicherà una serata, per la Design Week, dove presenterà Speedy Glow,
mentre Axl sarà la Special guest, con alcune opere, t-shirt stampate e delle
shoppers.

 

Per l’occasione saranno esposte le opere dell’artista
Alessandra Mangano, con l’accompagnamento di un Vegan Cocktail curato da Nica
Cardinale e Italian Dream Food.

Quel mobile è anche da intendersi nel senso di movibile,
itinerante perché il 22 Aprile, giorno in cui ricorre il World Heart day, Axl
proporrà le shoppers, per il progetto Riconnessione con la Madre Terra, nato in sinergia
con Saverina Maruca, presso il centro di estetica e benessere Althea, in via L.
Pirandello, a Taormina.

Qui, infatti, hanno trovato casa l’opera Ascesa e Maat —
Maata Hari? Nooo hihihi… pensate a che fatica faccio io, ogni qual volta ho
un tête-à-tête con questa “deitudine”—, che rappresenta l’ordine universale —
tranne che a casa nostra, per quello c’è la divina Alexa — in contrapposizione
a ciò che è ingiusto.

Amore incondizionato, Il silenzio e Il dono, tele tra le più
rappresentative della pittrice, per quanto riguarda l’amore che la Madre Terra
rivolge all’ essere umano, sono il tris artistico che mette Axl sul banco; Saverina
Maruca si “gioca” il Massaggio Maka — anche Saverina mi dà del filo da torcere in
quanto a nomi —: attraverso quest’ultimo, la professionista conduce le
persone al ricongiungimento con la Madre Terra.

Dalle Alpi alle Piramidi, dal Manzanarre al Reno — Ops!
Questa è un’altra storia — si torna alla Natura, alla sostenibilità e Milano.

Ricapitoliamo!

Il 17 Aprile 2024, Axl sarà all’Atelier Franco Curletto, in
via Pasubio 12, a Milano, alle ore…, mentre il 22 Aprile, troveremo le sue shoppers e
il massaggio Maka, da Althea – Centro di estetica e di benessere di Saverina
Maruca, in via L. Pirandello, a Taormina.

 

E io? “Muto l’accento e così il pensier” — da scrittrice —.

 L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’arte 

di Maria Marchese |17|Agosto|2023|

— SHIIIINK — esplode la lama.

 

L’ho definita una spatola resiliente che salta, zampilla, si
contrae e, di colpo, si espande, ma anche vorace poiché ruba il colore acrilico — lo divora — e lo vomita,
immediatamente, sulle tele, con periziosa mano; la ritengo una spatola multiforme e versatile perché realizza
composizioni sempre diverse preservando una propria cifra esecutoria matura.

Una lama vivace e resultiva ha fenduto il fecondo e teso
ventre che ha partorito l’esagenesi “La rinascita”, mentre la spatola che concepisce l’opera “Maternità” è
vulnerabile.

— SHIIIINK — esplode la lama.

La Cristino vulnera la testa di questa madre con un taglio
netto: la maternità diventa allora come la foglia apostata che si posa sulla spalla di Sigfrido, la croce che ne
decreta la morte, oppure è quell’unica parte del corpo rimasta mortale — il tallone malandrino che ancora
oggi dà problemi — di Achille.

Ma la vulnerabilità è legata alla sensibilità e ad una certa
qual forma di intelligenza, così Anna Cristino la plasma in un amplesso ovoidale — marmoreo fuori e carnoso
dentro — in cui l’architettura ovale si ripete — le mammelle, il volto muliebre, la guancia del neonato, le
cosce e i polpacci… — in un intuitivo gioco speculare che suggella il senso di appartenenza, ma che
suggerisce anche il pensiero di una gestazione neo identitaria.

L’arte per la Cristino è transveberazione, l’arte della
Cristino è transveberazione: come un dardo, la sua spatola lacera, sia le carni che lo spirito, per togliere
l’eccesso e creare, ma il passo prima è quel dolore, tanto estatico come salvifico e irrinunciabile, quanto
l’amore per un figlio.

Il paradosso per antonomasia su cui anche i filosofi greci
come Aristotele o Plutarco hanno dibattuto — Ma è nato prima l’uovo o la gallina? — ha come risposta
plausibile l’uovo, e così il suo uso iconografico in tutte le culture — dal Giappone alla Polinesia, dal Perù
all’India, dall’Egitto alla Finlandia, dalla Cina all’Africa — è la rappresentazione del seme primordiale, da cui tutto ha
avuto inizio.

L’uovo di struzzo che scende dalla volta a forma di
conchiglia e come una perla rimane sospeso al di sopra del viso della Sacra Maria, nella Pala Montefeltro , del
Maestro Aretino Piero della Francesca , significa che la fede è superiore alla ragione — ratio/irrazionale 1 a 0,
come nella maternità di Anna Cristino —.

Quella stessa beatitudine sarà ricercata da alcuni dei
personaggi dipinti da Hieronymus Bosch, nel trittico “Giardino delle delizie “ il guscio delle uova, in questo
caso, è rotto — non integro quindi, come la testa della maternità dell’artista barese — e gli esseri umani ci si
tuffano letteralmente agognando il ritorno ad uno stato di pace.

René Magritte, nell’opera “ La chiaroveggenza “, tramuta un
uovo — il modello — in un uccello con le ali spiegate — il modello sulla tela — frutto di un’evoluzione
immaginata e prevista dall’estro dell’artista, facendoci riflettere sul nostro modo di concepire la realtà,
spesso troppo ottuso, e su cosa voglia dire osservare con sguardo attento. Uova sode, sciolte, integre,
rotte, incrinate, all’occhio di bue… , insomma in tutte le salse, compaiono nelle opere di un altro grande
surrealista, Salvador Dalì ; per lui l’uovo assume un’importanza tale da adornarne i tetti del suo studio a
Port Lagat, paesino di pescatori sulla costa brava della Spagna, qui uova gigantesche si stagliano contro il
cielo simili a sentinelle della sua mente sfrenata.

Nella Metamorfosi di Narciso , del 1937, di forma ovale è la
testa del mito greco cui si contrappone la mano che regge un uovo da cui spunta un fiore di narciso. Nel
dipinto del ’48 “L’Aurora”, l’uovo è raffigurato con il rosso e vivo tuorlo, mentre l’albume diviene un fiume
solcato in barca dall’essere del futuro. Nella Venus Spatiale , l’uovo poggia in equilibrio sopra il pube in una
rappresentazione della fecondità senza tempo come allude la presenza di un orologio che ha perso la sua
funzione primaria essendo liquefatto.

Fertilità è anche il tema della scultura Concetto Spaziale –
Natura, del 1967, di Lucio Fontana, in ottone lucidato; in quest’opera, il maestro dei tagli si indaga
nelle tre dimensioni: una forma ovale primordiale solcata nella sua perfezione da due semplici segni esprime
una forza inaudita. Il divenire e mutare della materia e della sua “natura” e di tutte le percezioni
fisiche ad essa legate sono la perfetta rappresentazione del fluire della vita e del pensiero.

Chi, invece, distrugge qualcosa — il guscio — è Piero
Manzoni , in quello che è l’omaggio all’uovo tra i più particolari mai realizzati da un’artista: il 21 luglio 1960,
presso la galleria Azimuth, realizza la sua performance Consumazione dell’arte dinamica del pubblico
invitando i presenti a mangiare delle uova sode da lui cucinate e innalzate al grado di opera d’arte
riportando sul guscio l’impronta del suo pollice. L’artista consapevolmente invita alla distruzione della sua creazione,
a cibarsene, contribuendo così alla rigenerazione del corpo. Un’opera sicuramente ironica che
però riflette profondamente sul tema dell’eucaristia e della risurrezione.

Ci si domanda allora se quella parte indoma — tallone,
spalla, uovo o gallina —sia fragilità o, all’opposto, virtù?.

La Maternità di Anna Cristino, come l’uovo, contiene il caos
della vita: non è però liquido ma acrilico, immediato, immanente, concreto, polveroso, pullulante di
umori cromatici e valori emotivi.

Ricordo che al mattino, da piccola, mia nonna preparava un
uovo sbattuto con lo zucchero — è ricostituente diceva —.

La saggezza e la forza, insomma, sono legate a questa
piccola identità, capace forse di guarire e il tallone e la spalla.

 

Anna Cristino è protagonista della mostra itinerante
“Penelope et Mare Nostrum”, la cui prima tappa si è tenuta presso il Club Nautico Santa Pola, in Spagna, dal 10
Giugno al 10 Luglio 2023, la cui parte curatoriale è stata seguita dallo storico e critico d’arte Valeriano
Venneri e dalla poetessa, curatrice e critica d’arte comasca Maria Marchese.

Una seconda tappa la vede presente presso il Castello Rocca
Paolina, a Perugia, come una degli artisti rappresentanti per la Spagna, e terminerà con una terza
tappa al Museo del Mar di Santa Pola, tra fine settembre e Ottobre 2023.

L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’arte  

Khira Jalil e l’apicalisse: 

un’ape regina e le sue rivelazioni artistiche. 

di Maria Marchese  |14|Marzo|2023|

E quanta esperienza ed arte | chieggian l’api frugali, augusta Bice, | io qui prendo a cantar

                     Virgilio 

Il sommo poeta stesso, avvinto dall’operosità dell’ape, si accinge ad ammannire un’ode: Virgilio, in pochi versi, riesce ad esprimere quanto stupore e incanto trovi, nella perizia delle minuscole creature, tanto da definirla arte. 

Nelle proprie tele, l’artista Khira Jalil si manifesta in egual maniera: come la lieve bestiola, ma con la fierezza di una regina, giorno dopo giorno, centellina, sui supporti, le proprie rivelazioni. 

Qui, ludicamente, utilizzo il termine “apicalisse”, storpiatura dell’altisonante parola apocalisse, che, nella propria significanza etimologica, indica una rivelazione, per sottolineare quanto gli elaborati dell’autrice marocchina costituiscano veri e propri messaggi, dai contenuti umani, socio/culturali filosofici… ; medesimamente, le sue composizioni ricordano le fitte trame di un alveare. Se consideriamo, poi, che l’idea dell’apocalisse è legata ad una serie di eventi, che narrano la fine, l’apicalisse, riferita alla pittrice, costituirebbe, alfine, il termine di una conoscenza artistica di grande valenza. 

Il virgineo telo è quell’unica pagina bianca, che Khira Jalil imporpora di una genesi cromatica, che è l’incipit, su cui, via via, costruirà le proprie celle. Così, l’artista, con la maestria di un orafo, dapprima, abbozza la “magione”, ossia la dimora, dove il pensiero è fondamento, disegnandone i profili; da quest’ultima, ella minia ogni singolo spazio, tra rigore e morbidezza. 

Il mielato colore, allora, si traduce in linee che si rincorrono, apparentemente, impazzite; in realtà, sono frutto di un’intuizione pregressa molto articolata. Il pennello, così, ruba mescite tonali a tratti dolci, altre volte squillanti, mentre la mano lo guida verso un’intricata risoluzione. All’occhio appaiono frugali arabeschi, sintesi di un linguaggio figurativo tribale, laddove la polis è, invero, universale. Il ciglio, fascinato, segue i contorni, poi, i colori, che addivengono figure arcaiche e minimali, ognuna delle quali appartiene al microcosmo individuo/animale/suolo, nonché al macrocosmo, che ci vede come essenze divenienti. Le setole sfumano i colori oppure creano sincopi tonali, elargite, sui tessuti, in maniera “genuina”; è possibile, infatti, ravvisare quell’incertezza, cifra identificativa della veridicità e dell’unicità, e dell’artista e dell’uomo. Ogni opera della Jalil costituisce la ricostruzione di una considerazione, che abbraccia il senso più profondo di un approccio multidisciplinare: raccontare, insegnare, educare, imparare… dalla vita stessa. 

L’ape è solo un minuscolo insetto eppure riesce a costruire un alveare che ha la capacità di un granaio e la geometria di una cattedrale. Il suo insegnamento è questo: se fai ciò che è possibile, di possibile in possibile arriverai all’impossibile.

         Fabrizio Caramagna

Le opere dell’artista marocchina diventano come il granaio e la cattedrale, citate da Caramagna; lavoro indispensabile, nutrimento, sacralità, preghiera, fondamenta e pareti solide: esse aprono lámia, ossia aperture profonde, dove esperirsi è, conseguentemente, sinonimo di evoluzione e crescita interiore. All’artista, peraltro anche poetessa, autrice, docente e critica d’arte, il cui fermo credo, confermato dal suo percorso artistico, è volto al concretamento dei desideri, il 7 gennaio, è stata dedicata una giornata, dall’università di Molay Slimane, a Béni Mellal, in Marocco. 

Quel giorno, il presidente del dipartimento di lettere arabe dott. Hisham Talal, i suoi studenti, insieme al dott. Mohamed Chari e i propri colleghi hanno fornito diverse chiavi di lettura, su tutte le opere letterarie della Jalil, attraverso un’attenta analisi di queste ultime. Peraltro, sono state celebrate le sue qualità di leader, che si batte per i diritti umani e la sua tenacia, nel perseverare e raggiungere i propri obbiettivi. 

Sostenuta da diversi partner economici e universitari, come il Centro per l’Arte e gli Investimenti IGHAT, nella persona del presidente Rahim Jabran, il presidente del Club di Investimento in Béni Mellal-khnifra e altri ancora, essi hanno puntato sull’artista e sulla donna, in un’ottica di progettazione in campo educativo e economico, al fine di sviluppare molteplici possibilità. 

Khira Jalil è presidente dell’associazione internazionale Art’s Wings Forum, che supporta numerose iniziative culturali internazionali. 

 L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’Arte

“SOULS” KATERYNA REPA

di Maria Marchese  |25|Luglio|2022|

“Impara dalle nuvole a non soffocare le lacrime.”

Giancarlo Stoccoro

È un cielo imporporato dall’oscuro grigiore della guerra, quello da cui Kateryna Repa viene ispirata: si appropria, quindi, delle lacrime, fiorite dai mesti assilli, di cui esso soffre, e le mescida con la nivea polvere bianca.

Quell’amoroso atto genera, indi, piene gocce, gemmazione di inespresse vite.

La serie “Souls ” nasce, infatti, come un lacrimoso pianto, e racconta presenze inascoltate, scomparse durante l’attuale conflitto.

L’artista ucraina sembra imparare, dalle nuvole, la spontaneità necessaria per esprimere, visibilmente, un rosario, ove le perle raccontano la dissolta liturgia di una catarsi, che risolve l’assenza di esseri umani.

L’autrice distingue, nella stagione anime, due “generazioni” .

Entrambe “confidano”, all’ascolto dell’osservatore, la conoscenza di individui: mentre una li rappresenta come tali, nella loro veste terrena, l’altra li ritrae nel loro ruolo sociale. I primi nuclei, appaiono, così, come “feti” , fruttate gestazioni, distaccatesi dal ramo della vita; le seconde, invece, si rivelano, allo sguardo, come manufatti, plasmati dalla mano dell’uomo.

L’artista li racconta, uno ad uno, come apparizioni postume, che bussano, dapprima, confusamente, poi, sempre più chiaramente, alla sua sensibilità; allora, decide di infondere, sulla loro pelle, la memoria di ogni singola storia.

Liquefà i colori acrilici, trasformandoli in vaporosi umori, che assolvono, alfine, la voce delle anime: fango , verdi anni e manti erbosi, nero asfalto, cilestrino cielo, porporino sangue, rosati veli… nutrono quei respiri, appena percettibili.

Kateryna Repa li numera, poi, centellinando ogni preziosa preghiera…

“Soul 9” è un adolescente di 16 anni, a cui i genitori davano del fallito, minimizzando ogni suo desìo e sogno: è stato ucciso, dai soldati, per strada, mentre andava, in bicicletta, a prendere l’acqua per la famiglia.

“Soul 6” , invece, è una donna 26 enne, tradita e “abusata” , poi, in un supermercato.

“Soul 10” è un bambino di 4 anni, ucciso dai bombardamenti.

“Soul 7” è una vecchia signora di 73 anni, scomparsa nell’incendio della propria casa.

“Soul 5” è un giovane uomo d’affari, che ha rinunciato ad ogni piacere per il lavoro e il guadagno; incorniciato da un’argentina veste, ha lasciato il mondo senza godere di nulla.

“Soul 8” è un sacerdote, chiuso in se stesso e votatosi ad una vita claustrale per dirimere pensieri impuri; ammantato di obrizo, ora, tace.

Contatti dell’artista 

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©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’Arte

CRISTINA GENTILE ILLUSTRA LA MERAVIGLIA DELL’IMPERFEZIONE E LA NATURALEZZA DELLA DISTORSIONE

di Maria Marchese  |23|Maggio|2022|

“Ma la bellezza non era tutto. La bellezza aveva questo guaio: veniva troppo immediatamente, veniva troppo completamente. Fermava la vita – la gelava. Ci si dimenticava le piccole agitazioni; l’arrossire, il pallore, qualche strana distorsione, qualche luce o ombra, che rendeva per un momento riconoscibile la faccia e tuttavia le dava una qualità che in seguito si vedeva per sempre.“                      

                             Virginia Woolf

Tra sistole e diastole conoscitive, una colorata macchia si liquefà sulla carta: è un profilo emotivo incerto, la cui unica consapevolezza è la propria presenza immediata. Cristina Gentile lo coglie in quell’infinitesimale istante, laddove il palpito è indispensabile seppure impercettibile: allora, l’autrice ne asseconda il disvelamento, carezzandolo con le setole del pennello. L’attimo cromatico appare, quindi, all’occhio, come un morbido viluppo tonale; l’autrice individua i celati capi di quel nodo e li accompagna, perché raccontino la loro personale epifania. Essi si manifestano in un totale diacronismo, e emotivo e formale, creando l’apparente chaos.

In queste origini, infatti, coesistono aspetti sfumati, che digradano e, medesimamente, il “coup de tête” , la nota difforme, che vivifica la stonatura, nell’euritmia della composizione. Tra la frugalità e l’impalpabile, nasce, indi, il letto di ogni esperienza, addentro il suolo che congiunge ossimori esperienziali. L’autrice ligure, poi, d’emblèe, li caratterizza ulteriormente: attingendo da una danza tribale, infonde i profili di un alfabeto fisionomico primievo, radicato nei primordi dell’inconscio.

I passi silenziosi vengono amplificati, dall’artista, frantumando ogni canone pregresso: essa celebra, così, la libertà di vivere appieno la conoscenza di sé. La distorsione viene concepita come allontanamento da uno stato naturale delle cose; Cristina Gentile polverizza, invece, la rigidità e l’inclemenza di questo sguardo distaccato, per riappropriarsi della verità di una personalità eteroglossa.

La disfasia estetica, concepita tra dettagli amplificati, cicatrici segnico/conoscitive, creature dalla morphè “fumettata” , squarci di carta, rubati e poi plasmati in assurdi lineamenti… sboccia, nei “Distorti, di Cristina Gentile, in salvifiche pagine artistiche.

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LA FAVOLA COME FUGA DALLA DISCRIMINAZIONE

GIANNA AMENDOLA

di Maria Marchese  |28|Aprile|2022|

Gianna Amendola nasce a Montreal, da genitori italiani: inizia lì a crescere e a compiere i primi passi, e nell’universo sociale e mondo dell’apprendimento.

Poi, le scelte familiari la portano in Italia, precisamente, in Campania…

Ricordo che una persona cara mi raccontò diversi episodi della propria adolescenza, a Napoli.

Uno, in particolare, mi colpì profondamente: da ragazzo, iniziò a frequentare un quartiere malfamato, perché, lì, aveva una ”simpatia” ; descrisse, allora, le reazioni di adulti e bambini, che vivevano negli appartamenti, adiacenti alle vie: lanciavano piccoli sassi, contro le pareti e per la strada, come monito e intimazione nei suoi confronti, poiché stava violando il loro territorio, accompagnando, in questo modo, il suo passaggio.

Ho condiviso, con Gianna Amendola, questo aneddoto e, insieme, abbiamo ascoltato l’eco di quelle minuscole pietre, che colpiscono il suolo e non solamente quello…

L’autrice campana condivide, così, l’amarezza di

una realtà umanamente povera, che l’ha ferita, sin da bambina.

Discriminazione, acredine, ignoranza… sfondano la delicata soglia di un’anima in erba, segnandola profondamente.

Gianna Amendola, però, celava, gelosamente, nella propria “casa interiore”, l’incontro con la carta, il segno, il colore, da tempo immemore.

Più le vicende diventavano gravose, più quella laiason cresceva, liberando, in lei, una certezza: voleva dipingere. Si iscrive, quindi, all’Accademia di Belle Arti, distinguendosi per caparbietà e capacità: il suo “occhio” ama, infatti, una visione così diversa, rispetto agli insegnamenti, da destare approvazione e curiosità.

“Pioggia:

attraversa il mio cancello

un mazzo di iris”

                                          Ito Shintoku

L’artista crea, per rifugiarvisi, indi, un grembo, in cui è madre e creatura: la sottile membrana, che la preserva e nutre, percola ciò che può entrare.

Il torrenziale pianto muta, allora, in liquefatto nutrimento, “narrando” la vita di un “bouquet” .

In quel penetrale inviolabile, la lacrima ama intime tinte, che perdono la durezza e si sciolgono, creando un florilegio di piccole infiorescenze artistiche.

La salina goccia raddolcisce e emoziona il colore, poi, la mano dell’autrice, lo carezza, con setolati tocchi, poetando linee.

L’artista ne disvela il temperamento incontenibile, su veli di carta, elargendo spazi, testimonianze incerte e evanescenti di figure, che appartengono alla terra dell’utopia, ossia il diastema esperienziale onirico, in cui il bene superiore la fa da padrone.

L’occhio dell’osservatore viene confortato, dal “dolce naufragare” , in un liquefatto suolo alare: cielo, terra, fuoco, acqua vi si fondono e confondono, nella significanza di valori nobili.

L’autrice palesa un comprensibile rifiuto della mera realtà, per quietarsi e quietare, dove la gravità si fluidifica e scorre.

Gianna Amendola dona levità ad ogni istante esistenziale, corrompendone, amabilmente, la severità: si possono, quindi, sfogliare innumerevoli pagine, in cui l’innocente mano capovolge l’inevitabile.

Le sue opere sono suggestioni policrome visive, in cui l’innata frugalità fanciullina diventa cifra di un’espressione estetica distintiva.

Contatti dell’artista 

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Instagram giannaamendola 

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