Agosto 2023

 L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’arte 

 

L’approccio di Donatella Maino all’arte e alla parola è ricco di emozioni e significati. La sua abilità nel fondere versi poetici con opere d’arte di amici artisti apre porte a un mondo di collegamenti profondi, creando una sinergia unica tra il visivo e il verbale. I versi scelti con cura si intrecciano con i dettagli delle opere, amplificandone l’emozione e la profondità e consentendo agli spettatori di cogliere sia la complessità dell’opera visiva che la ricchezza delle parole. 

Donatella Maino amplifica le emozioni intrinseche delle opere, creando sinergie che riflettono la potenza dell’arte nella sua forma più interdisciplinare. Questo connubio permette all’osservatore di immergersi in un mondo di significati e sensazioni, trasformando l’esperienza estetica soprattutto in un viaggio intellettuale ed emotivo. 

Nelle opere poetiche di Donatella Maino emerge un’analisi profonda dell’esperienza umana, espressa attraverso una ricercata forza poetica. Le sue composizioni, dotate di una scelta lessicale ricca e potente, si rivelano veicoli di significato intenso e riflessione cosciente. La sua parola diventa voce, una sinfonia notturna di toni sfumati, dipinge immagini che si manifestano come vividi quadri mentali, svelando i complessi strati emotivi intrinseci. La raffinata composizione dei suoi versi costituisce un richiamo alla profondità dell’esperienza umana, mentre gli sguardi che attraversano le opere che ama abbinare, si fanno connessioni palpabili tra la realtà e l’effusione dell’espressione. L’abilità della poetessa nel coniugare linguaggio e arte sottolinea una relazione simbiotica tra le parole e le opere, che in tal modo vengono elevate a una dimensione di profondità e significato. 

In molte delle sue composizioni, sillabe e visioni sembrano intrecciarsi in un connubio unico, permettendo al lettore di sognare dolcemente tra le intersezioni della poesia e dell’arte visiva.

La “poesia visiva” emerge come una tendenza volta a rinnovare i tradizionali metodi di composizione poetica sfruttando le qualità visive del testo. Donatella Maino sembra abbracciare questo approccio, trasmettendo emozioni e significati attraverso l’interazione di parole e immagini, unendo così due forme d’arte distintive in una sola ed unica espressione.

           Pagina bianca           

sconfitto è il silenzio,

ha vinto il dio delle parole scritte, 

parole inventate come avanzi interiori;

 

cercano l’assoluzione 

prima ancora di essere condannate, 

aspirano ad un’identità, 

sono felici senza conoscere la felicità, 

forse cercano solo di morire in pace.

Leggi la mia pagina bianca, allora

mi amerai, quando tutto sarà spento;

diventerai un cantastorie al soldo,

con i piedi nudi nella polvere.

Il grillo del focolare

Sono morta a crampi d’anima

ascoltando il grillo del focolare,

il gorgoglio del paiolo,

il notturno di Chopin

che non ripara 

dai tuoi ritmi addominali.

Scabro e insipido,

il tuo dio all’espiazione,

di quel segno della croce

alla fine della messa.

Ballo il sirtaki della demenza,

– in cattività –

cercando granelli di vita esule

Non ti muovere

Nulla, nulla, non ti muovere,

ormai la frase è spezzata,

una parentesi e poi ancora una parentesi

ha corroso la lingua, l’anima,

più non scorre sangue nell’io insolente.

Imperversa la tua voce,

mi viene in mente l’urlo aperto cinque anni fa

mentre mi denigravo cadendo nella neve

davanti ad una sporca locanda.

Ero acqua sciolta al male…

Ancora l’insegna m’invita,

un affrettarsi di passi su e giù

agli angoli del cervello, all’imbarco per l’isola.

Così resto in silenzio e chino il capo sul petto

che mutilato disegna metà dello scempio.

 

  L’ArteCheMiPiace – Interviste

La capacità di Luca Barlocci di combinare elementi in maniera equilibrata e bilanciata è evidente, poiché ogni combinazione fotografica sembra essere uno scorrere fluido di armoniose rievocazioni. 

Lontano da definizioni strettamente razionalistiche e concezioni intellettualistiche rigide della fotografia, Luca mira a catturare le sue visioni a partire da elementi reali. Si tratta di una connessione di figure, forme ed elementi che emergono come frammenti di immagini mentali e sensazioni che risiedono nella sua memoria, riuscendo a espandersi e trasformarsi nelle molteplici e infinite potenzialità delle sue variazioni, con l’intento di non porsi limiti nella ricerca e sublimare pienamente la sua creatività.

In un delicato equilibrio di reciproca influenza, egli propone un affascinante dualismo tra improvvisazione e studio dell’immagine. L’attento utilizzo della sua lente, lo porta ad assumere il ruolo di un osservatore acuto del mondo e dell’ambiente circostante, agendo come perlustratore e investigatore intuitivo. 

Come finestre sul tempo, le sue immagini svelano l’essenza di istanti fugaci, resi indelebili attraverso l’arte di congelare il destino in attimi eterni. È come una sinfonia visiva che si svolge davanti ai nostri occhi. I suoi elementi in una continua dicotomia di luci e ombre, in una combinazione mai semplicemente epidermica, trasmettono emozioni profonde e comunicano messaggi che sfidano qualsiasi semplice sguardo.

Tutte le sue fotografie trasudano di un afflato emotivo che, scorrendo tra forme talvolta contrastanti, cattura sentimenti profondi e rimane impresso nei cuori e nelle menti di chi le osserva.

Il suo recente progetto “Pictorialism” rappresenta un interessante tentativo di rievocare e reinterpretare il movimento artistico conosciuto come Pictorialismo, che ebbe origine nel 1885. Queste affascinanti immagini riflettono la volontà di richiamare una estetica avvincente e sperimentale, con l’obiettivo di integrarla nel contesto artistico contemporaneo. Ogni scatto si focalizza sull’interpretazione soggettiva e sulla creatività dell’artista, il quale continua ad esplorare le tecniche e gli stili del pictorialismo, sia per omaggiare il passato che per esplorare nuove possibilità creative nell’era digitale.

Come hai scoperto la tua passione per la fotografia e cosa
ti ha spinto a diventare un fotografo?

Sinceramente è successo per puro caso, ho comprato la mia
prima macchina fotografica, una compatta Canon circa 10 anni fa, per il solo desiderio
di avere un archivio dei posti che visitavo nel tempo libero, principalmente musei, chiese,
borghi antichi di cui la mia regione è ricca. Questo dovuto alla mia passione e al fatto che
sono stato un restauratore e un venditore di antiquariato per più di 20 anni. Scattando poi
mi sono reso conto di quanto fosse magico quel piccolo oggetto e di quale possibilità
poteva dare ad una persona come me che ha sempre sentito il bisogno di esprimersi ma che
purtroppo non aveva nessun talento nel disegno. La passione poi è cresciuta
ulteriormente, la curiosità di scoprire quali fossero i limiti della fotografia e così da quel giorno non
ho più smesso.  

Il mondo della fotografia è vasto e variegato. Quali sono i
generi fotografici che ti affascinano di più e perché? 

Bella domanda. In realtà, a causa del mio carattere, amo
esplorare tutto, sono una persona estremamente curiosa. Non so dirti qual è il genere
fotografico che preferisco in quanto per me la fotografia non ha generi, anche se per
comodità e per distinguerli dobbiamo sicuramente dargli un qualche nome per meglio
identificarli. La fotografia è per me semplicemente un mondo e vorrei esplorarlo tutto, se il
tempo me lo concederà.  

Hai un fotografo o un’opera d’arte che ti ha
ispirato particolarmente nella tua carriera? In che modo ha influenzato il tuo lavoro?

Ce ne sono molti, a volte non nella loro totalità, magari
anche solo per una foto, ma penso che siano un pò il riflesso di quella che è la mia
formazione artistica, che è classica, dei miei sentimenti, dei miei sogni, della mia immaginazione,
alquanto fervida, delle mie speranze, dei miei canoni, di come vedo il mondo intorno a
me. Ci sono però due fotografi a cui voglio rendere omaggio e a
cui sono particolarmente affezionato, Mario Giacomelli e Masao Yamamoto.

Parlando di stili fotografici, c’è un particolare
approccio o estetica che preferisci nei tuoi scatti?

Sinceramente no. Per me la fotografia è un viaggio interiore, ho iniziato fotografando ciò che era di fronte a me, all’inizio mi piacevano molto i
paesaggi ma erano delle semplici cartoline, che si sono poi evolute nel tempo, ma non li ho
mai abbandonati. Ora ho una visone diversa di ciò che mi trovo di fronte, cerco, e non
sempre ci riesco, di portare alla luce qualcosa che non è molto visibile ad un primo sguardo.
Penso che la fotografia debba essere una cosa estremamente personale se si vuole elevarla
ad arte, quindi per farlo necessariamente deve essere riconoscibile tra le tante foto
che ci sono, e, cosa non meno importante, che il fotografo si debba in qualche modo
evolvere col tempo. Non riesco a definire artista qualcuno che impara delle tecniche, e
magari perchè arriva un pò di successo, continua ad esprimersi e a produrre sempre le
stesse cose. E’ un grosso limite della iper produzione di immagini che lasciano il tempo che
trovano. Quindi al di là delle tecniche che si usano a me interessa ciò che si vuole
esprimere.

Parlaci della tua passione per la fotografia in bianco e
nero. Qual è il fascino che questo stile ha su di te e come credi che influenzi il tuo lavoro?

Il colore che amo di più. Io vedo il bianco e nero prima che
vedere il colore ogni volta che fotografo. Un amore viscerale lo definirei, il più
accattivante dei colori, una magia.

Qual è la tua opinione sull’ importanza
dell’ attrezzatura fotografica rispetto alla creatività e alla visione personale? Puoi condividere con noi quali sono
i tuoi strumenti preferiti e quali considerazioni guidano la tua scelta?

A mio avviso non c’è nessuna correlazione tra l’attrezzatura
fotografica e il processo creativo. Tutto parte da ciò che si vuole trasferire su uno
o più scatti, che è quello che un fotografo ha nella sua testa. Va da sè che quello che conta
in realtà è la sensibilità del fotografo, la sua cultura, ciò che ama e odia, la sua
immaginazione, i suoi limiti, i desideri, la volontà di rappresentare un tema o semplicemente di
rappresentare la bellezza. La fotografia è uno strumento davvero potente, e bisognerebbe
stare attenti ad abusarne, come invece purtroppo vedo fare. Ma d’altronde viviamo in
una società consumistica e la fotografia ne è vittima come un pò tutto e tutti.

Spesso si dice che una buona fotografia parli da sola.
Tuttavia, la post-produzione è un’ importante fase del processo creativo. Come
bilanci la manipolazione digitale per ottenere l’ effetto desiderato senza perdere
l’ autenticità dell’ immagine?

Si, penso che una fotografia se buona debba dare degli
spunti per riflettere, o magari delle emozioni immediate o persino entrambe le cose. Tutto sta
nella sensibilità di chi guarda, osserva, scava. Non sono affatto contrario a sapere ciò
che il fotografo aveva in mente di esprimere con una determinata foto, ma allo stesso modo è
molto interessante conoscere il pensiero di chi si trova di fronte a quella immagine. Se una
fotografia crea questa interazione ha già raggiunto un grande obbiettivo. Per quanto riguarda la post-produzione ritengo sia un
giudizio molto personale, il senso estetico non è qualcosa di canonico, ognuno ha il suo. Chi
decide se una donna è poco o molto truccata? Qualcuno parla di buon gusto, ma ognuno ha
una sua sensibilità e percezione delle cose. Personalmente scelgo il vestito delle
mie fotografie a secondo del mio stato d’animo e di ciò che voglio rappresentare. Le
fotografie sono bellissime anche nude e crude .

 

Quali sono alcuni dei tuoi trucchi o tecniche preferite per
catturare emozioni autentiche nelle tue fotografie di ritratti? Come riesci a far emergere la
personalità dei tuoi soggetti?

 

Aspettare quello che secondo me è il momento giusto, aiutare
magari il soggetto ad esprimere qualcosa che sto cercando nel caso siano ritratti
a qualcuno che ha del tempo da dedicarmi, saper cogliere il momento se si tratta di
soggetti che ti trovi davanti, magari solo per qualche istante . Avere più tempo ovviamente permette di
stabilire un certo contatto con la persona da fotografare e questo permette anche di
vedere le sue espressioni, di poter capire meglio com’è e di poter in qualche modo scegliere
come fotografarla.

 

Come scegli le location da immortalare e quali elementi
cerchi di catturare nelle tue fotografie?

Mi fermo quando vedo qualcosa che cattura la mia attenzione,
mi siedo, cammino, vago in quel posto per cercare punti di vista diversi e cerco di
stabilire una connessione, è rarissimo che mi metta a scattare immediatamente quando la situazione
lo permette. Quando ti accorgi di una situazione o di una persona che
vuoi fotografare quanto conta l’improvvisazione e quanto, invece, lo
studio dell’immagine?

Molto conta saper improvvisare, non sai quanto tempo avrai a
disposizione, fortunatamente ho questa capacità, ma si può anche sviluppare con il tempo.
E’ fondamentale per un fotografo. Riuscire a capire e valutare quanto tempo avrai
a disposizione è altresì importante.

Qual è il progetto fotografico di cui sei particolarmente
orgoglioso?

Non ce n’è uno in particolare, per motivi diversi sono tutti
motivo di orgoglio, sono la mia storia, ed è questo che li rende tutti importanti perchè
sono il segno di un determinato periodo, allo stesso modo di singole fotografie che portano
con loro ricordi, storie ed emozioni.

Il tuo recente progetto dal titolo “Pictorialism” è un
chiaro omaggio alla radice artistica della fotografia. In questo articolo abbiamo scelto di presentare dieci opere che ne fanno parte. Ce ne parli un pò?!

Il mio bagaglio culturale personale, essendo stato venditore e restauratore di arte antica, mi ha naturalmente portato a contatto con questo tipo di fotografia e con il Movimento stesso in un processo inverso. Ho sentito il bisogno di produrre fotografie con un tratto artistico per poi prendere coscienza dell’ esistenza di una corrente fotografica che aveva già affrontato e cercato di avvicinare la fotografia alla nobile arte pittorica. Anche dal punto di vista tecnico sono state utilizzate tecniche diverse rispetto ai tratti tipici del Pittorialismo, anche grazie a moderne macchine fotografiche e nuovi software di post-produzione. Lunghe esposizioni, doppie esposizioni, tempi lunghi con movimento della fotocamera al momento dello scatto, uso di texture. Tutto questo si è concentrato su ciò che è più importante per me, la scelta dello scatto iniziale, destinato a stimolare l’ immaginazione, una riflessione, uno stato d’ animo e non solo lo stupore dell’ osservatore.

In che modo credi possa
arricchire la comprensione e l’interpretazione dell’arte fotografica nel
contesto attuale?

 

Attraverso l’adozione di tecniche e stili ispirati al
movimento pictorialista, intendo offrire una nuova prospettiva sulla
fotografia, stimolando una riflessione più profonda sul rapporto tra estetica,
emozione e narrativa visiva. Ritengo che questo possa offrire una mia personale prospettiva
estetica, permettendo di cogliere le radici dell’arte fotografica e di
confrontarle con le tendenze moderne. Credo possa in qualche modo promuovere
una riflessione approfondita sulla sua evoluzione e sull’interazione tra
passato e presente.

 

Con quali principali aspetti dell’estetica Pictorialista
cerchi di combinare il fascino del passato con il linguaggio visivo
contemporaneo?

 

Solitamente mi concentro sull’uso della luce, della
sfocatura e della texture per creare immagini che evocano un senso di emotività
e mistero. Amo osservare lo sguardo del fruitore andare verso la mia
narrazione, integrando sfumature e tonalità che richiamano un po’ le tecniche
pittoriche dell’epoca. Penso che questa fusione di elementi possa incontrare il
linguaggio contemporaneo creando connessione tra il precedente  e l’attuale.

 

 

Alla luce delle moderne tecnologie fotografiche e delle
tendenze artistiche contemporanee, quale messaggio speri di trasmettere?

 

Il mio intento è di evidenziare come l’evoluzione
tecnologica possa armoniosamente affiancare i principi artistici fondamentali,
offrendo nuove opportunità creative senza perdere di vista le radici storiche
dell’arte fotografica.

Per concludere parlaci dei tuoi obiettivi futuri come fotografo. Ci sono
progetti o sfide che hai in mente di affrontare?

Stampare il primo libro è l’obbiettivo più vicino, e viaggiare.

Contatti dell’artista

Email  lucabisbt@gmail.com

Facebook Luca Barlocci

Instagram Luca Barlocci Photographer 

Luca Barlocci è nato nel 1973 a San Benedetto del Tronto, in Italia.

Restauratore di oggetti d’antiquariato, continua l’attività di famiglia dopo aver terminato gli studi linguistici e sull’umanità.

Sempre innamorato dell’arte, soprattutto di quella antica, trascorre molto tempo, sin da quando era un ragazzino alla ricerca di piccoli tesori nascosti.

Fotografo autodidatta, nel 2011 scopre la sua passione per la fotografia che nel tempo diventa un grande amore.

Nel corso degli anni il tempo per lo studio e la ricerca fotografica  guadagna sempre più spazio e riempie le sue giornate di crescente dedizione, restituendo un prezioso senso di appartenenza ai propri luoghi e alla natura, ma anche nuova ispirazione in direzioni inattese e indagine fotografica di campi inesplorati.

Luca Barlocci ha individuato nel paesaggio una preziosa fonte di materiale vitale che attinge a ritrovare identità, a ricomporre il suo mondo interiore e a rivelare la pienezza, le sfumature e le preoccupazioni della fotografia.

Le sue immagini denotano il fascino che accompagna sempre e che l’autore riesce a trasmettere con l’arte attraverso un fascino di colore unico e la ricerca incessante della perfetta armonia.

Evidenziando l’attitudine a leggere i dati reali anche attraverso il riferimento simbolico e la rappresentazione astratta, l’autore ci mostra anche percorsi di ricerca più correlati all’inconscio. Alla rappresentazione di sé e della dualità interiore, dimostrandosi affascinato dal simbolismo, dalle evocazioni dei significati e dalle metafore, ma anche dal tratto umano, dai gesti, dai rituali quotidiani e dai segni del tempo sui volti delle persone.

La scelta del colore o del bianco e nero risponde sempre all’urgenza creativa della situazione. In un modo o nell’altro, la poesia di Luca Barlocci dimostra un presagio vitale di stimoli rigenerativi, un inno alla vita e un riferimento ai valori della terra e alla bellezza unica del paesaggio umano.

 L’ArteCheMiPiace – Divagazioni sull’arte 

di Maria Marchese |17|Agosto|2023|

— SHIIIINK — esplode la lama.

 

L’ho definita una spatola resiliente che salta, zampilla, si
contrae e, di colpo, si espande, ma anche vorace poiché ruba il colore acrilico — lo divora — e lo vomita,
immediatamente, sulle tele, con periziosa mano; la ritengo una spatola multiforme e versatile perché realizza
composizioni sempre diverse preservando una propria cifra esecutoria matura.

Una lama vivace e resultiva ha fenduto il fecondo e teso
ventre che ha partorito l’esagenesi “La rinascita”, mentre la spatola che concepisce l’opera “Maternità” è
vulnerabile.

— SHIIIINK — esplode la lama.

La Cristino vulnera la testa di questa madre con un taglio
netto: la maternità diventa allora come la foglia apostata che si posa sulla spalla di Sigfrido, la croce che ne
decreta la morte, oppure è quell’unica parte del corpo rimasta mortale — il tallone malandrino che ancora
oggi dà problemi — di Achille.

Ma la vulnerabilità è legata alla sensibilità e ad una certa
qual forma di intelligenza, così Anna Cristino la plasma in un amplesso ovoidale — marmoreo fuori e carnoso
dentro — in cui l’architettura ovale si ripete — le mammelle, il volto muliebre, la guancia del neonato, le
cosce e i polpacci… — in un intuitivo gioco speculare che suggella il senso di appartenenza, ma che
suggerisce anche il pensiero di una gestazione neo identitaria.

L’arte per la Cristino è transveberazione, l’arte della
Cristino è transveberazione: come un dardo, la sua spatola lacera, sia le carni che lo spirito, per togliere
l’eccesso e creare, ma il passo prima è quel dolore, tanto estatico come salvifico e irrinunciabile, quanto
l’amore per un figlio.

Il paradosso per antonomasia su cui anche i filosofi greci
come Aristotele o Plutarco hanno dibattuto — Ma è nato prima l’uovo o la gallina? — ha come risposta
plausibile l’uovo, e così il suo uso iconografico in tutte le culture — dal Giappone alla Polinesia, dal Perù
all’India, dall’Egitto alla Finlandia, dalla Cina all’Africa — è la rappresentazione del seme primordiale, da cui tutto ha
avuto inizio.

L’uovo di struzzo che scende dalla volta a forma di
conchiglia e come una perla rimane sospeso al di sopra del viso della Sacra Maria, nella Pala Montefeltro , del
Maestro Aretino Piero della Francesca , significa che la fede è superiore alla ragione — ratio/irrazionale 1 a 0,
come nella maternità di Anna Cristino —.

Quella stessa beatitudine sarà ricercata da alcuni dei
personaggi dipinti da Hieronymus Bosch, nel trittico “Giardino delle delizie “ il guscio delle uova, in questo
caso, è rotto — non integro quindi, come la testa della maternità dell’artista barese — e gli esseri umani ci si
tuffano letteralmente agognando il ritorno ad uno stato di pace.

René Magritte, nell’opera “ La chiaroveggenza “, tramuta un
uovo — il modello — in un uccello con le ali spiegate — il modello sulla tela — frutto di un’evoluzione
immaginata e prevista dall’estro dell’artista, facendoci riflettere sul nostro modo di concepire la realtà,
spesso troppo ottuso, e su cosa voglia dire osservare con sguardo attento. Uova sode, sciolte, integre,
rotte, incrinate, all’occhio di bue… , insomma in tutte le salse, compaiono nelle opere di un altro grande
surrealista, Salvador Dalì ; per lui l’uovo assume un’importanza tale da adornarne i tetti del suo studio a
Port Lagat, paesino di pescatori sulla costa brava della Spagna, qui uova gigantesche si stagliano contro il
cielo simili a sentinelle della sua mente sfrenata.

Nella Metamorfosi di Narciso , del 1937, di forma ovale è la
testa del mito greco cui si contrappone la mano che regge un uovo da cui spunta un fiore di narciso. Nel
dipinto del ’48 “L’Aurora”, l’uovo è raffigurato con il rosso e vivo tuorlo, mentre l’albume diviene un fiume
solcato in barca dall’essere del futuro. Nella Venus Spatiale , l’uovo poggia in equilibrio sopra il pube in una
rappresentazione della fecondità senza tempo come allude la presenza di un orologio che ha perso la sua
funzione primaria essendo liquefatto.

Fertilità è anche il tema della scultura Concetto Spaziale –
Natura, del 1967, di Lucio Fontana, in ottone lucidato; in quest’opera, il maestro dei tagli si indaga
nelle tre dimensioni: una forma ovale primordiale solcata nella sua perfezione da due semplici segni esprime
una forza inaudita. Il divenire e mutare della materia e della sua “natura” e di tutte le percezioni
fisiche ad essa legate sono la perfetta rappresentazione del fluire della vita e del pensiero.

Chi, invece, distrugge qualcosa — il guscio — è Piero
Manzoni , in quello che è l’omaggio all’uovo tra i più particolari mai realizzati da un’artista: il 21 luglio 1960,
presso la galleria Azimuth, realizza la sua performance Consumazione dell’arte dinamica del pubblico
invitando i presenti a mangiare delle uova sode da lui cucinate e innalzate al grado di opera d’arte
riportando sul guscio l’impronta del suo pollice. L’artista consapevolmente invita alla distruzione della sua creazione,
a cibarsene, contribuendo così alla rigenerazione del corpo. Un’opera sicuramente ironica che
però riflette profondamente sul tema dell’eucaristia e della risurrezione.

Ci si domanda allora se quella parte indoma — tallone,
spalla, uovo o gallina —sia fragilità o, all’opposto, virtù?.

La Maternità di Anna Cristino, come l’uovo, contiene il caos
della vita: non è però liquido ma acrilico, immediato, immanente, concreto, polveroso, pullulante di
umori cromatici e valori emotivi.

Ricordo che al mattino, da piccola, mia nonna preparava un
uovo sbattuto con lo zucchero — è ricostituente diceva —.

La saggezza e la forza, insomma, sono legate a questa
piccola identità, capace forse di guarire e il tallone e la spalla.

 

Anna Cristino è protagonista della mostra itinerante
“Penelope et Mare Nostrum”, la cui prima tappa si è tenuta presso il Club Nautico Santa Pola, in Spagna, dal 10
Giugno al 10 Luglio 2023, la cui parte curatoriale è stata seguita dallo storico e critico d’arte Valeriano
Venneri e dalla poetessa, curatrice e critica d’arte comasca Maria Marchese.

Una seconda tappa la vede presente presso il Castello Rocca
Paolina, a Perugia, come una degli artisti rappresentanti per la Spagna, e terminerà con una terza
tappa al Museo del Mar di Santa Pola, tra fine settembre e Ottobre 2023.

 L’ArteCheMiPiace – Interviste

Tonia Erbino è un’artista straordinaria la cui pittura affascina per il suo stile unico e per la sua impostazione cromatica e strutturale. La capacità di combinare colori vibranti e una composizione ben definita, le permette di creare opere d’arte che catturano l’attenzione e stimolano l’immaginazione. Nelle sue pennellate i colori si fondono e si sovrappongono in modo inaspettato, creando un senso di equilibrio e armonia. Questa sua abilità aggiunge alle sue composizioni un senso di stabilità e forza, rendendo le sue opere visivamente accattivanti e compiute.

  L’ArteCheMiPiace – Segnalazione Eventi 

In un’atmosfera carica di emozioni e ispirazione, si avvicina l’evento culturale “Onde d’amore… un mare di poesia“, promosso con passione dal Comune di Crosia attraverso l’Assessorato alla Cultura. 

Questo interessante evento prende vita grazie alla volontà e alla brillante dedizione di Giuseppe De Rosis, un fervente sostenitore della bellezza e dell’importanza della parola poetica,  e alla volontà di Paola Nigro nell’aver accolto questa brillante idea di divulgazione culturale.

In programma, per venerdì 11 Agosto 2023 presso l’Arena del Mare Promenade Centofontane di Mirto Crosia,  una serata indimenticabile interamente dedicata al tema dell’amore, dove le parole si fonderanno in un caleidoscopio di emozioni, attraverso letture di lettere, brani e poesie appassionatamente dedicati all’amore. 

L’attenta coordinazione e introduzione saranno curate da Iole Aragona, che guiderà il pubblico attraverso una serie di momenti di profonda riflessione e coinvolgimento.

Il pubblico sarà accolto dai saluti di Paola Nigro, Assessore alla  Cultura del Comune di Mirto Crosia, che sottolineerà l’importanza dell’unione tra le comunità nella promozione dell’arte e della cultura.

Gli spettatori avranno l’opportunità di ascoltare il Professore  Giuseppe De Rosis e il giornalista-sociologo Antonio Iapichino, che aggiungeranno interessanti approfondimenti e saggezza all’evento con le loro riflessioni. 

Le letture e le interpretazioni poetiche, coordinate con cura e ispirazione dal Professor De Rosis, saranno eseguite da selezionati lettori, scelti tra autori e appassionati della cultura letteraria.

Un ulteriore elemento di bellezza verrà aggiunto alla serata attraverso le opere di artisti locali.  Gli autori che arricchiranno la scenografia dei relatori con la loro espressione artistica sono Alfonso Caniglia, Sonia Quercia, Giuseppina Irene Groccia, Isabella Tucci, Immacolata Tucci e Michele Tucci.

E non è tutto: gli intermezzi musicali che doneranno un tocco di magia e atmosfera, saranno curati dal Maestro Gianfranco Ferrarese, che aggiungerà le giuste note di armonia al flusso delle emozioni.

Non perdete l’opportunità di partecipare a questa esperienza di profonda connessione dedicata alla poesia e all’arte.

 L’ArteCheMiPiace – Segnalazione Eventi 

A PASSO D’ARTE

SFILATA DI ABITI IN CARTA E PLASTICA 

L’Associazione Ruskia APS è lieta di annunciare,  dopo un periodo di riflessione e di riprogettazione, il ritorno delle proprie attività con l’evento “A passo d’Arte“, una straordinaria sfilata di abiti creati utilizzando materiali ecologici come carta e plastica. Le menti creative di Sonia Quercia e Veronica Martino, conosciute come SOEVE, hanno dato vita a una collezione unica che incarna l’arte e la sostenibilità.

Questo eccezionale evento, patrocinato dal Comune di Cariati, avrà luogo presso il prestigioso Mu.M.A.M Museo del Mare, dell’Agricoltura e delle Migrazioni, situato nel centro storico di Cariati nel settecentesco Palazzo Chiriàci.  Un connubio perfetto tra creatività e storia, che fornirà lo sfondo ideale per esibire opere d’arte indossabili che raccontano storie di trasformazione e innovazione.

Durante la serata, avremo il piacere di ascoltare le parole ispirate di Anila Dahriu, Giuseppina Irene Groccia e Pierluigi Rizzo, che condivideranno con il pubblico i loro versi e le loro prospettive poetiche, offrendo un’ulteriore dimensione di profondità e riflessione all’evento.

Inoltre, sarà possibile ammirare le straordinarie opere del Maestro Alfonso Caniglia, che saranno esposte per arricchire questa eccezionale serata.

Vi invitiamo calorosamente a partecipare a “A passo d’Arte“, un evento che celebra la creatività, la sostenibilità e l’espressione artistica in forme nuove ed emozionanti.