Maggio 2023

Nella sua Serie Faces ognuno dei volti di celebrità  mostrati rivela qualcosa della personalità a cui appartiene. Helnwein riesce a rintracciare in loro le qualità specifiche, i cliché legati ai loro nomi o addirittura, le caratteristiche associate alle loro professioni, e a renderle visibili. 

Gottfried Helnwein, William S. Burroughs 1990 

Le fotografie mostrano così chiaramente lo scopo di Helnwein da lasciare che i suoi soggetti raccontino di se stessi, il loro lavoro, il significato che questo ha lasciato su di loro, i loro problemi, tutti hanno lasciato il regno dell’analogia per diventare immagini di Helnwein. Improvvisamente è irrilevante se sono stati dipinti o fotografati. Inoltre, si sa che potrebbe dipingerli altrettanto bene in modo simile.

La visione di Gottfried Helnwein della realtà è sempre stata analitica e critica. Non per niente la sua arte conosce solo seguaci o avversari, ma nessuna indifferenza. Allo stesso modo, nella serie “Faces” ha anche affrontato i rappresentanti di spicco della nostra società, che provengono prevalentemente dal campo culturale, letterario, artistico, musicale e cinematografico. 

Gottfried Helnwein, Charles Bukowski 1991

Le sue immagini smascherano, anche se non sono voyeuriste. Ma, ovviamente, è sempre riuscito a convincere le personalità ritratte a rivelare qualcosa di se stessi.

Jim Dine

Oltre alla pittura, al disegno, alle stampe e alla scultura, Jim Dine sceglie anche la fotografia come mezzo per la sua pratica artistica.  Apprezza la spontaneità del processo fotografico per il suo impegno ossessivo con l’autoritratto.  L’interesse di Dine per le diverse sfaccettature del proprio io si esprime sotto forma di molteplici ritratti, per i quali combina più volte la propria immagine in diverse varianti o si fotografa con persone a lui vicine, come sua moglie, la fotografa Diana Michener.

Jim Dine è un eclettico artista americano dedito, dagli anni ’60, alla pittura, alla scultura e alla grafica e che, solo dalla seconda metà degli anni ’90, ha iniziato ad utilizzare il medium fotografico per la propria ricerca.

La sua irruzione negli anni ’50 e ’60 nel mondo newyorkese dell’arte con i suoi happening e assemblaggi è stata acclamata in tutti i media. Anche se sono normalmente associate al movimento pop art degli anni ’60, le creazioni di Dine rispondono a un’eterna ricerca di se stesso e a un’introspezione nell’essenza umana. In più di quarant’anni di incessante attività ha creato un’impressionante produzione di pittura, scultura, grafica, libri d’artista e fotografia.

Durante la sua carriera arte e fotografia non hanno potuto ignorarsi e hanno cominciato a camminare l’una di fianco all’altra influenzandosi a vicenda. Il suo virtuosismo e il suo spirito di innovazione hanno creato innumerevoli opere di indiscutibile potere e bellezza. Il suo immaginario è popolato da figure iconiche di grande forza suggestiva. 

Tutto questo è anche evidente nei libri d’artista che Jim Dine ha creato nel corso della sua vita. Essi completano le arti visive, la poesia e l’amore per la letteratura. La doppia sensibilità per l’immagine e le parole conferiscono al suo lavoro in tutti i campi una qualità poetica che luccica con particolare luminosità nei suoi libri d’artista. Per Dine il termine libro d’artista descrive quella classe speciale di libri con opere grafiche originali che vanno oltre la semplice illustrazione e che costituiscono manifestazioni di importanza equiparabile o superiore a quella del testo stesso dell’autore.

In contrasto con i suoi precedenti dipinti concettuali e in stile Pop, il lavoro più recente di Dine è stato prevalentemente fotografico. Dine crede che la fotografia abbia una forza che altri media non hanno, dicendo: “È stato abbastanza illuminante per me tutto ciò che si può esprimere con la fotografia che non ho voluto trasmettere con la scultura e la pittura.”

La mostra ha presentato anche progetti che esplorano l’identità delle persone comuni attraverso il loro rapporto con i loro spazi di vita privati ​​e l’ambiente topografico.  I ritratti intimi vengono creati in dialogo con le persone a se vicine.  Questi sono giustapposti a opere in cui mondi di vita sfaccettati sono visti da una sobria distanza.  

Alcuni fotografi catturano singoli personaggi in iconici e singoli scatti oppure in studio, in momenti straordinari.  Al contrario, le registrazioni seriali, che vengono create su un periodo di tempo più lungo attraverso l’esame continuo dei ritratti, consentono una visione più differenziata del ritratto.

Le fotografie in mostra hanno trattato temi come l’identità culturale, le relazioni personali e i diversi ambiti dell’esperienza, nonché questioni relative alle origini degli individui e a se stessi.

Lucia Papčová

Nella Serie “Nonni”, Lucia Papčová affronta il rapporto tra i suoi nonni.  Il lavoro seriale mette in luce il legame affettivo della coppia e amplia così il concetto convenzionale del ritratto.  Le precise osservazioni di Papčová si concentrano su visioni parzialmente frammentarie dei corpi da insolite angolazioni.

Gli sposi appaiono fragili e vulnerabili a causa della loro nudità, a volte intimamente mostrata, e del processo di invecchiamento reso visibile dalla visione ravvicinata.  Le registrazioni mute possono essere lette come un memento mori quando Papčová mette in scena la nonna in camicia bianca sdraiata sul letto come se fosse senza vita.

Diverse foto, appese in una disposizione predeterminata, forniscono intuizioni toccanti sulla vita di queste due persone anziane. Gli scatti di diverse dimensioni creano un gioco di vicinanza e distanza, che apparentemente riflettono anche il rapporto tra i due.

“La mia strategia è registrare, osservare. Quindi trovare un modo per creare le condizioni per una situazione che si svilupperà per sua volontà, per sua natura e mantenendo il carattere delle persone e dei luoghi coinvolti. La mia posizione artistica è più quella di un grilletto che di un regista. Scoprire il modo giusto per innescare è il lavoro più difficile. Poi osservo e cerco di dare alla registrazione la forma giusta per presentare ciò che ho visto.

Mi ci sono voluti molto tempo e molti incontri per trovare il modo di lavorare con le persone coinvolte in una tragica causa politica iniziata 40 anni fa e ancora irrisolta a causa di strutture sopravvissute alla rivoluzione dell’89 e che hanno cambiato solo nomi e strategie per confondere il pubblico. Le installazioni video risultanti mancano di qualsiasi affermazione diretta sulla problematica: lo scopo era mostrare qualcosa di molto più sottile e astratto.

Mi ci vuole molto tempo per trovare le condizioni in un paesaggio che mi forniscano una convergenza di luce, umidità, spazio e punto di vista per creare un’immagine così sottile che non c’era quasi nulla da vedere lì dentro. Sono convinto che questa sottigliezza fornisca una certa profondità, che può essere scoperta dopo che lo spettatore accetta di essere coinvolto, di fissare e di aspettare ciò che vedrà.

La registrazione è un lavoro con qualcosa che non si comprende appieno. È il mondo con tutte le incertezze, i processi e le dimensioni che non possiamo veramente coprire. Questa cooperazione con l’esterno e le sue dinamiche è il mio principale interesse.

Invito lo spettatore a entrare, a co-creare, a fissare, senza distrazioni, qualcosa che non è destinato a essere finito.”

Lucia Papčová

Manfred Willman

Nato a Graz, in Austria, nel 1952 – è considerato uno dei più importanti artisti fotografici d’Europa.

Strettamente biografica la serie dal titolo “Für Christine”, realizzata fra il 1984 e il 1988 e presentata in questa occasione. Le immagini mostrano diversi momenti della vita del fotografo insieme alla sua compagna Christine Frisinghelli.  

Qui, il volto della donna si combina con sfondi e motivi già presenti nell’opera di Willmann, di modo che la valenza biografica risulti doppia: sia per autocitazioni artistiche, sia per l’elemento affettivo della propria vita privata. Per questa ragione il carattere intimo che sempre contraddistingue l’opera del fotografo, aumenta la sua portata, in particolare negli interni domestici; immagini abilmente costruite ma capaci di comunicare complicità.

Il suo lavoro è caratterizzato da lampi abbaglianti, l’uso di primi piani e il capovolgimento di un presunto idillio nel suo opposto.  Attraverso il suo sguardo spietatamente soggettivo e la combinazione di ritratti con scatti di oggetti quotidiani, visualizza un’atmosfera intima costante. Due fotografie scattate casualmente una dopo l’altra vengono selezionate dalla striscia negativa come dittici.  Il bordo negativo visibile nel lavoro finale serve come prova di questa pratica autoriflessiva.

Manfred Willman si appropria dei metodi e delle forme della fotografia documentaria per creare un lavoro concettuale vividamente colorato. Per sottolineare l’apparente mancanza di reportage nelle sue immagini, Willman raffigura persone che svolgono i compiti più banali – lavorare, pulire, mangiare, giocare – così come animali vivi e morti. 

Si alterna liberamente tra paesaggi, ritratti, nature morte e scatti di dettaglio. A parte un potente flash che tira fuori le sue figure dallo sfondo portandole in rilievo, Willman non manipola affatto le sue immagini. Concentrandosi sulle minuzie poco spettacolari, crede che il suo lavoro operi all’interno di un registro simbolico; le figure scompaiono e le fotografie riemergono come un’impronta di un momento condiviso tra fotografo, soggetto e luce.

Come Direttore di “Fotogalerie im Forum fotografia contemporanea”, dal 1979 al 1996 ha organizzato in collaborazione con Christine Frisinghelli simposi annuali sulla fotografia. Dal 1980 al 2010 è stato fondatore ed editore di “CAMERA AUSTRIA International” che si è imposta come una delle principali riviste fotografiche in Europa. 

Dal 1981 in poi, le visite regolari nella regione della Stiria sud-occidentale della sua patria hanno dato origine al ciclo “Das Land“. Nel 1994 è stato insignito del Cultural Award dalla German Photographic Association (DGPh); nel 2009 ha ricevuto l‘Austrian State Award for Photography. Le sue opere sono ampiamente esposte, anche nel Museum of Modern Art di New York.

Leo Kandl 

Nella serie “Weinhaus”,  Leo Kandl fotografa l’ambiente sociale delle taverne e delle locande viennesi a buon mercato.  Usa un linguaggio visivo diretto e momentaneo, in cui si affida a sezioni di immagini flash e frammentate.  

Ultimo ma non meno importante, il documentarismo soggettivo di Kandl risulta dalla vicinanza spaziale al ritratto, il che indica che il fotografo è integrato nell’ambiente che sta catturando e che la sua visione non è quella di un estraneo.  Allo stesso tempo, le fotografie di Kandl rappresentano una rottura con i rapporti viennesi convenzionali, sproporzionatamente più tradizionali, che spesso servono cliché turistici.

Nato nel 1944 a Mistelbach, nel 1963 ha iniziato a studiare pittura all’Accademia di Belle Arti di Vienna con Gustav Hessing (nella stessa master class di Peter Dressler); laurea in educazione visiva nel 1969; attività di docente per l’educazione visiva fino al 1995. Vive e lavora a Vienna. 

Per lui, la fotografia è un mezzo di esplorazione dell’apparentemente banale, insignificante, poiché si tratta di sociogrammi visivi di una «condizione umana»; Leo Kandl è uno dei pionieri viennesi della cosiddetta «fotografia d’autore»: innumerevoli mostre e partecipazioni alle mostre e pubblicazioni. 

Con il suo lavoro, è rappresentato in tutte le collezioni fotografiche austriache rilevanti così come in importanti collezioni internazionali; numerosi premi, tra cui il «Otto Breicha-Prize for Photo Art» del Rupertinum Salzburg così come il «Würdigungspreis für Fotografie des BM für Unterricht und Kultur» (1994) e il «Würdigungspreis für Fotografie des Landes Nieder”

Paul Kranzler

La realtà quotidiana della vita e gli ambienti sociali sono temi centrali nelle fotografie di Paul Kranzler. 

Nella sua serie fotografica Tom, a cui ha lavorato tra il 2004 e il 2006, Paul Kranzler sviluppa un ritratto del giovane Thomas, soprannominato Tom. Per quasi tre anni, Kranzler ha accompagnato Tom, ottenendone l’amicizia nel corso del tempo. 

Tom e la sua famiglia sono catturati nella loro vita quotidiana a Kremstal, in Alta Austria. Nel contesto del suo ambiente di vita, una fattoria nelle province austriache, include anche fotografie della sua famiglia e dei suoi amici, nature morte, architettura e interni.  

Il risultato è un ritratto ampliato in un panorama della vita quotidiana – in un certo senso: una sociologia visiva, che svela modi di vivere, questioni di gusto, così come le condizioni economiche di una classe e le relazioni sociali dominanti.

Con il suo ritratto della vita in provincia, Kranzler segue una tradizione fotografica fondata dal fotografo di Graz, Manfred Willmann con il suo progetto “Das Land”.

Paul Kranzler, nato nel 1979, ha studiato all’Università di Arte e Design di Linz. Il suo lavoro è esposto e pubblicato a livello internazionale e si trova in importanti collezioni pubbliche come l’Albertina o la Collezione fotografica al Rupertinum di Vienna.

Thomas Ruff

La ricerca di Thomas Ruff di uno stile di ritratto contemporaneo trova il suo equivalente nell’estetica della fototessera.  Il ritratto (A. Koschkarow) della fine degli anni ’90 è soggetto a rigide regole compositive concettuali per la sua frontalità, lo sfondo neutro e persino l’illuminazione.  L’estrema oggettivazione del volto rende eccessivamente visibili i dettagli della superficie, ma allo stesso tempo cancella l’individualità del soggetto.

Nei primi anni ’80, quando la pittura neo-espressionista aveva messo all’angolo il mercato dell’arte, l’artista tedesco Thomas Ruff ha intrapreso una serie estesa di ritratti fotografici che hanno una forte somiglianza con i registri della polizia o le immagini dei passaporti. La frontalità dei volti semplici e disadorni e la neutralità dell’espressione, dell’illuminazione e dello sfondo sembrano mirare alla massima obiettività o, nelle stesse parole di Ruff, a una “sostenibilità super neutra“. Tuttavia, il grande formato e la nitidezza dei dettagli destabilizzano i parametri fotografici convenzionali come la somiglianza, l’identità e la documentazione.

Questi volti sono posseduti da una presenza auratica che oscilla tra attrazione e vulnerabilità, intimità e alienazione. In un’intervista, Thomas Ruff ha descritto il processo alla base delle immagini come segue: “Ho iniziato con il bianco e nero, ho provato diverse fonti di luce, e poi ho iniziato a ridurre gradualmente ciò che si vede nelle immagini – fino a quando alla fine sono arrivato alla foto del passaporto, l’ur-portrait. Poi ho pensato: chi potrei fotografare? Alla fine, dovevano essere i miei amici. Ho detto loro di sembrare sicuri di sé ma anche di tenere a mente che venivano fotografati. Quando ho esposto i grandi ritratti, alcune persone si sono arrabbiate con me perché non sopportavano di guardare un ritratto senza ricevere ulteriori informazioni”.

Bernard Fuchs

Nella sua serie Portraits, Bernhard Fuchs caratterizza l’identità di una persona attraverso il suo rapporto con l’ambiente in cui vive.  Le sue registrazioni sistematiche e fattuali si concentrano sull’area regionale geograficamente definita della sua regione di origine nel Mühlviertel dell’Alta Austria.  

La preoccupazione di Fuchs per il tema dell’imprinting sociale divenne rilevante solo quando fu in Germania per studiare fotografia.  Nell’esaminare i ritratti degli abitanti delle campagne, Fuchs riflette anche sulla propria biografia.