Maggio 2024

 L’ArteCheMiPiace – Segnalazioni Eventi

“SELFIE D’ARTISTE”

Mostra collettiva reale-virtuale3D 

di autoritratti fotografici di artiste e fotografe donna. 

1 – 15 giugno 2024

Ian Art Gallery – Milano

di Redazione |31|Maggio|2024|

Domani, l’attesa mostra collettiva ‘Selfie d’Artiste‘ inaugurerà il suo percorso con un format innovativo che consente di esperire l’arte in un modo nuovo e diversificato. I visitatori sono invitati a prenotare un appuntamento per accedere all’esposizione fisica, dove potranno immergersi nell’atmosfera intima e accogliente che accompagna le opere delle cinque artiste coinvolte. La vera sorpresa risiede nell’esperienza virtuale 3D, che promette una immersione totale, consentendo ai visitatori di partecipare all’esposizione da ogni parte del mondo.

Lo spazio intimo e accogliente è stato progettato per creare un’atmosfera di calma e riflessione, che permette ai visitatori di immergersi in un’atmosfera molto ravvicinata al mondo artistico delle cinque artiste coinvolte in questo primo appuntamento di un ciclo di esposizioni. L’esperienza virtuale 3D si integra perfettamente in questo contesto, offrendo una visione coinvolgente e immersiva delle opere esposte. Grazie a questo format innovativo, i visitatori potranno approcciare l’arte in un modo più intimo e personale, ottenendo una traccia intensificata nella loro mente.

Artiste o fotografe donna che indagano ed esplorano la propria natura fisica, psicologica e metafisica fotografandosi. In una mostra collettiva in contemporanea sia fisica in galleria (accesso selezionato, su richiesta) che virtuale 3D online su www.ianartgallery.com

Milano, 21 Maggio 2024 

“E’ da tempo che avevo mente alcune mostre collettive da organizzare con artiste e fotografe donne. La spiegazione? Ogni volta che mi imbattevo online in una immagine che mi colpiva, andavo a vedere l’autore… e spesso scoprivo e scopro tuttora trattarsi di una artista o fotografa donna. Non so come spiegare, se la differenza di visione, particolarità o sensibilità, ma qualcosa mi colpiva e ancora mi colpisce. Inizio la serie di mostre al femminile presso Ian Art Gallery con Selfie d’Artiste, autoritratti fotografici in cui artiste e fotografe donna indagano ed esplorano la propria natura fisica, psicologica e metafisica fotografandosi: Anna Maria Colace, Linda De Luca, Marie Dew, Giulia Efisi, Patrizia Mori sono le bravissime artiste e fotografe selezionate per questa collettiva”, spiega A.D. Iannotti, ideatore e curatore della mostra e direttore di Ian Art Gallery. “La mostra vuole anche rinobilitare l’autoritratto d’artista, che tanto importante ruolo ha rivestito nei secoli, non solo realizzato per vanità o testimonianza, ma anche per risparmiare sui modelli nella pratica e sperimentazione dell’artista. Mentre l’uso del termine selfie è volutamente provocatorio per far intendere che, seppur oggi assolutamente predominante, non esiste un solo tipo di auto-immagine, quella auto-celebrativa, ma può essere anche più profonda, con valenze artistiche e con un valore che dura nel tempo“.

Le artiste e fotografe hanno tutte un curriculum di rilievo e hanno esposto in numerose mostre di livello: 

Anna Maria Colace, nata a Parghelia (VV), si trasferisce a Firenze a 18 anni per laurearsi in Scienze Forestali e Ambientali, e ora vive a Torino. Fotografa autodidatta dal 2007, unisce il suo occhio scientifico e la sua passione per la natura, rappresentando “paesaggi” che sono la sintesi del suo sentire. Partecipa a mostre personali e collettive e ha una community online molto attiva.

Linda De Luca nasce a Milano nel 1963, si diploma all’istituto statale d’arte. Collabora negli anni ’80 con agenzie pubblicitarie tra cui Ata Univas e Benton & Boweles. Si riappropria negli ultimi anni dell’arte fotografica dandone una visuale tra il racconto onirico e un viaggio nella sensualità. Dove le sue immagini si nutrono del bianco e nero della fotografia stessa.

Marie Dew, artista, fotografa e modella, vive e opera Lure in Francia. Nasce nel ’77, infanzia complicata, disagio nel proprio corpo, ribellione, provocazione, passione per le parole, le lingue, la droga, il sesso, il rock’n’roll, i collage e la fotografia analogica. idealista, depressa, ipersensibile, ex professoressa di lettere e inglese, disabilità, sordità, modella fotografica, burnout nel 2016, ricerca di un senso nella vita, yoga, psicoterapia, creazione, shibari, effervescenza creativa, reinvenzione di sé: fotografia, performance, scrittura, collage, blablabla…

Giulia Efisi, artista e fotografa, vive e opera tra il Chianti e Berlino. Nasce nel 1971, bambina felice sognante e fantasiosa, che rincorre le fate e i folletti fino a che ha potuto. Crescendo ha studiato sempre molto fino ad arrivare a sostenere un percorso universitario: Filosofia la disciplina a lei più consona. Insegnante nella vita lavorativa solo intorno a quaranta anni si è scoperta fotografa. E la sua vita è cambiata. Ha esposto in numerose mostre in Italia e in Germania, ed è apparsa pubblicata su diversi magazine.

Patrizia Mori, artista e fotografa, nata a Siena nel 1955 dove vive ed opera. Ha sempre frequentato l’arte da spettatrice e sperimentata da amatore, iniziando con la pittura, il teatro e dal 2006 la fotografia. Nella sua ricerca evita gli artifici di un estetismo fine a se stesso e cerca soprattutto la storia, il racconto che nasce quasi sempre prima degli scatti, e trova forma nelle cose che si fanno indagare. Alcuni le hanno rimproverato di non avere uno stilema ma quello che lei cerca sempre è la sua sincerità e lei assomiglia alle sue foto.

Media partner e collaborazioni: 

Art & Investments, Arti Services, ContempoArte Magazine, Exit Urban Magazine, Kings_miark, Lartechemipiace.com, Serenarossiartecontemporanea.it, Justina Ebegbelumhen, Walter Festuccia, Olga Matsyna, Daniela Pronestì.

Ian Art Gallery è un innovativo phyrtual-phygital-clhub, un mini centro polifunzionale reale-virtuale situato nei pressi di Milano dedicato a eventi e attività artistiche, culturali e spirituali in loco e in connessione con il mondo. Ideato dall’artista multidisciplinare Ian Art per dare modo ad artisti, intellettuali ed esperti non-mainstream, a inizio carriera o che ricercano nuove vie, sia italiani che internazionali, di far conoscere il proprio lavoro. Lo spazio ospita eventi fisici ma è anche un virtual hub aperto e in comunicazione con tutto il mondo. Inaugurato all’inizio del 2024. 

L’accesso è riservato a richiesta o su invito. 

Info, disponibilità e contatti

email: gallery@ian-art.net 

instagram @ianartgallery 

facebook: @ian.art.gallery.milan 

sito web: www.ianatgallery.com

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L’ArteCheMiPiace – Interviste

Un mondo fatto di suggestioni e stimoli visivi

L’ arte di Manuel Binda

L’opera di Manuel Binda si presenta come un affascinante
viaggio attraverso una molteplicità di espressioni, ognuna delle quali è
intrinsecamente connessa dall’unità del suo pensiero creativo e dalle scelte
iconografiche di massa che lo caratterizzano.

In ogni suo lavoro, emergono chiaramente le diverse
sfaccettature del suo talento artistico, che spaziano dalla reinterpretazione
di icone popolari alla riflessione su tematiche sociali e culturali
contemporanee.

Ciò che colpisce maggiormente è la coerenza concettuale che
avvolge ogni sua opera, indipendentemente dalla sua forma o tecnica espressiva.
Ogni elemento visivo, ogni dettaglio, sembra contribuire alla costruzione di un
universo artistico distintivo, in cui il pensiero creativo dell’artista si manifesta
in tutta la sua complessità.

Al centro della pratica creativa di questo talentuoso artista sta la sua
sensibilità artistica, una forza motrice che contraddistingue ogni aspetto del
suo lavoro. Questa empatia si manifesta attraverso una profonda comprensione
degli elementi estetici e concettuali, che si riflettono nelle scelte
cromatiche, nella composizione e nel tema delle sue opere. L’artista,
frequentemente, crea accostamenti cromatici tra tonalità complementari, mentre
il gioco di luci e ombre si basa sulle interazioni tra colore e luce,
aggiungendo bagliori a una trama pittorica estremamente complessa.

Le rappresentazioni iconografiche di massa, sapientemente
integrate nelle opere di Binda, non si limitano a rappresentare semplici
citazioni o omaggi, ma diventano piuttosto strumenti attraverso i quali
l’artista mette in discussione le convenzioni culturali e sociali offrendo allo
spettatore una prospettiva nuova e a volte provocatoria sulla realtà
contemporanea.

Attraverso una ricca tessitura di simboli e segni, egli invita il pubblico a immergersi in un viaggio intellettuale e sensoriale, in
cui ogni dettaglio ha il potere di suscitare curiosità e stupore. In questo contesto, la coerenza del suo pensiero creativo  diventa evidente, poiché ogni elemento visivo è
parte integrante di una storia più ampia e complessa. Parole, frasi, numeri e
segni diventano così le chiavi per aprire le porte della sua narrativa visiva,
consentendo allo spettatore di entrare in un mondo fatto di suggestioni e
stimoli visivi.

Nelle sue opere emerge una caratteristica
fondamentale: quella di riflettere la tendenza dei creativi contemporanei a
esplorare nuovi linguaggi espressivi.

La libertà di personalizzare miti cinematografici per
adattarli al proprio talento è evidente in tutta la sua produzione, un lavoro in cui spesso richiama e reinterpreta una ritrattistica con forti richiami alla street
e alla pop art. La sua originalità emerge nel modo in cui fonde queste
influenze con la sua visione contemporanea, creando opere che sono al contempo
un omaggio alla storia del personaggio rappresentato e una dichiarazione di
identità artistica personale.

Possiamo definire la sua arte una manifestazione autentica e sincera della sua indole creativa, libera da schemi predefiniti e costantemente aperta all’esplorazione di nuove frontiere artistiche.

Nella seguente intervista avremo modo di immergerci nel suo mondo creativo, esplorando le influenze, le ispirazioni e i suoi progetti futuri

Cosa ti ha avvicinato alla pittura e quando? E quali esperienze e studi artistici hai avuto?

Sono sempre stato immerso nell’arte fin da quando ero
piccolo, mia madre aveva la passione per la pittura e le stavo spesso accanto a
fare i miei “pasticci” mentre dipingeva, crescendo non ho mai abbandonato
quella che é diventata una passione e ho continuato i miei studi artistici da
autodidatta, nella tarda adolescenza mi sono appassionato al mondo dei
tatuaggi,con il tempo sono riuscito a trasformarlo nel mio lavoro e ciò mi ha
permesso di poter stare sempre a contatto con carta e matita.Mi sono riavvicinato
alla pittura poco tempo fa, un po’ per caso, e un po’ per mettermi in gioco per
vedere cosa avrei saputo fare se al posto della matita ci fosse stato un
pennello.É stato il desiderio di regalare a una persona a me cara  un qualcosa che potesse descrivere le
sensazioni che stavo vivendo in quel momento e la rendesse indelebili anche a
distanza di anni  che mi ha portato a
fare il mio primo dipinto su tela.Mi sono piaciute molto le sensazioni che mi
ha lasciato dipingere quel quadro ed il risultato non era male, così ho deciso
di continuare.

 

 

 

Quali sono le principali influenze culturali che ispirano il
tuo stile, caratterizzato da evidenti richiami alla street pop?

La mia arte è profondamente influenzata da una varietà di
fonti culturali, che spaziano dalla street culture alla pop art. La street
culture ha avuto un impatto significativo su di me. Sin da piccolo ero
affascinato dall hip-hop, i graffiti così diretti, la musica con la sua energia
grezza e i testi taglienti, ha ulteriormente arricchito il mio vocabolario
visivo, permettendomi di creare opere che riflettessero l’energia e la
ribellione intrinseca alla vita di strada.Parallelamente, il cinema cult ha
giocato un ruolo cruciale nella mia formazione artistica. Film come “I 400
colpi” di François Truffaut, con la sua narrazione sincera e toccante
dell’infanzia ribelle, “Blow” di Ted Demme, che esplora il mondo del
traffico di droga con un’estetica unica, e “Will Hunting – Genio
ribelle”, che racconta una storia di crescita personale e scoperta di sé,
hanno tutti influenzato il mio modo di vedere il mondo. Questi film mi hanno
insegnato l’importanza di creare opere che non solo attirano l’attenzione
visiva ma raccontano anche una storia profonda.Un’altra figura chiave nella mia
ispirazione è Jean-Michel Basquiat. La sua capacità di mescolare elementi della
street art con riferimenti storici e culturali mi ha profondamente colpito. Mi
affascina come Basquiat usasse parole cancellate e frasi frammentate per creare
una tensione visiva e concettuale nelle sue opere.Questa fusione di influenze
mi permette di esplorare temi contemporanei in modo unico, creando opere che
non solo attirano l’attenzione visiva ma stimolano anche la riflessione.

 

Quale messaggio è possibile leggere nei tuoi dipinti?

Ogni dipinto ha un messaggio differente, raccontano una
parte di me, del momento che sto vivendo o come mi sento,  ma lascio che sia l’osservatore a dargli il
significato che più gli appartiene dandogli la propria interpretazione,
l’importante per me è che sia in grado di suscitare un emozione.

Ci puoi illustrare il tuo processo creativo? Come nasce una
tua opera? Quale è il tuo approccio solitamente?

Il mio processo creativo nasce dall’idea e dal messaggio che
desidero trasmettere. Spesso, l’ispirazione viene da una citazione che mi ha
particolarmente colpito. Inizio ‘sporcando’ la tela con delle bombolette spray,
creando uno sfondo dinamico e spontaneo. Successivamente, dipingo il soggetto
principale, che rappresenta il fulcro dell’opera. Infine, concludo inserendo
delle frasi significative utilizzando i marker, per rafforzare il messaggio e
dare un tocco personale al tutto.”

Tra le varie tecniche che utilizzi per sperimentare, quale
prediligi e quali di queste ti soddisfa maggiormente?

Tra le varie tecniche che utilizzo, prediligo sicuramente
quella con le bombolette spray. Questa fase mi permette di dare libero sfogo
all’impulsività e di esprimere i miei canoni estetici senza seguire troppe
regole. È un momento in cui l’arte si manifesta in modo più spontaneo e
autentico, e questa libertà creativa è ciò che mi soddisfa maggiormente.
Inoltre, mi piace anche la parte finale di un dipinto, quando aggiungo gli
ultimi dettagli, poiché è lì che l’opera prende la sua forma definitiva e il
messaggio si completa.

C’è un tema o un messaggio ricorrente nelle tue opere?

No, variano spesso i messaggi, direi in base al periodo che
sto vivendo, alle emozioni che sento e che vorrei trasmettere.Nei miei dipinti
ci sono spesso delle citazioni collegate a delle immagini penso che questo li
renda più “leggibili” e diretti all’occhio di chi li osserva.

Quali sono i tratti distintivi della tua ricerca?

I tratti distintivi della mia ricerca artistica si
concentrano principalmente sulla mia palette di colori personale. Uso una
combinazione specifica di tonalità che a me trasmettono emozioni particolari e
danno un’identità unica alle mie opere. Questa scelta cromatica riflette il mio
stile e i messaggi che voglio comunicare. Amo anche esplorare il contrasto tra
l’impulsività delle bombolette spray e la precisione dei dettagli finali con i
pennelli, integrando testi significativi che arricchiscono ulteriormente il
significato dell’opera.

Come scegli i soggetti da rappresentare?

Scelgo i soggetti da rappresentare principalmente in base al
messaggio che desidero comunicare. Ogni soggetto che seleziono ha un
significato simbolico o rappresenta un concetto che voglio trasmettere
attraverso la mia opera. Spesso mi ispiro da citazioni o idee che mi
colpiscono, e cerco di trovare un modo visivo per esprimere quei concetti. È un
processo che richiede riflessione e ricerca, ma alla fine, mi guida sempre il
desiderio di comunicare un messaggio significativo attraverso la mia arte.

Cosa stimola la tua creatività ?

La mia creatività è stimolata da una varietà di fonti. Le
esperienze quotidiane, le riflessioni personali e gli incontri casuali spesso
accendono la mia immaginazione. Le citazioni da libri, film e canzoni che mi
colpiscono profondamente diventano spesso il punto di partenza per un nuovo
progetto. Inoltre, osservare il mondo che mi circonda,le emozioni delle
persone, contribuisce a alimentare il mio processo creativo.

 

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?

I miei progetti per il futuro includono l’integrazione di
frasi originali che ho iniziato a scrivere. Voglio esplorare ulteriormente il
potenziale espressivo delle parole, combinando il mio stile visivo con messaggi
personali e unici. Questo passo rappresenta una nuova dimensione del mio
lavoro, permettendomi di comunicare in modo ancora più diretto e autentico.
Continuo a cercare ispirazione nella vita quotidiana e nelle riflessioni che
essa mi offre, sempre con l’intento di creare opere che abbiano un impatto
significativo e che risuonino con il pubblico.

Da dove scaturiscono le idee di nuovi progetti o lavori?

Le idee per i miei nuovi progetti o lavori scaturiscono
principalmente dalla vita quotidiana e dalle riflessioni che essa mi pone
davanti. Spesso, tutto ha inizio da una frase che mi ha colpito profondamente,
che possa provenire da un film, un libro o una canzone. Queste parole scatenano
un processo creativo in cui cerco di tradurre quel significato in un’opera
d’arte, esplorando il modo migliore per comunicare quel messaggio visivamente.
È un processo che combina ispirazione, introspezione e creatività, portando
alla nascita di nuovi progetti carichi di significato. Inoltre, l’osservazione
attenta del mondo che mi circonda e le esperienze personali giocano un ruolo
fondamentale nel nutrire la mia immaginazione e nel guidare il mio lavoro
artistico.

Contatti

Facebook  Manuel Binda

Instagram manuelbinda.art

 

L’opera dell’artista Vian Borchert si distingue per la sua capacità di trasporre l’intimità della sua esperienza in una forma visiva astratta e poetica. Attraverso un processo creativo molto personale, l’artista cattura il fluire incessante dei pensieri e delle emozioni, creando un’opera d’arte che funge da specchio della sua totalità interiore.

Hi Vian. Please introduce yourself to
our readers…

  L’ArteCheMiPiace – Segnalazioni Eventi

INCONTRO CON IL FAMOSO POETA ITALIANO 

DANTE MAFFIA IN KOSOVO
– ALBANIA

 

Intervista condotta dalla poetessa Anila Dahriu

 

È stato un viaggio affascinante, nella terra dell’aquila,
all’insegna della poesia e della bellezza a cominciare dal Kosovo: da Pristina,
Pejë, Klinë  città che hanno dato i
natali a grandi eroi, e a poeti e  scrittori pur essendo luoghi di molte sofferenze
per cause storiche da tutti conosciute.

E’ stato il mio primo viaggio nel Kosovo, che conoscevo
soltanto attraverso  le canzoni,
attraverso i libri che ricevevo in regalo nelle occasioni delle  grandi 
feste.

Si trattava di poesie e di racconti  che ritraevano le tradizioni e io ne restavo
affascinata, perché si parlava spesso dei comportamenti di un popolo ospitale,
ma sempre fiero, sempre pronto a difendere le proprie idee e la propria
identità.

Nella città di Klinë è stato organizzato un importante
incontro letterario con uno dei più importanti poeti italiani, Dante Maffia,
più volte candidato al Premio Nobel. Una iniziativa concordata dall’Università
con la collaborazione  dell’l’Unione
degli scrittori e critici albanesi di Pristina.

Organizzato dal DKRS, dal Comune di Klina e
dall’Associazione degli scrittori internazionali “Pjeter Bogdani”
Bruxelles-Pristina, diretto dallo scrittore, poeta Jeton Kelmendi.

La casa editrice Bogdani ha pubblicato l’ultima opera in
albanese dello scrittore Dante Maffia con la traduzione della poetessa Anila
Dahriu. All’incontro ha partecipato anche lo storico Francesco Perri che spesso
affianca Maffia nei suoi viaggi.

Prima di entrare  nell’ufficio del Sindaco del Comune, Zenun
Elezajt, siamo stai accolti da un manifesto gigantesco con una grande
fotografia di Dante Maffia.

Il Sindaco ha consegnato a Dante Maffia la “Cittadinanza
onoraria” della Città di Kline, con la motivazione: “Per i suoi meriti letterari
e per il suo interesse per le lettere albanesi.” 

 

Poi l’incontro si è svolto nella sala dell’Assemblea
Comunale, dove è stata promossa l’opera “Cos’è l’amore” di Dante Maffia
(poesie, saggi, aforismi). La partecipazione dei poeti e degli artisti del
circondario (da Pristina, Malisheva, Gjakova, Skenderaj e Kline) è stata
numerosa ed entusiasta.

Dopo il saluto del presidente Zenun Elezaj, hanno parlato
della personalità di Dante Maffia, Jeton Kelmendi e Francesco Perri, mentre
Hajdin Morina, Engjëll I. Berisha, Mikel Gojani e Prend Buzhala hanno parlato
del libro. Sono stati letti, ovviamente, anche dei versi dell’autore da Valdon
Maloku poeta. Intanto, in questa occasione, l’Assessore alla Cultura, alla Gioventù
e allo Sport, Driton Bardheci, ha consegnato un Riconoscimento alla
traduttrice  ANILA DAHRIU: “Per i
risultati ottenuti nel campo delle traduzioni nella lingua albanese e
italiana”.

Il pittore  di Klina
Sejdi Kapllanaj, che vive in Italia, ha donato un dipinto al poeta Dante
Maffia.

Alla fine, lo scrittore Dante Maffia ha salutato gli
ospiti e ha recitato i suoi versi in italiano, mentre Anila Dahriu li ha letti
in albanese.

Ricorrendo il 30° anniversario dell’attività editoriale
del Club degli Scrittori , Francesco Perri ha donato a questo Club lo stemma
della Federazione delle Associazioni Arberesh d’Italia ed ha invitato i
componenti del club ad attivarsi per degli scambi culturali.

 

Il  viaggio ha
proseguito verso la città di Peja, dove il poeta Dante Maffia è stato insignito
di uno dei più alti riconoscimenti del Kosovo. Gli era già stato dato nel 2020
il Premio Madre Teresa 2020,  e quindi è
stato quasi naturale riconoscerlo “Amico della Città di Peja”, con una
cerimonia,  in municipio alla quale sono
stati presenti le personalità di spicco della città.

 

Il 27.4.2024 si è svolto l’incontro delle 600 personalità
albanesi più importanti nel mondo: “GRANDE INCONTRO DI PRISTINA 2024,
Pan-Albanese – Incontro Internazionale, 25 anni di Kosovo libero, dove Dante
Maffia è stato elogiato per la sua opera letteraria.

L’arrivo nella capitale dell’Albania, Tirana, è stato
coronato dall’atteso incontro, all’Hotel Skay, con il poeta Dante Maffia, la
poetessa Anila Dahriu e lo storico Francesco Perri con il direttore di uno dei
giornali più prestigiosi  del Paese e del
mondo, nonché uno dei più famosi scrittori di spicco dell’élite albanese, Mujo
Bucpapaja.

L’incontro è stato molto proficuo perché si sono fatti
progetti concreti su collaborazioni future che consistono anche nella
valorizzazione di libri di tradurre nelle due lingue.

Nel frattempo Dante Maffia ha ringraziato profondamente
per l’instancabile lavoro del quotidiano letterario Nacional, descrivendolo
come uno dei migliori giornali letterari e culturali in Europa al servizio
della cultura e della letteratura di tutto il mondo. Poi il Direttore e Maffia
hanno parlato della visita in Kosovo, delle emozioni e delle esperienze nonché
degli incontri con i poeti e gli scrittori albanesi con i quali hanno partecipato
con tanto zelo e competenza.  Mujo
Bucpapaj  ha dichiarato di essere felice
di poter scambiare le esperienze e di promuovere una letteratura, quella
italiana, che sente molto vicina al suo mondo.

 

Gli incontri si sono susseguiti a Tirana con la
collaborazione dello scrittore, poeta Nikolla Loka e della direzione nazionale
di lettura sugli scritti del poeta Dante Maffia, e poi un omaggio a casa dello
scrittore Ismail Kadaré, dove si sono svolte piacevoli conversazioni e diversi  pareri sulla letteratura dei due popoli amici
con la partecipazione di numerosi artisti albanesi.

 

 

 

 

 

 

 

 

INTERVISTA DI ANILA DAHRIU

DIECI DOMANDE A DANTE MAFFIA

 

So che sei stato nel Kosovo e in Albania altre volte
negli anni settanta e negli anni ottanta. Trovi, durante questo tuo recente
viaggio, che ci siano stati molti cambiamenti?

Moltissimi cambiamenti e credo che si debbano alla
sensibilità e all’intelligenza di questi due popoli (o dovrei dire di un
popolo?) ricchi di cultura e capaci di saper interpretare l’evoluzione dei
tempi e prepararsi alle sfide del futuro. A me piacerebbe tanto che
diventassero membri effettivi dell’Europa.

 

Qual è il tuo rapporto con la cultura e con la
letteratura di lingua albanese?

Un rapporto ottimo. Conosco ormai molti poeti e molti
narratori dei quali ho molta stima perché hanno saputo interpretare le
problematiche e le ansie attuali, i sommovimenti che stanno coinvolgendo il
mondo intero. Questa meravigliosa terra non è più isolata a chiusa in sé
stessa, ma ha vibrazioni nuove ed efficaci e i primi frutti sono già in atto, a
parte il patrimonio classico ben conosciuto.

 

Dunque sei contento di essere stato tradotto in albanese?
Quattro libri non sono pochi, anche perché l’apprezzamento è stato totale.

Molto di più di quel che mi aspettavo. Intanto un grazie
alle due traduttrici, a te, Anila Dahriu e ad Albana Alia, che avete saputo
trasportare la mia parola con grande senso di responsabilità e con grande
afflato di poesia.

Non mi aspettavo di ricevere tanta attenzione e tanto
interesse: il Premio Madre Teresa di Calcutta, la Cittadinanza Onoraria a
Kline, il riconoscimento maggiore che dà la città di Peje e ancora altro. Credo
che a tutto ciò abbia contribuito molto la qualità della mia scrittura, ma
soprattutto le tematiche da me affrontate nei vari libri. Spesso ho
riscontrato, leggendo i poeti e i romanzieri kosovari o albanesi di percorrere
sentieri simili, anche se con spirito diverso.

Non è quindi casuale che gli insediamenti maggiori,
secoli addietro, siano avvenuto in Calabria anche se ciò è detto col senno di
poi. Ciò per ribadire che i due mondi, anche se con traversie diverse, molto
diverse, avevano radici molto simili e umanità molto vicina.

 

Come è avvenuta la candidatura al Premio Nobel?

So dirti soltanto che è stata una grande, bella sorpresa
quando sono venuto a saperlo. Il Consiglio Regionale della Calabria, innanzi
tutto, con voto unanime (cosa unica) ha posto la candidatura; poi alcune
Università, e un Comitato che raccolse migliaia di adesioni.

Felicissimo, naturalmente, anche se non mi faccio
illusioni perché la mia natura di uomo e di scrittore non ha mai sgomitato per
i Premi. Se vengono è una gioia, ma scrivere e muoversi in quella direzione,
trascurando magari il piacere della scrittura, ritengo che sia una bestemmia
che nessun poeta o romanziere dovrebbe mai commettere.

 

E’ risaputo che sei un uomo coltissimo, che hai letto un
treno di libri e che continui a studiare come un liceale. Perché ansia e tanta
applicazione?

Non ricordo bene, ma credo sia un’affermazione di Charles
Baudelaire: “Poeti si nasce, ma grandi si diventa”. Con lo studio, con
l’approfondire le opere del passato, col confrontarsi e col “sentirsi” sempre
inadeguato a saper registrare gli spasmi interiori, le visioni, i sogni, le
musiche e le cadute a picco nella

razionalità dell’irrazionale. Perfino un giocatore di
pallone molto dotato se non si allena non dà frutti importanti.

E poi… addentrarsi nella foresta sconfinata della poesia
mi ha sempre dato grandi verità e mi ha esaltato portandomi nelle radure più
impreviste dove il senso e la bellezza spesso si nascondono.

 

Hai scritto opere di poesia, di narrativa, di saggistica,
di teatro. Dove credi di avere dato il meglio di te?

Ho sempre scritto perché ne ho sentito la necessità,
perché una forza mi ha spinto a trattare un argomento, a realizzare un volume.
I risultati sono stati ogni volta diversi ma credo di avere dato il meglio in
poesia, anche se due o tre dei miei romanzi non sono da sottovalutare, non so,
per esempio “Monte Sardo”. “Il Romanzo di Tommaso Campanella” e “Milano non
esiste”, oltre a qualche scritto di teatro.

Sinceramente i conti della serva però non mi piace farli,
anche perché se mi rileggo spesso trovo pagine che mi sembra siano state
scritte da una mano divina. No, non è vanità, ma consapevolezza di un lavoro
assiduo, intenso, lucido e ricco guidato dalle corde del cuore. Gli scrittori e
i poeti che mostrano soltanto cultura e forza d’intelletto non li amo.

 

Hai conosciuto tanti grandi della letteratura degli
ultimi cinquant’anni, non solo italiani. C’è qualcuno che ti è rimasto dentro,
che riconosci come maestro?

Ho imparato molto da Aldo Palazzeschi, da Giacinto
Spagnoletti, da Josif Brodsckij, da Varga Llosa, da Jorge Luis Borges, da
Luciano Luisi, Alfonso Gatto, Leonardo Sinisgalli, Enzo Mandruzzato, Rafael
Alberti, Gregory Corso, Maria Esther Vasquez, Margherita Guidacci, Elena Bono,
Giovanna Bemporad, Amelia Rosselli, Dacia Maraini, Milena Milani, Ignazio
Silone, Marise Ferro, Elsa Morante, ma soprattutto da mia madre, dalle sue
amiche analfabete, dalla gente

semplice del mio paese alla quale mi sono abbeverato,
nutrito. La semplicità è una loro eredità, la semplicità vera, non quella
artificiosa, ipocrita.

Tantissimi altri sono stati compagni di viaggio, come
Dario Bellezza, Alberto Moravia, Pier Paolo Pasolini, Gina Lagorio, Giorgio
Saviane, Andrea Camilleri, Giuseppe Berto, Alberto Bevilacqua, e tanti altri.

Arrivando a Roma da un paese povero e piccolo, ma con un
desiderio immenso di far parte della famiglia letteraria ufficiale, comincia a
frequentare un po’ tutti perché in ognuno trovavo una ragione di incontro (o di
scontro). Non trascurai neppure i grandi pittori o scultori, faccio qualche
nome, Enotrio, De Chirico, Guttuso, Calabria, Emilio Greco.

S’, sono stato avido di conoscenza e di rapporti umani e
devo dire che negli anni sessanta, settanta e ottanta era facile incontrare
tutti perché ci fu un fiorire intenso di presentazioni di libri e di mostre.

 

C’è un autore o un libro a cui sei particolarmente
legato?

Difficile rispondere a questa domanda. Essendo stato un
mangiatore di carta ho avuto molti innamoramenti. Da ragazzo Cassola,
Scerbanenco, Carlo Levi e Primo Levi, Ignazio Silone, Grazia Deledda, Domenico
Rea, Dino Buzzati, Bassani, Marotta e, naturalmente i poeti, soprattutto i
classici italiani e stranieri, fino a Saba, Ungaretti, Quasimodo. Poi Lorca,
Pasternak, Marina Cvetaeva, Anna Achmatova, Tahar Ben Jelloun.

Ma se oggi dovessi scegliere un solo libro non avrei
nessun dubbio: “Auto da fe’” di Elias Canetti.

 

Com’è il panorama odierno della poesia e della narrativa
italiana?

Sia in poesia e sia in narrativa ho l’impressione che
siamo in un momento in cui conta essere simpatici, saper fare i giornalisti ma
senza dichiararlo. Questo in parte è sopportabile in narrativa, ma in poesia mi
sembra una caduta irreparabile.

Naturalmente spero di essere in torto, di aver letto
male.

 

E’ vero che sei molto più amato all’estero che in Italia?
Secondo te per quale motivo?

Per via della mia attività di recensore. Quando un libro
non mi convinceva non l’ho mai nascosto. Puoi immaginare le frecce avvelenate
che mi hanno scagliato contro.

 

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

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La veridicità che attraversa la trama della tela di Eugenio Franzò è una straordinaria manifestazione di un’arte postmoderna che si ispira ai maestri del passato, pur mantenendo un codice stilistico-espressivo personale e distintivo. Le strutture compositive si fondono e si integrano in un incessante processo creativo, in cui l’artista gioca un ruolo chiave nella realizzazione delle opere.

Si nota chiaramente la conquista di uno spazio nuovo e libero e la capacità di Franzò di strutturare le sensazioni visive secondo un ordine puramente mentale, con un equilibrio e una regia di sicura efficacia visiva. Il segno grafico, equilibrato e armonico, cattura il senso di una realtà vista attraverso occhi incantati, trasmettendo emozioni profonde e intense.

La maestria esecutiva di Franzò si unisce a una visualizzazione deliberatamente sospesa, che si distacca dalla contingenza per suggerire una lettura critica del nostro presente e una riflessione esistenziale sincera e profonda. Le opere dell’artista invitano lo spettatore a esplorare mondi interiori e a riflettere sulla complessità della vita contemporanea, in un connubio di tecnica impeccabile e contenuti profondi.

In particolare, ci concentreremo sull’analisi di queste tre opere che trattano la tematica della maternità.

L’arte ha sempre avuto il potere di esplorare i sentimenti più profondi e universali dell’umanità, e il tema della maternità e del rapporto tra madre e figlio rappresenta una delle fonti più ricche di ispirazione per gli artisti di ogni epoca. Le ragioni profonde che spingono gli artisti ad affrontare questo tema sono molteplici e complesse.

Innanzitutto, la maternità rappresenta uno degli eventi più significativi e straordinari nella vita di una persona, un momento in cui la creatività, la passione e l’amore si fondono per dare vita a una nuova esistenza.

Eugenio Franzò approfondisce artisticamente questo tema poiché è affascinato da questo legame unico e insostituibile. Attraverso la sua serie di dipinti, l’artista ci offre l’opportunità di esplorare emozioni autentiche e incisive, permettendoci di riflettere sulla complessità e sull’importanza delle relazioni affettive nella nostra esistenza. 

Le tre opere dell’artista dedicate al tema della maternità mostrano un’eccelsa capacità tecnica e un’intensa carica emotiva che riesce a coinvolgere lo spettatore sin dalle prime battute. Franzò coglie con grande abilità l’essenza di quel momento unico e irrepetibile nella vita di una donna, rendendo tangibile la relazione madre-figlio attraverso dettagli straordinari e colori vibranti che catturano lo sguardo e l’anima.

Con grande profondità e vera sensibilità, l’artista ci trasmette una gamma di emozioni che vanno dalla gioia alla nostalgia, dalla tenerezza alla forza, creando un’esperienza visiva e emotiva di straordinaria intensità. Queste opere non rappresentano solo dei dipinti, ma un’ode alla vita e al legame indissolubile di una madre e il proprio figlio.

Nella produzione artistica di Eugenio Franzò, il tema delle figure femminili emerge come una costante di profondo interesse. Oltre alla sua abilità nel rappresentare la maternità, Franzò dimostra una sensibilità particolare nei confronti della femminilità, esplorandone la forza, l’eleganza e la complessità attraverso i suoi bellissimi dipinti.

Nell’ esaminare le molteplici sfaccettature della donna, ne esalta le sfumature tra dolcezza e forza, vulnerabilità e determinazione. Le sue opere fungono da celebrazione della bellezza e della diversità delle donne, offrendo uno sguardo autentico e profondo sulle varie dimensioni della femminilità.

Attraverso un approccio artistico raffinato, Franzò riesce a catturare nelle sue tele  l’essenza necessaria, trasmettendo un messaggio di rispetto, ammirazione e sostegno per il genere femminile. Le sue creazioni diventano così un tributo al gentil sesso, riflettendo e valorizzando la loro bellezza intrinseca e la loro importanza nella società e nell’arte.

Eugenio Franzò (Udine, 1959) è un artista italiano noto per le sue opere d’arte sperimentali che mescolano la pittura, il grafismo e l’illustrazione. Dopo aver conseguito il diploma di laurea in arti applicate con specializzazione in figura ed immagine, Franzò ha dedicato la sua carriera all’esplorazione di nuove tecnologie e stili espressivi. Come pittore grafico e illustratore, ha sviluppato un codice stilistico personale e innovativo, che ha portato a una produzione artistica unica e riconoscibile.

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 L’ArteCheMiPiace – Artisti

La Melodia della Natura 

nei colori e negli occhi

di Marta Mistrangelo

di Giuseppina Irene Groccia |15|Maggio|2024|

L’arte contemporanea, secondo il celebre libro di Angela Vettese, “si fa con tutto“, e l’artista Teresa Saviano in arte Sarterre adotta questa filosofia in modo esemplare. 

Utilizzando materiali tessili, l’artista crea opere che narrano storie, suscitano meraviglia e promuovono riflessioni su temi che alimentano la sua ricerca creativa. 

Attraverso l’uso dei tessuti, Sarterre instaura legami e intrecci tra dettagli che desidera associare, proprio come i ricordi che si mescolano e si legano liberamente nella nostra mente. I fili intrecciati e i tessuti sovrapposti simboleggiano le relazioni umane e le articolazioni dei legami che ci uniscono gli uni agli altri.

Teresa Saviano Sarterre è un’artista che ha fatto del collage tessile la sua espressione artistica principale, trasformando tessuti e filati in opere d’arte vivide e dense di significato. 

Originaria di Napoli, ha scelto di trasferirsi a Parigi, dove vive e lavora, dedicandosi interamente alla sua passione per l’arte.

Attraverso la tecnica del collage, Sarterre dimostra un legame profondo con la materialità, restituendo all’arte una sua connotazione fisica e tangibile. 

Rielabora paesaggi, ritratti e simboli, come occhi e cuori, utilizzando tessuti e filati per creare opere che trasmettono emozioni e significati intricati.

La sua opera è caratterizzata da un’urgente ricerca di espressione materica, che diventa elemento essenziale e vivo all’interno delle sue creazioni. Il collage non è semplicemente un mezzo per Sarterre, ma un modo per conferire alle sue opere forza ed intensità, rendendo la superficie quasi palpabile e vibrante.

Nel suo linguaggio artistico, Teresa Saviano Sarterre utilizza tessuto e filo come strumenti principali, mantenendo una costante esplorazione dello spazio e della memoria, delle tradizioni e delle dinamiche sociali. 

Vicina alla corrente della Fiber art, l’artista si focalizza sull’uso della tessilità, che comprende non solo filo, fibra e tessuto, ma anche i processi tecnici e le elaborazioni concettuali ad essa associate.

Inoltre, l’artista dimostra non solo una fervida creatività artistica, ma anche una spiccata abilità manuale necessaria per lavorare con tali materiali. Questa combinazione di talento artistico e manualità contribuisce a creare opere d’arte che catturano l’essenza sorprendente dell’emozione, invitando il fruitore a esplorare un universo di suggestioni emotive in modo autentico e coinvolgente.

Attraverso questa tecnica, l’artista ha la possibilità di percepire direttamente la materia artistica in tutte le sue sfaccettature, stabilendo un contatto diretto con la realtà oggettiva e concretamente tangibile dei materiali utilizzati.

I suoi innesti materici introducono movimento e profondità nelle opere, creando contrappunti visivi e musicali che trasformano il quadro in un’esperienza sensoriale completa. La sua musica visiva pura si manifesta attraverso la combinazione di materiali diversi, che interagiscono con la realtà quotidiana per offrire uno spaccato poetico e morale della vita contemporanea.

Teresa Saviano Sarterre ha ricevuto riconoscimenti importanti, come il primo premio di arte ecosostenibile alla V Biennale d’arte contemporanea di Salerno, confermando il suo talento e la sua capacità di trasformare materiali semplici in opere d’arte complesse e suggestive. Il suo lavoro rappresenta un ponte tra Napoli e Parigi, unendo tradizione e innovazione in un dialogo creativo che continua ad evolversi e diversificarsi.

Come ti sei avvicinata all’arte e qual’è stato il percorso che ha contributo alla tua formazione artistica?  

Come dico spesso, sono debuttante nel mondo dell’arte ma non estranea all’arte. Uno dei miei passatempi preferiti era lasciarmi andare alla fantasia di viaggiare in un quadro. La matita ed i colori “non li ho visti arrivare”, c’erano e li utilizzavo. Dunque ho da sempre sperimentato non conoscendo le tecniche di disegno. Io ero il mio proprio proiettore per disegnare, cioè cercavo attraverso gli occhi fissi sul foglio, di proiettare l’immagine della mia testa  e cercavo di restituire il più precisamente possibile l’immagine. (I miei risultati erano considerati frutto di imbroglio tanto risultava incredibile che venissero da una bambina, non che fossi un genio ma di certo ad un livello superiore delle mie compagne). Ho assorbito, da non importa che fonte, molti tipi di tecniche rappresentative che poi facevo mie realizzando un quadro o altro. Soprattutto altro! Io amavo dipingere ma non amavo la costrizione della tela.  Infine molte parole per una: autodidatta! 

Da cosa deriva il tuo interesse per il collage tessile e quali sono state le fonti di ispirazione per questa tecnica?

Non saprei dirne la ragione; conoscevo il collage per averlo imparato a scuola, amo  i tessuti perché mi affascinano per la loro duttilità e poi l’utilizzo delle forbici, per me é come un prolungamento della mano: matita o forbice per me è uguale visto che taglio alla cieca senza cartamodello o disegno su stoffa. Così su richiesta della rappresentazione non banale di un cuore, credo di essermi detta: tiens! Lo faccio in tessuto! 

Parafrasando il Sommo… Galeotto fu il quadro e chi lo realizzò, da quel giorno mi sono portata avanti!!  

L’uso di diversi colori e materiali è una costante nel tuo lavoro. Qual è il loro ruolo e significato? 

É la materia che mi suggerisce la forma. Quando guardo un pezzo di tessuto, vedo proprio in proiezione ciò in cui lo trasformerò.

Altre volte so che mi piace ma non so bene perché, quindi lo metto “nel decantatoio”  alias un punto del mio studio/casa dove posso osservarlo finché non “mi parla “. 

Ammetto di essere un po’ animista: parlo con gli oggetti!  

Il peggio è che mi rispondono!! 

Non a parole ma in suggestioni. 

Altrimenti  sono pazza e mi faccio la domanda e la risposta… 

ma gli artisti sono un po’ folli no??! 

Qual è il ruolo dell’arte nella tua vita e quale potere attribuisci ad essa?

Perché c’è altro? Direi che prende tutti i ruoli e regna in monarca assoluto. É arte quando creo una ricetta, mescolo gli abiti, scrivo una poesia o realizzo un quadro.

Non è che HA potere, É potere

Ma non nel senso di prevalenza sugli altri perché naturalmente la sensibilità artistica é soggettiva e personale. Tant’è che penso che si possa discutere e criticare una tecnica, non l’arte. 

In che modo il tuo lavoro artistico si è evoluto nel corso del tempo e come si relazionano le tue opere passate con quelle più recenti? 

Se prima avevo ansia di sperimentare la creazione di ogni genere dal paesaggio al ritratto, ora sono più selettiva, mi permetto il lusso di un certo astrattismo, talvolta ho bisogno che l’espressione sia materica, impastata di stoffa e colla, altre di osare e mescolare le tecniche.

In ogni caso quando comincio un’ opera non so mai dove mi porterà.

Spesso molto lontano dal progetto iniziale.

I tuoi lavori hanno un importante livello di sperimentazione. Sono complessi e concettuali. Quali sono le fasi fondamentali che segui durante il processo di creazione di una tua opera?

Come dicevo prima, so quando comincio ma non so dove il processo di creazione mi porterà 

(Per questo motivo ho bisogno di libertà assoluta per dare il meglio di me.)

Nella fase iniziale recupero ed ammonticchio letteralmente sul mio piano di lavoro tutti i materiali i colori, le colle e le immancabili forbici.

Poi inizia la fase di “e se?” 

Cioè il momento in cui guardando i materiali aspetto che “mi parlino”. 

E se mettessi insieme carta e tessuti? E se trattasi il tessuto come carta? E se stampassi su tessuto? 

Si l’ho fatto davvero! Ho messo un pezzo A4 di stoffa ed ho fatto varie impressioni a partire dalle quali ho realizzato la seconda “Lisa dévoilée”  

Infine l’opera apparentemente finita arriva nel decantatoio dove viene appesa affinché io la guardi in ogni momento e luce della giornata e da ogni angolo.

So di aver ottenuto l’effetto che volevo quando guardando l’opera ho un tuffo al cuore… o le farfalle nello stomaco… insomma sono definitivamente innamorata di ciò che ho fatto.

Naturalmente se ciò non avviene l’opera può restare appesa o essere totalmente smontata.

Potresti descrivere brevemente tre opere che consideri particolarmente significative nel tuo percorso artistico? 

(Come si fa a scegliere quale figlio é il migliore???) 

Vediamo…. Femina Feminae lupus 

perché rappresenta la molteplicità del comportamento femminile

La ferocia senza appello contro il proprio genere, che per me resta un mistero inspiegabile.

Ed a proposito di misteri, “le Lisa dévoilée” anche dette “la Gioconda smascherata” (non saprei quale scegliere). 

Il gioco delle maschere così bene espresso da Pirandello o da  De Filippo  mi ha sempre affascinato e incuriosita.

Da che ho memoria ho sempre voluto sapere cosa ci fosse “dietro”.  

Ultimo but not least: San Gennà; il ritratto del santo (su mia interpretazione  certo) rappresenta la summa della napoletanità: sacro e profano serio e faceto; contrasto permanente tra due eccessi che si mitigano in uno sguardo colmo di pathos.

Come hai integrato e bilanciato le culture italiana e francese nel tuo lavoro artistico?

Io sono napoletana, integro tutto, bilancio tutto sono aperta a tutto. 

Sono italiana, “vissi d’arte” nella mia terra… 

Ma è pur vero che la diversità é stimolante per arricchirsi sempre e comunque. 

Come confronti l’attuale mondo dell’arte italiano con quello francese?  

Ho l’impressione che il mondo dell’arte italiano sia super ricco di varietà di nuovi stimoli e tecniche e sperimentazioni, mentre nel panorama francese, mi sembra  di vedere dappertutto i soliti due o tre artisti declinati  in tutte le salse. Non che non abbiano valore per carità! ma ho, ripeto, l’impressione (pléonasmo dire personale) che i francesi amino coloro che sono già famosi. Ed uno massimo due stili alla moda ovviamente.

Quali sono i tuoi progetti futuri e le direzioni che prevedi di esplorare nel tuo percorso artistico?

Sto lavorando a singhiozzo ad un progetto legato all’impatto della religione nell’arte, ai simbolismi integrati nel tessuto laico…

Ho detto tessuto??!! 

Potrebbe essere più evidente che anche in questo progetto il tessuto sarà predominante?  

Non dico altro, sono scaramantica… magari quando l’allestiró “piacerò all’arte” tanto da averne menzione “all’arte che mi piace”?  

Giochi di parole a parte, per me l’arte é un gioco un pathos un trance, tutto avviene “alla cieca”, apro gli occhi e l’opera è lì come se non fosse opera mia! 

Dunque bisognerà tenermi d’occhio per sapere quale direzione avrò preso! 

DI SE STESSA DICE:

Nata a Posillipo cresciuta con i piedi nel lapillo. Credo che l’azzurro negli occhi e la lava sotto i piedi mi rappresentino bene.   

Della mia infanzia ho ricordi solari divisa tra giochi e doveri. Sono seguiti studi classici e di architettura che però non si sono concretizzati a conseguenti attività lavorative. Potrei dire che la mia vita si divide banalmente in due momenti. 

Il prima in terra italiana con una vita piuttosto monotona dove l’arte si esprimeva in creazioni scomposte, nei domini più disparati, lasciandomi una soddisfazione momentanea, ed il dopo in terra francese dove ho potuto dedicarmi alla mia passione artistica. 

Tutto è nato per caso in seguito ad una richiesta, non saprei dire come mi sia venuta l’idea, so solo che al posto di colori e pennelli mi sono ritrovata con forbici e colla. 

Come nasce un cuore… al tavolo di lavoro sotto i tetti in pieno quartiere latino…

Se vi state domandando perché proprio Parigi perché l’arte e perché nell’ormai avanzato “cammin di nostra vita” – cit. Dante –  c’è una sola risposta possibile che possa legare tre questioni sciolte, è l’amore!! 

Niente di più facile di innamorarsi a Parigi di un parigino… talmente un cliché!! Se poi è reciproco il trasferimento è fatto! 

Dunque se la mia creatività nasce ai piedi del Vesuvio, è all’ombra della Tour Eiffel che trova nuovi spunti. Ed a partire dal “cuore numero 1” esprimermi in tessuto è diventato per me una passione inesauribile. 

Dal Vesuvio alla Tour Eiffel è stato un attimo.

Ho l’onore inoltre di avere un mio quadro nella galleria principale della Mairie du Panthéon dove mi sono sposata, che rappresenta il gonfalone di Parigi “Fluctuat nec mergitur” (fluttua ma non affonda).

Gli stemmi ed i gonfaloni essendo un soggetto a me caro ho pensato  bene di realizzare anche quello del mio paese: Terzigno.

Contatti

Email sarterre@gmail.com

Facebook Sarterre Teresa Saviano

Instagram sarterre 

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

 L’ArteCheMiPiace – Artisti

Un viaggio tra profondità e intensità emotiva 

George Androutsos

di Giuseppina Irene Groccia |08|Maggio|2024|

Il lavoro di George Androutsos è un’esperienza sensoriale che spinge lo spettatore a interrogarsi sul concetto di identità, sulla fragilità dell’essere e sulle molteplici sfaccettature che compongono la nostra esistenza. La sua tecnica sorprendente, che combina la precisione del ritratto realista con la destrutturazione e la cancellazione di parti del volto, crea opere che sono allo stesso tempo intrise di bellezza e di mistero.

Le atmosfere cupe e malinconiche che avvolgono i suoi dipinti sono un richiamo alla complessità dell’individuo umano, alle storie interrotte e alle personalità in continua evoluzione. George Androutsos si pone come un esploratore dell’io, un artista che attraverso il suo lavoro invita il pubblico a riflettere sulla natura stessa dell’essere e sull’ineluttabilità della mutabilità.

Le opere di George Androutsos sono una celebrazione della profondità dell’anima, della sua bellezza e della sua vulnerabilità. Attraverso il suo lavoro, l’artista invita lo spettatore a guardare oltre le apparenze, a scoprire la complessità e la ricchezza delle storie che si nascondono dietro ogni volto. 

George Androutsos si pone come un artista che va oltre la semplice rappresentazione visiva, immergendosi in profonde riflessioni sull’identità, sulla percezione e sulla natura stessa dell’arte. Il suo approccio alla creazione artistica si distingue per la capacità di privare i suoi soggetti di un’identità predefinita, per dar loro vita attraverso frammenti visivi che stimolano l’immaginazione dello spettatore.

La sua tecnica, che contempla l’uso della cancellazione e della destrutturazione dei tratti fisionomici nei ritratti, si presenta come un’azione apparentemente distruttiva che in realtà porta ad una profonda riflessione sulla parola e sul pensiero sottostante. 

Il gesto di George Androutsos è impulsivo, istintivo, quasi astratto; eppure, dopo qualche tocco di matita, carboncino e gomma per cancellare la forma appare. Attraverso il suo sguardo attento sull’essenza umana, l’artista osserva la fragilità, la forza, la sensualità dell’individuo. Egli si sforza di catturare e trasmettere una sensazione, e la forma che emerge è la conseguenza di quel profondo processo di introspezione e di connessione con l’animo umano.

George Androutsos si pone l’arduo compito di mettere in discussione la nostra concezione tradizionale di identità e di realtà, invitando il pubblico a interrogarsi sulle verità celate e sulle narrazioni multiple che si nascondono dietro ogni volto.

Nel suo lavoro, le forme che emergono dalla cancellatura e dalla destrutturazione diventano elementi di costruzione di una nuova narrazione, una narrazione che va oltre l’apparenza superficiale dei ritratti per svelare un potenziale simbolico e concettuale di grande profondità. La cancellatura diventa quindi un mezzo di riflessione che non toglie, ma rivela realtà nascoste e verità celate, mantenendo viva l’intelligenza e la mente artistica e filosofica dello spettatore.

George Androutsos ci ricorda che un volto non può raccontare tutte le sfaccettature di una storia; è attraverso l’arte e il gesto dell’artista che si apre la possibilità di nascondere una storia dietro un’altra, trasmettendo così un messaggio più profondo e universale. La sua opera, dunque, si presenta come un invito alla riflessione e alla contemplazione, stimolando l’immaginazione e il pensiero critico del pubblico, e invitandoci a scoprire le molteplici verità che si celano dietro ogni forma.

Osservando con attenzione i suoi ritratti, sembra che una parte della corporeità tangibile dell’essere umano si stacchi per librarsi altrove, come se fosse la rappresentazione di una mente che viaggia tra i propri pensieri, mentre le sembianze del volto restano statiche sul supporto dove permane il disegno.

Succede che attraverso i tratti dell’artista, l’interiorità dei soggetti emerge e si esteriorizza in modo esplosivo, accecando lo sguardo con un intricato pattern di destrutturazione. L’opera diventa così una sorta di viaggio nell’abisso della psiche umana, dove i pensieri, le emozioni e le sensazioni si mescolano in un vortice di linee e forme, esplodendo sulla tela con una potenza visiva senza precedenti.

Nell’opera di George Androutsos, le evidenze grafiche si trasformano in eleganti poesie visive, in cui ogni tratto risparmiato dall’azione di cancellatura diventa portatore di significato. La sua arte si distingue per un percorso creativo che va oltre la mera eliminazione o l’emersione di nuove forme, ma si focalizza sull’importanza di conoscere e comprendere appieno ciò che è stato tolto e ciò che è stato preservato. 

Il gesto di Androutsos è guidato da un impulso profondo, istintivo, quasi astratto, ma è proprio grazie a questo processo che le forme prendono vita sulla superficie della tela. Osservando l’essenza stessa dell’umano, con la sua fragilità, forza e sensualità, l’artista si sforza di catturare non solo l’aspetto esteriore, ma anche la pura essenza di una sensazione. La forma visibile diventa così la conclusione di un viaggio emotivo e sensoriale, in cui ogni dettaglio contribuisce a trasmettere un significato più profondo e universale.

Attraverso i suoi ritratti, George Androutsos ci invita a esplorare i confini dell’identità e della percezione, opponendosi alle convenzioni tradizionali dell’arte e della rappresentazione. Le sue creazioni sono un richiamo alla contemplazione e alla riflessione, i quali offrono al pubblico l’opportunità di immergersi in un mondo di simboli, emozioni e verità nascoste che si rivelano solo a coloro che sono disposti a scrutare al di là delle apparenze. L’arte di Androutsos, con la sua profondità concettuale e la sua eccellente abilità tecnica, si presenta come un viaggio avvincente tra la realtà e l’immaginazione, invocando un dialogo intimo e potente con il pubblico.

George Androutsos è un artista nato nel 1976 ad Atene, la cui formazione abbraccia un’ampia gamma di discipline intellettuali e artistiche. Dopo aver studiato pittura alla Scuola di Belle Arti dell’Università Aristotele di Salonicco, ha approfondito la sua conoscenza della fisica e della storia della filosofia, conseguendo un Master in Storia della Filosofia presso la stessa università.

La sua attività artistica è arricchita da una vasta produzione letteraria, con articoli pubblicati su riviste e la partecipazione a importanti conferenze di filosofia. Inoltre, il suo background accademico include anche un’esperienza di insegnamento nell’istruzione primaria.

Come membro di diverse istituzioni artistiche in Grecia e all’estero e partecipante attivo al movimento Neutral-Ism, George Androutsos ha esposto le sue opere in numerose mostre di gruppo in diversi paesi, ottenendo una crescente visibilità internazionale. Le sue opere, caratterizzate da una tecnica unica che combina il realismo del ritratto con la destrutturazione visiva, hanno attirato l’attenzione di critici d’arte e collezionisti in tutto il mondo.

Contatti dell’ artista

Email: gandrouart@gmail.com

Sito web: https://www.behance.net/gandrout

Facebook: https://www.facebook.com/george.androutsos.1

Linkedin: https://www.linkedin.com/in/george-androutsos-6940a197/

Pinterest: https://www.pinterest.it/gandrousm/

A journey between depth and emotional intensity

George Androutsos

by Giuseppina Irene Groccia |08|May|2024|

George Androutsos‘ work is a sensorial experience that pushes the viewer to question the concept of identity, the fragility of being and the multiple facets that make up our existence. His surprising technique, which combines the precision of the realist portrait with the deconstruction and erasure of parts of the face, creates works that are simultaneously imbued with beauty and mystery.

The dark and melancholy atmospheres that envelop his paintings are a reminder of the complexity of the human individual, of interrupted stories and constantly evolving personalities. George Androutsos presents himself as an explorer of the self, an artist who through his work invites the public to reflect on the very nature of being and the inevitability of mutability.

The works of George Androutsos are a celebration of the depth of the soul, its beauty and its vulnerability. Through his work, the artist invites the viewer to look beyond appearances, to discover the complexity and richness of the stories that hide behind every face.

George Androutsos presents himself as an artist who goes beyond simple visual representation, immersing himself in profound reflections on identity, perception and the very nature of art. His approach to artistic creation is distinguished by the ability to deprive his subjects of a predefined identity, to give them life through visual fragments that stimulate the viewer’s imagination.

His technique, which contemplates the use of erasure and destructuring of physiognomic features in portraits, presents itself as an apparently destructive action which actually leads to a profound reflection on the word and on the underlying thought.

George Androutsos’ gesture is impulsive, instinctive, almost abstract; yet, after a few touches of pencil, charcoal and eraser the shape appears. Through his attentive gaze on the human essence, the artist observes the fragility, strength and sensuality of the individual. He strives to capture and transmit a sensation, and the form that emerges is the consequence of that profound process of introspection and connection with the human soul.

George Androutsos sets himself the arduous task of questioning our traditional conception of identity and reality, inviting the public to question the hidden truths and multiple narratives that hide behind every face.

In his work, the forms that emerge from erasure and destructuring become elements of construction of a new narrative, a narrative that goes beyond the superficial appearance of portraits to reveal a symbolic and conceptual potential of great depth. Erasure therefore becomes a means of reflection that does not take away, but reveals hidden realities and hidden truths, keeping alive the intelligence and the artistic and philosophical mind of the spectator.

George Androutsos reminds us that a face cannot tell all the facets of a story; it is through the artist’s art and gesture that the possibility of hiding one story behind another opens up, thus transmitting a deeper and more universal message. His work, therefore, presents itself as an invitation to reflection and contemplation, stimulating the imagination and critical thinking of the public, and inviting us to discover the multiple truths that lie behind every form.

By carefully observing his portraits, it seems that a part of the tangible corporeity of the human being detaches itself to hover elsewhere, as if it were the representation of a mind that travels among its own thoughts, while the features of the face remain static on the support where it remains drawing.

It happens that through the artist’s features, the interiority of the subjects emerges and is externalized in an explosive way, blinding the gaze with an intricate pattern of deconstruction. The work thus becomes a sort of journey into the abyss of the human psyche, where thoughts, emotions and sensations mix in a vortex of lines and shapes, exploding on the canvas with unprecedented visual power.

In the work of George Androutsos, the graphic evidence is transformed into elegant visual poems, in which every stroke spared by the erasure action becomes a bearer of meaning. His art stands out for a creative path that goes beyond the mere elimination or emergence of new forms, but focuses on the importance of knowing and fully understanding what has been removed and what has been preserved.

Androutsos’ gesture is guided by a deep, instinctive, almost abstract impulse, but it is precisely thanks to this process that the shapes come to life on the surface of the canvas. Observing the very essence of the human, with its fragility, strength and sensuality, the artist strives to capture not only the external appearance, but also the pure essence of a sensation. The visible form thus becomes the conclusion of an emotional and sensorial journey, in which every detail helps to convey a deeper and more universal meaning.

Through his portraits, George Androutsos invites us to explore the boundaries of identity and perception, opposing traditional conventions of art and representation. His creations are a call to contemplation and reflection, offering the public the opportunity to immerse themselves in a world of symbols, emotions and hidden truths that are revealed only to those willing to peer beyond appearances. Androutsos’ art, with its conceptual depth and technical mastery, presents itself as a compelling journey between reality and imagination, invoking an intimate and powerful dialogue with the 

George Androutsos is an artist born in 1976 in Athens, whose education spans a wide range of intellectual and artistic disciplines. After studying painting at the School of Fine Arts of the Aristotle University of Thessaloniki, he deepened his knowledge of physics and the history of philosophy, obtaining a Master’s degree in History of Philosophy at the same university.

His artistic activity is enriched by a vast literary production, with articles published in magazines and participation in important philosophy conferences. Furthermore, his academic background also includes teaching experience in primary education.

As a member of several art institutions in Greece and abroad and an active participant in the Neutral-Ism movement, George Androutsos has exhibited his works in numerous group exhibitions in different countries, gaining increasing international visibility. His works, characterized by a unique technique that combines portrait realism with visual deconstruction, have attracted the attention of art critics and collectors around the world.

Artist contacts

Email: gandrouart@gmail.com

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