MuPa

Un Viaggio nell’Arte Contemporanea con una Collettiva Selezionata 

Esibire le proprie opere in un contesto museale non è soltanto un riconoscimento, ma un atto di affermazione artistica, un momento in cui il linguaggio visivo si radica nella dimensione della memoria collettiva. Il museo si presta bene nel essere  non è un semplice contenitore, bensì un dispositivo culturale che conferisce alle opere una nuova aura, elevandole al di là della contingenza e inserendole in un dialogo più ampio con la storia e con il pubblico. Come affermava Paul Klee, ‘L’arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è.’ In questa prospettiva, ogni mostra non è solo un’esposizione, ma una rilettura critica e sensibile del contemporaneo, un’opportunità di riflessione profonda sulla funzione stessa dell’arte nel tempo presente.

Proprio in questo contesto si inserisce l’articolo che segue, che esplora il ruolo fondamentale che i musei svolgono nel dare visibilità a nuove forme di espressione artistica e nel creare un ponte tra l’artista e il pubblico.

Dal 22 marzo al 20 aprile 2025, il MuPa – Palazzo Multimediale di Ginosa, ospiterà una mostra collettiva d’arte, un evento esclusivo che vedrà la partecipazione di otto artisti selezionati attraverso un rigoroso processo di valutazione. Curata dal direttore del MuPa, Piero Giannuzzi, e dall’artista Mirella Bitetti, questa esposizione si distingue per la qualità e l’attenzione dedicata a ogni singolo artista e alla sua produzione.

Situato in un magnifico palazzo settecentesco completamente restaurato, il MuPa rappresenta un esempio perfetto di fusione tra tradizione e innovazione. Con le sue sei sale dedicate a grandi personalità dell’arte italiana – Caravaggio, De Filippo, Fellini, Fracci, Morricone e Alighieri – il MuPa si afferma come un punto di riferimento culturale per artisti e visitatori.

“Viviamo in un’epoca in cui la cultura rischia di essere dimenticata. Il MuPa nasce per restituire valore all’arte, offrendo uno spazio espositivo che permetta alle opere di dialogare con il pubblico in modo immersivo e coinvolgente,” afferma il direttore Piero Giannuzzi.

La mostra collettiva si distingue per l’approccio selettivo e curato. Solo otto artisti avranno l’opportunità di esporre le proprie opere, con un massimo di sette lavori ciascuno, scelti con cura in collaborazione con il team del museo. Questo garantisce una vera e propria “mini-personale” per ogni artista, valorizzandone la ricerca espressiva e l’originalità.

Mirella Bitetti, artista e curatrice artistica, sottolinea: “L’obiettivo è creare un’esposizione che non sia solo una raccolta di opere, ma un racconto visivo coerente e armonico. Vogliamo offrire al pubblico un’esperienza immersiva, in cui ogni artista trovi il proprio spazio per esprimersi al meglio.”

Gli artisti interessati possono candidarsi entro il 28 febbraio 2025 inviando il proprio progetto espositivo all’indirizzo info@mupapuglia.it. La partecipazione prevede una quota di adesione e la possibilità di vendere le opere esposte, con una commissione del 20% per il museo in caso di vendita.

L’evento promette di essere un’ottima opportunità per gli otto artisti, offrendo loro la possibilità di emergere in un contesto prestigioso e di riferimento per l’arte contemporanea. Il MuPa conferma ancora una volta il suo ruolo di catalizzatore culturale, capace di coniugare passato e innovazione, tradizione e sperimentazione.

Abbiamo il piacere di rivolgere alcune domande ai curatori di questa iniziativa, Piero Giannuzzi e Mirella Bitetti, per approfondire la matrice concettuale, le dinamiche selettive e le ambiziose prospettive che danno vita e valore a questa raffinata esposizione collettiva.

Qual è la visione dietro questa mostra collettiva…

Non si tratta di un semplice evento espositivo, ma di una selezione ristretta e curata. Qual è il messaggio che volete trasmettere attraverso questa formula?

P.G.: L’idea alla base di questa mostra collettiva è di offrire uno spazio di dialogo approfondito e autentico tra l’opera e lo spettatore. La selezione ristretta non è casuale: vogliamo garantire a ogni artista un’esposizione di qualità, quasi una mini-personale, affinché ciascun percorso creativo possa emergere nella sua completezza. Il nostro obiettivo è creare una narrazione corale ma coerente, dove la varietà dei linguaggi artistici si armonizzi in un unico tessuto espositivo, offrendo al pubblico un’esperienza estetica intensa e coinvolgente

In che modo il MuPa si distingue dagli altri spazi espositivi…

Il Palazzo Multimediale non è una galleria tradizionale, ma un luogo che fonde arte, tecnologia e storia. Come questa identità influisce sulla selezione degli artisti e sulla disposizione delle opere?

P.G.: Il MuPa si distingue per la sua capacità di coniugare passato e futuro, accogliendo l’arte contemporanea in un palazzo settecentesco restaurato, ma proiettato verso l’innovazione. La fusione tra arte, tecnologia e storia ci permette di creare percorsi espositivi immersivi, sfruttando esperienze multimediali e VR per amplificare il messaggio delle opere. Questa identità ci guida nella selezione degli artisti, privilegiando coloro che sanno dialogare con linguaggi innovativi senza perdere il legame con la tradizione. L’allestimento stesso è pensato per valorizzare questo incontro, offrendo al visitatore un’esperienza estetica che supera i confini della semplice fruizione visiva.

M.B.: Il Mupa è una realtà che, per noi artisti del territorio, ha un valore notevole. Per troppo tempo siamo stati costretti a spostarci in luoghi lontani e onerosi da raggiungere affinché la nostra arte venisse apprezzata. È un tesoro che dobbiamo custodire e salvaguardare.

Qual è il processo di selezione delle opere…

Oltre alla qualità artistica, quali aspetti considerate fondamentali nella scelta delle sette opere per ogni artista? Si cerca un filo conduttore tra gli artisti o si punta sulla diversità dei linguaggi?

P.G.: L’idea alla base di questa mostra collettiva è di offrire uno spazio di dialogo profondo e autentico tra l’opera e lo spettatore. La selezione ristretta non è casuale: vogliamo garantire a ogni artista un’esposizione di qualità, quasi una mini-personale, affinché ciascun percorso creativo possa emergere nella sua completezza. Il nostro obiettivo è creare una narrazione corale ma coerente, dove la varietà dei linguaggi artistici si armonizzi in un unico tessuto espositivo, offrendo al pubblico un’esperienza estetica intensa e coinvolgente

M.B.: Cercare di selezionare gli artisti da invitare all’evento non significa certo discriminare quelli meno dotati. La selezione si basa soprattutto sul percorso artistico, sulla ricerca e sull’esperienza nel settore. In realtà non c’è un filo conduttore tra gli artisti, infatti la scelta è abbastanza diversificata. Siamo aperti ad ogni genere d’arte. Per la selezione cerco di collaborare con l’artista e capire quale impatto emotivo l’opera possa avere sul pubblico. 

Quali sono le aspettative per il futuro…

Questa collettiva rappresenta un primo passo verso una visione più ampia del MuPa? State pensando di consolidare questa formula o di espandere l’offerta espositiva con nuove iniziative?

P.G.: Il processo di selezione delle opere è improntato a un dialogo costante tra l’artista e il team curatoriale. Oltre alla qualità artistica, valutiamo la coerenza concettuale e la capacità dell’opera di suscitare riflessioni appropriate. Non cerchiamo necessariamente un filo conduttore tematico tra gli artisti, ma puntiamo su un’armonia espositiva che valorizzi la diversità dei linguaggi. Ogni opera viene scelta per il suo potere narrativo e la sua capacità di interagire con lo spazio del MuPa, creando un’esperienza estetica ed emotiva che coinvolga il visitatore su più livelli.

M.B.: Il Mupa è in continuo divenire, aperto ad ogni nuova esperienza artistica. L’obiettivo principale è quello di far conoscere questa realtà agli appassionati d’arte e permettere ai molti artisti di promuovere i propri lavori.

Concludere un confronto all’interno di uno spazio museale all’avanguardia non rappresenta solo un’occasione espositiva per gli artisti, ma anche un’esperienza di crescita e scambio per il pubblico. L’interazione tra opere, contesto e spettatori genera nuove letture, stimola il pensiero critico e apre a contemplazioni inedite, arricchendo tanto chi crea quanto chi osserva. È in questo dialogo continuo che l’arte trova la sua forza più autentica, trasformando il museo in un luogo vivo, capace di ispirare e lasciare tracce durature nel tempo.

MuPa 

Arte Cultura Esperienze VR

Via Giunchiglie, 10 Ginosa, Taranto. 

Phone +39 3802670907 

E-mail info@mupapuglia.it 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

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Le Arche Colorate di Marco Silecchia

Un Dialogo tra Materia, Colore e storia

di Giuseppina Irene Groccia |18|Febbraio|2025|

Nella terra di Sassari, aspra e incantata, la luce non si limita a illuminare: accarezza i contorni delle cose, indugia sulle superfici, le anima di una vibrazione silenziosa. In questo scenario prende forma l’universo poetico di Marco Silecchia. Qui, tra vicoli antichi e muri scoloriti dal sole, l’artista trova ispirazione per trasformare la materia in emozione.

Scultore, pittore e ceramista, Marco Silecchia non si pone certo il limite di plasmare semplicemente l’argilla, ma le infonde vita e un’energia che traspare in ogni sua creazione. In ogni gesto, in ogni pennellata, egli instaura un dialogo tra forma e colore, un’eco della terra che l’ha visto crescere e che porta con sé le sue radici.

Figlio d’arte, ha ereditato dal padre Giuseppe Silecchia non solo il talento, ma una spiccata sensibilità, alimentata dalle storie sussurrate tra le pareti delle botteghe artigiane, dove il tempo, avvolto dal profumo della ceramica e dal suono rassicurante degli strumenti che lavorano in armonia con la materia, sembra eternamente sospeso.

Sono luoghi dove ogni angolo racconta storie di mani esperte che modellano la terra, di silenzi che parlano attraverso il gesto, di tradizioni che si intrecciano delicatamente, lasciando tracce di un sapere che scivola da generazione a generazione. Qui, tra la polvere che vola nell’aria e le luci soffuse, l’artista ha imparato ad ascoltare il respiro del mondo, a catturarlo e a tradurlo in arte, riscoprendo ogni volta il fascino eterno della tradizione e della creazione.

Ma il suo percorso non è stato un semplice proseguire sulle orme paterne. Al contrario, l’ artista ha cercato, in silenzio, la sua melodia, un linguaggio che rappresentasse le sue voci interiori. Con pazienza e dedizione, ha intrecciato pittura e scultura in un unico respiro, permettendo alla sua visione di prendere forma, distinta e inconfondibile, come un pensiero che si dispiega nella trama silenziosa dell’arte. Le sue opere nascono da una ricerca meticolosa, un dialogo intimo che ha dato vita a un sentiero tutto suo, lontano da ogni possibile contaminazione, eppure profondamente radicato nella stessa terra che le ha dato origine

L’importanza cromatica non si pone il limite della sola e semplice decorazione, il colore, nelle sue ceramiche, nasce dall’interno, come una linfa che palpita sotto la superficie. In un continuo rimando di pieni e vuoti che catturano lo sguardo, aprendolo a un “altrove”, le sue “arche colorate” sembrano voler restituire all’arte quella “dignità della parola”, suggerendo che creare un’opera non sia solo un atto estetico, ma un atto che “partorisce”, lasciando nel mondo qualcosa di permanente, una traccia che sopravvive all’artista stesso.

L’arca, simbolo di salvezza e conservazione, rappresenta un contenitore e un legame con l’umanità intera, un messaggio che supera la fragilità del materiale ceramico per diventare eterno. In questo modo, l’artista restituisce all’arte la sua nobiltà originaria… quella di essere un gesto intriso di storia e memoria, un’eredità che, come un soffio di vita, continuerà a parlare oltre le epoche.

Ne scaturisce un viaggio incantevole nel tempo, un dialogo in cui l’origine e il destino dissolvono i loro confini, un ponte sospeso tra radici antiche e visioni nuove. Tutto racchiuso in un universo poetico che si rinnova ad ogni gesto, in ogni respiro, in ogni silenzio che segue il compiersi dell’opera. 

In questa intervista, Marco ci racconta il suo percorso creativo, il legame profondo con le radici familiari e la sua visione dell’arte come atto di memoria e speranza. 

Un viaggio che ci porta alla scoperta di un’artista che, tra forme e colori, cattura l’anima di una terra e la restituisce al mondo con delicatezza e passione.

Provenendo da una famiglia d’arte e crescendo in un ambiente già intriso di creatività, quando hai compreso che anche per te l’arte sarebbe stata non solo un’eredità, ma una scelta di vita personale e imprescindibile? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha rivelato questa vocazione?

Sono cresciuto in un laboratorio degli anni 70, dove dal
gioco è diventato un lavoro, un mestiere. L’ opera che si doveva realizzare era un momento serio, ma
nel contempo il posto era un crocevia di pittori, artisti che con il loro
mondo di odori, di vestirsi e il pensiero mi metteva nella condizione che avrei
voluto essere, un domani, uno di loro, se chiaramente lo fossi nato. Ora lo
posso dire, sono nato artista, figlio d’arte ma anche figlio dell’ arte. Il momento che consacra questo in modo concreto, sono le
commissioni che arrivano e poi non ti fermi più, vero riconoscimento del
lavoro.

La tua arte nasce dal desiderio di salvare l’arte stessa. In che modo credi che le tue creazioni possano portare un messaggio di salvezza e speranza?

Penso che sia un illusione sana , le opere create con
sincerità di animo ,di cuore , accompagnato da una preparazione seria possa
portare un messaggio sano , sincero.

L’ intellettualità onesta è un modo contemporaneo ,direi
controcorrente all’ esposizione nichilista , per questo che ho sempre creduto
al binomio artista- artigiano ,per avere un senso sia etereo ma terreno nel
percorso artistico di una persona che crede in ciò che deve fare,senza
furbizie.

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

Non ho uno stile e non ho mai pensato di averne, diciamo
che comanda l’ opera, se deve diventare classica, stilizzata, moderna ecc. L’ evoluzione è una costante del lavoro, considerando che
interpreto ogni opera come unica, quindi implica un’ evoluzione.

Quali materiali preferisci utilizzare per le tue sculture, e cosa ti guida nella scelta di un materiale rispetto a un altro?

Prevalentemente uso l’ argilla, di diverso genere, ma mi
piace molto dipingere, quindi l’ uso del colore, ho creato anche sculture in
bronzo, in legno, ma debbo dire che la ceramica, la maiolica, è un connubio
perfetto tra scultura e pittura.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione?

Mi ha fatto scuola il rinascimento toscano, ho avuto la
fortuna di essere stato molte volte in Toscana, Firenze, dove ho collaborato
con una piccola galleria, e questo stupendo periodo di soggiornare in un museo
a cielo aperto mi ha davvero dato tanto, poi Roma ecc. Ma penso che ogni
incontro possa rivelare un occasione di crescita, di confronto, ovunque.

Il colore gioca un ruolo fondamentale nelle tue opere. Come nasce questa scelta cromatica e quale significato attribuisci al colore nelle tue ceramiche?

Una Vita a colori, la ceramica è colore! Penso di non aver
mai realizzato una opera senza colore, vado letteralmente a caccia del colore, ogni forma, ogni suono, ogni cosa ha il colore. Sono sinestetico, quando
ascolto una musica vedo i colori.

Parli spesso di “struttura formale” e di “energia che irradia la materia”. Puoi spiegare meglio questa visione filosofica della scultura?

Vivo in termini energetici, interpreto la Vita come energia, quindi ciò che facciamo esprime energia, forme, colori.

Tutto ciò mi ispira fortemente sia in termini formali che
cromatici, esplosioni, implosioni, irradiazioni ecc. L’ argilla è un ottimo
materiale per questa ricerca, in più la devi cuocere a 960° e questo influisce
ancora di più, poi l’ interazione si completa con gli smalti che il calore
fonde tra loro, li strappa, li unisce creando effetti incredibili.

La tua arte affonda le radici in una profonda padronanza della tecnica e nell’uso sapiente delle mani come strumenti fondamentali del processo creativo. In che modo questa solida base tecnica influisce sulla tua libertà espressiva e come riesci a bilanciare disciplina e creatività nelle tue opere?

Penso che l’ istinto prius vada protetto, la padronanza tecnica serve, è fondamentale per andare dove vuoi, ma serve, in modo fondamentale, la creatività istintiva, animalesca, come un rapporto d’amore, per essere sempre creativi bisogna essere umili, curiosi, sempre pronto ad imparare qualcosa. 

Debbo dire che è impegnativo, ma il contatto con il mare, con la natura, la semplicità è fondamentale.

Come figlio d’arte, quanto ha influito la figura di tuo padre Giuseppe sul tuo percorso artistico? E come hai trovato la tua voce personale nell’arte?

Ha influito molto, soprattutto in età formativa, poi sono andato via per sperimentare, trovare la mia cifra, la mia strada, con errori, crisi, pianti e baratri.

In un secondo momento ci siamo ritrovati, lui più grande di me di 40 anni, lo aiutavo perché fisicamente non poteva permettersi di affrontare lavori di grandi dimensioni, ma è stato interessante, siamo finiti, quasi amici.

Purtroppo la voce personale nell’ arte la devi pagare con il sangue e nessuno ti può aiutare, si inizia in mille e si finisce in tre, è un percorso duro che mette al limite ogni cellula del corpo è già un successo se invecchi al livello cerebrale sano.

La tua ricerca artistica è strettamente legata alla terra sarda. Quali elementi della cultura e del paesaggio sardo influenzano maggiormente le tue opere?

La Sardegna è un luogo mitologico, Odisseo, sia il litorale
che l’ entroterra, ho scelto di vivere qui, pagando l’ alto prezzo di rimanere
un artista al massimo “regionale” per vivere con onestà il
territorio, cioè facendo il sardo in Sardegna.

Però mi ha ricambiato con efficacia in posti, luoghi, mari
di indescrivibile fascino, soprattutto in periodi invernali, lontani da orde
turistiche.

Si, mi influenza sempre e lo fa con tutto il vigore e l’
amore possibile, con gelosia, non potrei più andarmene.

Poi completa molto l’ ispirazione la civiltà Nuragica, con
i suoi personaggi mitici, i guerrieri, gli Shardana, molte opere sono intrise
di questi argomenti, di questa energia.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

È un processo naturale: arriva quando vuole e, purtroppo, se ne va quando vuole. I periodi in cui non vado in laboratorio sono irrequieti, disperati, laceranti; poi, all’improvviso, risalgo, inizio a disegnare e tutto riappare. Ho imparato a godermi la risalita, mi rende felice. Per questo ho bisogno di questa terra: perché mi aiuta a ritrovare il centro. Purtroppo, non si può essere creativi tutti i giorni; le migliori intuizioni arrivano da sole, e non sai mai quando. 

Diciamo che il proverbio mens sana in corpore sano è vero: ci vuole molta disciplina per essere creativi a certi livelli, senza rischiare di bruciarsi in fretta.

Le tue opere sembrano unire pittura e scultura in un unico linguaggio. Come riesci a far dialogare queste due forme espressive?

Si come dicevo la tecnica della ceramica possiede questa
possibilità incredibile di unire scultura e pittura, quando devi modellare ti
senti scultore, quando devi colorare ti senti pittore e sono due stati d’ animo
diversiù, ma con il tempo li fai convivere in armonia.

Nel tuo processo creativo, quale ruolo hanno le mani e il gesto fisico? Quanto conta la componente tattile nel dare vita alle tue opere?

Nella manipolazione dell’ argilla è fondamentale la
sensibilità tattile, il gesto deve diventare libertà, devi imparare più in
fretta possibile a non avere dubbi, paure, incertezze, devi inoltrarti in un
non fare consapevole, ci vogliono anni, centinaia di opere, di dipinti, ma
poi l’ emozione è totale.

Come concepisci il rapporto tra lo spazio e le tue opere? Pensi che l’ambiente circostante influenzi la percezione delle tue sculture?

Beh, come dicevo, vivo in Sardegna, in campagna, e il laboratorio è immerso in un oliveto. Trovo prezioso fare riposare gli occhi, guardando una pianta o giocando con i cani, le tartarughe e i gatti, per poi riprendere il lavoro. Sono profondamente consapevole che l’ambiente influisce sulla creatività, sul lavoro e sulla qualità.

Le “arche” hanno subito un’evoluzione concettuale nel tempo. Come è cambiata la tua visione da quando hai iniziato a lavorarci fino ad oggi?

Le Arche e le Navicelle sono tra le opere più rappresentative del mio percorso, sia in termini di innovazione tecnica che concettuale.

All’inizio pensavo a un’arca, simile a un Noè sardo, con rappresentazioni di fauna locale come mufloni, cinghiali, ecc., con al timone un guerriero nuragico e la sua compagna. Poi, gradualmente, è diventata una scultura organica che fluttua nei mari senza tempo, un intreccio di vele e forme libere, in difesa di un’idea di protezione contro attacchi nichilistici e oltremodo digitali nei confronti di un’arte analogica, fatta di matite, carta da pescheria, carboncini, pennelli, colori ad olio, trementina, ecc. Un vintage postmoderno, con il filtro della critica alla modernità, sempre con garbo.

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Indubbiamente una è una scultura di San Giuseppe con bambino
di grande dimensione ubicata al Duomo di Cremona, a 34 anni mi fece sentire uno
scultore serio, vinsi il concorso indetto dalla Confartigianato di Cremona,
realizzai l’ opera e mi fece sentire uno scultore, con tutto l’ arsenale
efficiente, confrontarmi con la efficienza e la macchina lombarda politica ed
esserne all’altezza mi sembrò un buon risultato.

Poi diversi altri, ma quest’ opera cambiò le prospettive sul
livello del lavoro.

Affiancherei anche il primo premio vinto a Porto Cervo per
le opere innovative in ceramica, sempre trentenne, oggi vivo il lavoro in modo
diverso, debbo dire che è cambiato molto in soli trent’anni, sono cambiate
tante cose, ma è normale.

Qual è il messaggio che vorresti che il pubblico portasse con sé dopo aver osservato le tue opere?

Vorrei che trovasse originale, unico ciò che ha visto, non
bello, ma originale e unico.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Sì, ho un progetto in fase avanzata di arte per la nautica. Ho in mente una vecchia barca dove verranno esposte opere per l’arredo artistico di imbarcazioni importanti, un nuovo modo di incontrare il contemporaneo.

Il mare farà da testimone.

Contatti

Email msilecchia5@gmail.com

Facebook Marco Silecchia

YouTube Marco Silecchia Artista

Instagram silecchiamarco

Gli esordi artistici sono legati al padre Giuseppe,
caposcuola della ceramica artistica in Sardegna e tra gli ultimi allievi di
Eugenio Tavolara.

Studia all’Istituto Statale d’arte di Sassari, sezione
Ceramica e Arredamento, e completa la formazione alla Accademia di belle arti
di Roma e Sassari. Approfondisce ogni tecnica artistica con curiosità e
disciplina: il tornio da vasaio in Umbria a Deruta, la fusione in bronzo nella
Fonderia Anselmi a Roma, dove incontra lo scultore Nuccio Fontanella e le opere
di Umberto Mastroianni.

La pittura diventa una preziosa “alleata”
intrecciandosi con la maiolica e le ricerche cromatiche, diventando la cifra
stilistica nelle sue opere. La preparazione avuta dal padre e maestro in età
giovanissima, gli permette di spaziare a tutto tondo nelle tecniche artistiche
ed espressive, dal disegno, madre di tutte le Arti, alla scultura classica o
moderna, alla pittura al restauro. Esordisce, premiato come pittore, nel 1997
al Premio Osimo e nello stesso anno partecipa alla rassegna regionale
“Primavera d’Arte” dove ottiene una menzione speciale.

Nel 1998 partecipa al concorso nazionale Genius, dove
ottiene il Premio Regione Sarda, ottiene una menzione speciale alla XII
Rassegna Regionale “Primavera d’Arte” e prende parte al concorso di
pittura “Organico e Inorganico”.

Nel 2003 presenta la sua nuova produzione alla rassegna
regionale “Primavera d’Arte” ottenendo una menzione speciale ed
espone al II simposio internazionale dei Maestri di Porto Cervo. Nello stesso
anno riceve il primo premio all’Internazionale di Pittura di Padru.

Nel 2007 le sue opere ottengono il premio Santa Teresa di
Gallura alla II Mostra di Arte Ceramica Sarda.

Nel 2016 presenta, insieme a sua madre Wanda e suo fratello
Roberto, una mostra dedicata al padre Giuseppe, allestita presso la galleria
Ziranu di Nuoro.

L’idea di rappresentare visivamente l’universalità
dell’Arte, intesa nel profondo rapporto tra tradizione ed innovazione in
continuo movimento e trasformazione sino ai giorni nostri con opere di chiara
identità post-modernista.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

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Il Silenzio che Parla a Colori

L’Universo Artistico di Carmelo Randazzo

di Giuseppina Irene Groccia |16|Febbraio|2025|

Carmelo Randazzo è un artista la cui voce risuona attraverso i colori e le forme, superando i confini del silenzio che lo accompagna fin dalla nascita. La sua storia è quella di un talento precoce, emerso tra le mura dell’Istituto dei non udenti  di Tivoli, dove fin da bambino ha mostrato un’innata propensione per l’arte, coltivata con passione e determinazione nonostante le difficoltà comunicative.

Senza una formazione accademica tradizionale, Carmelo ha affinato il suo stile nel raccoglimento della sua stanza, trasformando le sue problematiche di comunicazione in un linguaggio pittorico molto particolare e riconoscibile. La sua evoluzione artistica, segnata da una ricerca continua e dal confronto con il chiaroscuro caravaggesco, si arricchisce nel tempo di nuove tecniche e materiali, raggiungendo una maturità espressiva sorprendente.

Dopo un periodo di lontananza dall’arte, dovuto alle vicissitudini della vita e alle necessità lavorative, egli è tornato a dipingere con una consapevolezza nuova, scoprendo nei suoi tratti una raffinatezza inaspettata. Questa rinascita creativa lo ha portato a esplorare superfici innovative e a sperimentare forme espressive molto originali.

Oggi, le sue opere risuonano di vita e intensità emotiva, riflettendo un’anima silenziosa ma straordinariamente espressiva. Le sue tele esplodono di colore e dinamismo, rievocando l’energia dell’action painting e trovando una connessione sorprendente con lo stile di Pollock. L’arte di questo valido autore non è solo bellezza visiva, ma un grido profondo d’amore per la vita, un dialogo intenso con l’osservatore che supera le parole e racconta una storia di forza, passione e crescita interiore.

Per lui, la pittura non è solo una forma di espressione artistica, ma un mezzo di comunicazione vitale che gli permette di colmare il vuoto lasciato dalle difficoltà comunicative. Ogni pennellata ha la forza di trasformarsi in una parola non detta, ogni colore libera un’emozione nascosta. Il suo talento artistico nasce dal bisogno profondo di raccontarsi senza barriere, trovando nell’immaginazione e nei sogni la voce che la realtà gli ha negato. In questo viaggio silenzioso ma ricco di significati, Carmelo Randazzo ha trasformato la sua esperienza in una risorsa creativa di straordinario valore, dove la potenza espressiva diventa ponte tra mondi altrimenti inaccessibili.

Con questa intervista, avremo l’opportunità di conoscere più a fondo il suo universo creativo, poiché l’artista si aprirà a un confronto intimo e riflessivo sulle sue esperienze e la sua arte.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Si potrebbe dire che sono nato artista, i miei primi schizzi risalgono a quando avevo 4-6 anni. Mi appassionavano gli animali provocandomi una duplice emozione, negativa e positiva allo stesso tempo. La caccia era molto diffusa in passato e questo mi rattristava al punto da voler imprime su tela la mia tristezza. Dal 2010 qualcosa è cambiato dentro di me e ho cominciato a immaginare le persone della mita vita, familiari e amici, come animali legati a me o che, talvolta,  per una qualsiasi ragione potevano allontanarsi. In quell’anno ho iniziato a dipingere i volti umani con le sembianze animali raccontando così episodi belli e butti che  stavo vivendo in quel momento.

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue opere?

Mi appassionano tante tecniche, dipingo, lavoro l’argilla, il legno, spesso lavoro dal vivo. Amo molto la natura con i suoi alberi, boschi e la vita che vi scorre al suo interno. Mi preoccupa il disboscamento e le conseguenze sulla fauna. Questo però mi permette di recuperare la legna tagliata e farne delle sculture, come presepi, case per animali, cornici,tavoli per lavorare. Reputo il legno utile ma mi rattrista molto che provenga dalla morte di un albero. Tengo molto alla natura che permette la vita tra noi esseri umani. Alcune mie opere, lo so, trasmettono tristezza poichè provengono da ispirazioni legate al decadimento dell’essere umano. Indubbiamente l’allegria e la spensieratezza sono presenti ma  si confondono a sentimenti  di tristezza che raccontano le mie origini e gli amici che non ci sono più nella mia vita. 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

Ho iniziato con dei disegni molto semplici con soggetto animale, sperimentando anche  i colori a olio. Ho preso  ispirazione dal grande Caravaggio. Circa vent’anni fa notai che la mia arte stava cambiando e non mi riconoscevo in essa, spesso chiedevo conferma a mia moglie alla quale piacevano molto quei lavori. Mi è capitato un evento particolare, per sbaglio ho bevuto un bicchierino di acqua raggia al posto del caffè che  mia moglie mi aveva portato. Confuso non mi ero accorto che  la tazzina di caffè fosse rimasta lì e involontariamente il contenuto andò sulla tela disegnando tanti schizzi impossibile da togliere. Questo errore ha influenzato la mia produzione pittorica, quasi sconbussolandola e creando uno stile nuovo che negli anni ho ripreso e ancora utilizzo. Oggi la mia pittura è completamente differente. Quella del passato piena di rabbia e ora che vivo momenti diversi, pieni di gioia, vengono raccontati dalla mia produzione attuale. Nonostante il grande cambiamento si stile, che spesso non riesco a comprendere, non riesco a ripudiare le opere passate, anzi le apprezzo ancora di più. I miei dipinti sono lo specchio della mia vita e raccontano chi sono e cosa provo. Talvolta sono loro che mi ricordano come sono stato, dalle pennellate percepisco la reazione che mi provoca quello che vivo nel quotidiano.

In che modo le difficoltà comunicative hanno influenzato il suo stile pittorico e il modo in cui si esprime attraverso l’arte?

Le difficoltà di comunicazione, in quanto persona sorda, ci sono, eccome, ma riesco a comunicare attraverso l’arte e la sua profondità. I comportamenti e le azioni umane, come del resto quelle degli animali, spesso non non hanno bisogno di una lingua che li esprima e io come sordo mi sento molto vicino agli animali nelle espressione delle mie emozioni e nelle reazioni conseguenti. Chiaramente ho bisogno di un interprete professionista che mi traduca e mi permetta di seguire quello che dicono le persone intorno a me. Con un interprete mi sento tranquillo. A mio avviso, la difficoltà è soprattutto per chi sente e non conosce la lingua dei segni.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione?

La mia arte viene da diverse fonti di ispirazione, come i dipinti visti nei musei,  i luoghi d’arte frequentati negli  anni e il mondo che mi circonda ma non mi sento completamente connesso a queste influenze bensì dalla mia capacità di interiorizzare tutte le differenti forme lignee che ho visto  e lavorato con le mie mani. Guardo alcuni scultori con grande rispetto e ammirazione ma non cerco di copiarli . La mia arte è solo mia, è la mia vita, i miei pensieri sono la mia arte che è unica nonostante i tanti incontri con le produzioni artistiche altrui.

Quali elementi del filone caravaggesco e dello stile di Pollock senti più vicini alla tua sensibilità artistica?

Indubbiamento sono molto colpito dall’arte di Caravaggio e dal suo vissuto, le sue battaglie. I suoi stati d’animo si avvicinano molto ai miei. Nei suoi dipinti, le ombre dietro ai suoi personaggi mi ricordano le sere nel colleggio quando mi piaceva tenere la luce soffusa. Ancora oggi non amo la luce che abbaglia. Nel 2011 per la prima volta ho visto una mostra su Pollock,. L’episodio della tazzina di caffè, di cui vi ho parlato, e gli schizzi sulle tele hanno fatto in modo che mi associassero  a Pollock ma io, in quel momento, non sapevo chi fosse. Ci sono molte differenze tra le nostre produzioni quindi non mi ritengo ispirato da lui. Il pittore che ho amato e amo è sicuramente Caravaggio.

Qual è stato il momento decisivo che ti ha spinto a riprendere l’arte dopo dieci anni di lontananza?

Poco prima del 1990 ho interrotto la mia attività, nel ’98 ho prodotto alcuni dipinti con soggetto africano. Nel 2003 mi sono sposato e volevo ricominciare a dipingere, anche dietro la spinta di un mio collega Davide e di mia moglie. Quando ho ricominciato ho notato che la mia arte era completamente cambiata come del resto ero cambiato io. So di aver perso dieci anni ma il mio talento l’ho conservato nonostante tutto.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Per me l’errore nelle tecniche artistiche non esiste, quando  faccio un errore mentre lavoro il legno approfitto per fare una modifica al materiale che sto utilizzando, lo stesso nella stesura del colore. Lavoro molto il legno e uso quasi sempre il nero e il bianco con  tre quattro pennelli di differenti dimensioni. Non uso nessun rituale particolare.

Preferisci lavorare su tela in solitudine o trovi ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Non ho avuto nessun tipo di formazione ma ho studiato da autodidatta dipingendo spontaneamente nella solitudine della mia casa. Non mi piace confrontarmi con gli altri mentre produco arte. credo che io riesca a imparare di più in solitudine e riesco a gestire la mia rabbia. stare con gli altri significherebbe avere problemi di comunicazione con chi non conosce la mia lingua.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Ho fatto molte personali, mostre colletive e a volte ho avuto il ruolo di coordinatore artistico. In molti casi il rapporto con il pubblico è molto positivo, ho notato che il messaggio delle mie opere arriva. Il mio pubblico è in grado di percerpire la profondità dei miei dipinti e il mio talento. Senza interprete è difficile interagire con le persone che conoscono la mia arte ma talvolta mi hanno scritto e questo mi ha colpito molto . Ovviamente preferisco comunicare nella mia lingua madre attraverso la mediazione di un professionista, la sua presenza può evitare che i visitatori di una mia mostra vadano via senza parlare con l’artista. Ribadisco che il ruolo dell’interprete è molto importante in questi contesti dove potrei ricevere un feedback da chi osserva per poi farne tesoro.

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Tre sono le opere a cui sono legato di  più, rappresentano tre animali: il leopardo, il cavallo e il puma. Il cavallo per il suo sguardo e il modo di comportarsi che definirei quasi umano, è un animale umile rispettoso e intelligente. Il leopardo per il suo aspetto forte dallo sguardo dolce, come il puma, mi ricorda molto il gatto e sogno di poterlo abbracciare. Con il cavallo è più semplice relazionarsi ma il mio sogno è poter incontrare un leopardo e un puma ma so che è espremamente diffcile.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

Non è semplice rispondere a questa domanda ma negli anni credo di aver dato un contributo all’arte contemporanea, la prova sono i tanti riconoscimenti avuti lungo la mia carriera artistica: Milano, Aprilia Nemi per citare alcuni luoghi. C’è da dire che nessuno però mi ha sostenuto economicamente o si sia preoccupato di promuovere  la mia produzione artistica. Purtoppo tutto gira intorno al denaro e se non ti autofinanzi a volte non vai avanti. Nel mio caso devo anche preoccuparmi delle spese dell’interprete che spesso sono esose.

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come artista e come le hai superate?

In quanto persona sorda ho avuto molte difficoltà soprattutto per le barriere comunicative. Spesso ho dovuto pagare di tasca mia un interprete professionista. Inoltre, mi sono visto chiudere le porte in faccia da alcuni curatori di mostre a causa della mia sordità preoccupati dei tempi di traduzione e della fedeltà del contenuto interpretato. Spesso non mi sento alla pari rispetto agli altri artisti che non sono sordi. Da solo sostenere tutte queste spese è impossibile e lotto per un futuro dove agli artisti sordi sia dato accesso a mostre e possibilità di crescita artistica .

Recentemente hai partecipato a Visioni, il premio d’arte internazionale organizzato dall’associazione culturale AthenaeArtis di Maria Di Stasio. Che esperienza è stata per te? C’è qualcosa di particolare che hai apprezzato o che ha arricchito il tuo percorso artistico?

La mostra del 7 Dicembre è stato molto bella, organizzata nei minimi dettagli in un posto incantevole. Non voglio entrare nel merito delle opere di altri artsiti,  per me l’arte è tutta bella. Una scelta che mi ha colpito moltissimo è stata quella di darmi la posizio0ne perfetta per una persona sorda e i visitatori sordi venuti. La produzione era in un angolo, accanto all’ingresso quindi chiunque e ntrava o usciva godeva della mia arte. Altra nota positiva è stata che sul luogo c’era un’interprete professionista che ha tradotto ogni cosa. Inoltre è stato bello ricevere delle meravigliose parole da parte della critica sulla mia opera raffigurante il cavallo. Non sono riuscito quasi a dire nulla poichè ero molto emozionato di fronte a tante persone, era da molto tempo che non mi esponevo così. Ricevere un premio, per la  prima volta al sud,  di cultura artistica molto differente rispetto al nord, è stato davvero soddisfacente per me. 

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Carmelo Randazzo è nato in Germania a Weil am Rhein il 7 dicembre 1969. La sua formazione scolastica è passata dall’istituto per sordi “Gualandi”, tra Tivoli e Roma, le scuole medie pubbliche, fino al diploma nel 1990 presso il Liceo Artistico Statale di Latina. Dal 1990 lavora presso un’azienda farmaceutica. Sposato da 22 anni, dopo 15 anni di unione è nato Andersen, che ha rivoluzionato la vita dell’artista. Carmelo dedica molto tempo alla sua famiglia e in particolare al piccolo di casa. Prima del suo arrivo tutte le attenzioni erano per Tenny, gattino di circa 10 anni. La sua più grande passione è la cultura come il visitare musei e mostre. In particolar modo ama il colore, il dipingere e sperimentare nuove tecniche. Al primo posto c’è il prendersi cura della casa e decorarla con la sua produzione artista quasi a formarne una vera e propria Wunderkammer. Appassionato di storia colleziona libri su vari argomenti ma quello che lo attira di più è il mondo animale.  La natura e i suoi animali, intrinsecamente legati alla sua arte sono parte integrante della vita dell’artista. Estremamente meticoloso e ligio, ha un’attenzione spiccata per il dettaglio.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

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 L’ArteCheMiPiace – Interviste

Nella Pittura di Antonio Iovine

Tradizione e Emozione Senza Tempo

di Giuseppina Irene Groccia |14|Febbraio|2025|

Per comprendere appieno la profondità della sua arte e il percorso che l’ha portato a definire il suo linguaggio espressivo, entriamo nel mondo di Antonio Iovine attraverso le sue stesse parole. 

Questa intervista è un dialogo intimo che svela il cuore della sua creatività, il legame con la tradizione e la ricerca incessante di nuove forme di bellezza.

Puoi raccontarci come hai iniziato il
tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha
spinto verso l’arte? 

In realtà il sapore dell’arte l’ho iniziato ad assaporare
e gustare fin dall’infanzia.  Tutto è
nato dai colori, gli odori della pittura ad olio, e i vari diluenti. Nasco da
una famiglia di artisti pittori, mio padre, mia madre, lo zio di mia madre.
Insomma da piccolo “mangiavo pane e colori”.

Qual è il tema o il messaggio
principale che cerchi di comunicare attraverso le tue opere? 

Dentro me ho un
mondo che ricorda tempi antichi. Un mondo fiabesco e che non ha mai spento il
lato fanciullo che c’è in me. Cerco di trasmettere quella fantasia colorata e
fantastica che a questo mondo manca, o che spesso svanisce nel niente. I miei
dipinti devono raccontare sottovoce che bastano colori e pennelli per trovare
la pace e la gioia.

Come descriveresti il tuo stile
artistico e come si è evoluto nel corso del tempo? 

Credo che oggi sono riuscito
a costruire uno stile molto personale. Mattone su mattone con gli anni, tanta
fatica, ore ed ore ad inventare e studiare mi hanno permesso di lasciare lo
stile classico della pittura campana, e “timbrare” il mio stile attuale  che  oggi
 definisco  contemporaneo 
e  fantastico.

La tua arte affonda le radici nella
tradizione della scuola campana, ma allo stesso tempo arricchisce il panorama
contemporaneo. Come riesci a mantenere quel delicato equilibrio tra la
tradizione e la tua visione personale? 

La scuola classica campana mi permette
di realizzare figure, paesaggi, fiori, in modo realistico  e  “morbido”
nelle pennellate, mantenendo inalterata la mia provenienza.

Essendo cresciuto in una famiglia di
artisti, come ha influito tuo padre, Nello Iovine, sulla tua formazione e sul
tuo approccio alla pittura? 

Come detto in precedenza, fin dalla tenera età
vedevo mio padre come iniziava a preparare le tele con l’imprimitura, i vari
passaggi. Quando realizzava i disegni sulle tele per poi iniziare a dipingerle.
Questo avveniva anche con mia madre. Questo mondo mi ha “rapito” e mai ho
chiesto “un riscatto” per esserne liberato.

Le tue pennellate evocano un senso di
tempi antichi e sensazioni profonde. Quali emozioni o racconti cerchi di
trasmettere attraverso i tuoi paesaggi e ritratti? 

Il figurativo è stata sempre
una prerogativa della pittura dei miei genitori. Io cerco di tramettere la
storia che ho in me, il vento che attraversa il mio animo, i sogni che continuo
a sognare ad occhi aperti. Così cerco di trasmettere sogni e un canto artistico
che non avrà mai fine.

In un mondo sempre più digitale, come
vedi la pittura classica nel panorama artistico contemporaneo? Cosa pensi che ancora
la renda rilevante e vitale? 

Oggi si definisce arte qualunque cosa si crea o si
crede di aver creato. Ma gli artisti del passato ci raccontano altro. L’arte
classica è quella dove dopo aver lavorato su un dipinto hai le mani sporche di
colori, i pennelli ancora intinti che vanno puliti. L’arte classica è quando
mentre stai dipingendo devi alzarti , allontanarti dal dipinto e mettere a
fuoco quello che stai realizzando.

Quali sono le principali fonti di
ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze
personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione? 

Mi ispira tutto
ciò che mi circonda. Il sorriso meraviglioso e innocente di un bambino, il
profumo del mare della mia Salerno, gli occhi della gente che mi circonda, ma direi
soprattutto il mio vissuto .

Qual è il processo creativo che segui
per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei
particolarmente affezionato? 

La tecnica è rimasta inalterata. Preparazione
delle tele con imprimitura con gesso e colla di coniglio. Poi si disegna ciò
che immagino e si passa allo schizzo. Se ritengo che mi soddisfi allora si
parte con le prime pennellate.

Che importanza attribuisci al colore
nel tuo lavoro? Come scegli la tua palette e che significato ha per te il colore? 

Amo i colori decisi e che mi rilassano, Le tonalità di blu, degli azzurri, le
carnagioni chiare, e spesso uso il color oro nei miei dipinti. Quando il pezzo
lo richiede mi piace molto usare la spatola, per dare corposità e
tridimensionalità all’opera.

Preferisci lavorare su tela in
solitudine o trovi ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o
eventi d’arte? 

La solitudine mi dà possibilità di rimanere concentrato, mi
rilassa e mi aiuta nella creazione. Ma lavoro sempre con un sottofondo musicale
rilassante.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il
pubblico? In che modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il
tuo lavoro? 

Credo che per un artista l’approvazione del pubblico sia linfa
vitale. E’ la conferma che stai facendo bene e che i giorni a volti i mesi per
realizzare un opera non sono stati giorni inutili. Poi le critiche costruttive
ti fanno sempre migliorare.

C’è un’opera, tra quelle che hai
realizzato, che consideri particolarmente significativa per te? Puoi
raccontarci la sua storia? 

Può sembrare una risposta banale, ma tutte le mie
opere sono significative. Perché ognuna di loro racconta un pezzo di me, ognuna
viene “partorita” con tanto impegno.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società
contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo
ruolo? 

Spero che possa essere un trampolino tra la triste e drammatica realtà
che questo mondo ci rivela ogni giorno. Non si può negare che viviamo in una
società molto grigia, a volte troppo scura, senza nessun colore. Tutti noi
abbiamo bisogno di un po’ di colore nelle nostre vite, almeno sulla parete
delle nostre case, per avere almeno una parvenza che non è poi così grigio
questo mondo.

Quali sono le maggiori difficoltà che
hai affrontato come artista e come le hai superate? 

Ovviamente il mondo
dell’arte è un mare tempestoso dove navigare. Ci sono insidie, molti venti
contrari, delusioni e tanta gavetta. Indubbiamente bisogna fare i conti con i
tanti bravi artisti che mi circondano, il mercato dell’arte è sempre
imprevedibile. Devi saper puntare sulle gallerie giuste, i canali che non ti
fanno solo i complimenti ma che ti aiutano a sponsorizzare le tue opere.

Recentemente hai partecipato a Visioni, il premio d’arte internazionale organizzato dall’associazione culturale AthenaeArtis di Maria Di Stasio. Che esperienza è stata per te? C’è qualcosa di particolare che hai apprezzato o che ha arricchito il tuo percorso artistico?

Innanzitutto devo dire che ho
conosciuto una persona meravigliosa, sensibile, empatica e tanto professionale
che è Maria Di Stasio.  Si è creato da
subito una bella amicizia.  Il premio
Visioni che si è tenuto nella mia città Salerno mi ha permesso di farmi
“conoscere “  dalle  nuove generazioni di pubblico salernitano,
visto che sono stato fuori Salerno diversi anni, proprio per avere nuove
esperienze lavorative in altre città. Ho ritrovato “vecchi” miei estimatori e
clienti e mi ha rilanciato sul mercato salernitano.

Le tue due opere pittoriche presentate
a Visioni, due bellissimi e colorati ritratti di bambini, sono state tra le
protagoniste dell’evento, distinguendosi al punto da farti ottenere una
Segnalazione di Merito. Puoi raccontarci il processo creativo che ti ha portato
a realizzarle? C’è una storia, un significato o un messaggio particolare che
volevi trasmettere attraverso di esse? 

Ho scelto la tematica dell’infanzia. Io
credo che se tutto il genere umano riservasse dentro se l’ingenuità, la purezza
e la dolcezza dell’infanzia, questo mondo sarebbe diverso. Con queste due opere
presentate in Visioni ho voluto trasmettere questo. E devo dire hanno riscosso
un successo incredibile. La prima è un opera 60×80 olio su tela titolo “
La  piccola sirena “. Opera che trasforma
ii sogno di una bimba di essere come il suo cartone animato preferito, La
sirenetta della Disney in realtà. Infatti è un volto di una bambina immersa
nell’acqua, sul suo bel viso ha una maschera dorata intarsiata e ricca di
particolari, lo sfondo è quello tipico marino. La seconda opera è un 60×60 olio
su tela, titolo “ I colori dell’infanzia”. Anche questo è un bellissimo volto
di un bimbo in primo piano , il suo volto e sporco di colature di colori
variopinti, così anche lo sfondo. Il mio messaggio è stato, “lasciatemi vivere
la mia infanzia, lasciatemi sporcare di colori, lasciatemi la mia innocenza, la
mia fantasia.”

Quali progetti o obiettivi hai per il
futuro? Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare? 

Nella mia
attività non si finisce mai di crescere. Ho tan ti obbiettivi che un passo alla
volta spero di raggiungere, pur sempre rimanendo umile e con i piedi per terra.
Poi nell’arte i mondi da esplorare sono tanti, credo che niente mi vieta di
fare un passo verso nuove esperienze.

Contatti

Email iovineantonio.arte@gmail.com

Facebook Antonio Iovine

Instagram iovineantoniopainting

Antonio Iovine

Nato a Salerno nel 1976, sono un artista pittore che affonda le radici
nella tradizione figurativa della scuola classica Campana, con una particolare
predilezione per il paesaggio e il ritratto. La mia passione per l’arte si è
sviluppata fin dalla giovane età, e all’età di 19 anni ho avuto il privilegio
di esporre la mia prima mostra. Con il passare degli anni, la mia ricerca
artistica si è evoluta verso il contemporaneo, esplorando nuove forme
espressive e tecniche innovative.

Ho partecipato a numerose mostre individuali e collettive, ottenendo
importanti consensi e riconoscimenti per la qualità e la profondità del mio
lavoro. Le mie opere sono presenti nelle più prestigiose gallerie italiane,
dove continuo a esporre e a condividere la mia visione artistica con il
pubblico.

La mia arte nasce da una continua evoluzione, in cui la tecnica e
l’esperienza si uniscono al desiderio di esprimere chi sono veramente, un’anima
ancora giovane e ricca di emozioni.

Dipingo perché è il mio modo di dialogare con il mondo, un linguaggio che
va oltre le parole. Ogni opera è il frutto di un viaggio interiore, un percorso
di sensazioni, riflessioni e ricordi che desidero condividere con il pubblico.
La mia arte è il mio modo di regalare emozioni, di trasmettere la felicità
attraverso colori che esplodono con la passione che porto dentro.

Vedere la mia arte come un’espressione pura di gioia è un invito per chi
osserva a lasciarsi coinvolgere, a scoprire nel mio lavoro non solo l’immagine,
ma l’emozione che c’è dietro. Ogni quadro è un dono, un frammento del mio cuore
che si offre al mondo.

Amo inventare la felicità, plasmandola con pennellate che raccontano di un
mondo che può essere più luminoso, più vivo, più pieno di colori.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

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Esce “Conchiglie” di Umberto Romano

Un viaggio poetico tra anima, memoria e impegno sociale

Umberto Romano, poliedrico artista calabrese noto per la sua sensibilità verso tematiche esistenziali e sociali, torna con una nuova raccolta poetica intitolata Conchiglie. Questo nuovo lavoro rappresenta una continuità tematica con la precedente opera Il peso dell’anima, esplorando in profondità la vita, il trascorrere del tempo, la morte e il ruolo immortale dell’anima. L’autore si confronta con i bilanci di una vita vissuta intensamente tra sogni, gioventù, amori, viaggi e un’eterna inquietudine. La sua penna si rivolge ancora una volta agli ultimi, agli Invisibili, a coloro che troppo spesso restano ai margini della società.

La copertina del libro è impreziosita dall’opera Pensieri associativi di Giuseppina Irene Groccia, un dipinto a olio su tela del 2012, profondamente autobiografico, che suggella per la seconda volta la collaborazione tra Umberto Romano e l’artista. Questa scelta sottolinea l’intensità emotiva e la connessione profonda tra parola e immagine, che caratterizza il percorso creativo di Romano. Il libro contiene anche poesie tradotte in spagnolo, ampliando così il suo messaggio universale a un pubblico ancora più vasto.

Poeta, scrittore e pittore, Umberto Romano continua il suo viaggio tra arte visiva e letteratura, esplorando la contemporaneità con una semplicità linguistica che amplifica la potenza emotiva delle sue parole. Le sue poesie scavano nelle profondità della memoria, attingendo a ricordi capaci di foggiare il presente.

La sua poetica non si limita a indagare l’interiorità: il suo impegno sociale emerge potente anche in Conchiglie, confermando la sua vicinanza ai popoli oppressi, come il Saharawi, e a tutti coloro che vivono ai margini, come i migranti. La sua voce poetica diventa così un grido di denuncia contro le ingiustizie sociali e una riflessione sulla attuale condizione umana contemporanea.

Con questa nuova raccolta, Umberto Romano ci invita ancora una volta a riflettere sull’essenza dell’anima, sulla memoria e sui drammi del mondo contemporaneo, regalando ai lettori un’opera di grande profondità emotiva e impegno civile.

Clicca sulla copertina per richiedere il libro su Amazon

 Umberto Romano nasce a Rossano nel 1952, dove attualmente vive, quando non è in viaggio nei paesi dell’Africa ed attualmente USA.

Nasce artisticamente 20 anni fa come scrittore e poeta, narrando i suoi viaggi nei Diari pubblicati. Tra una pubblicazione e l’altra Imbratta tele. 

Qui trovi tutte le sue pubblicazioni

Umberto Romano – Bibliografia 

Qui trovi la galleria online dei suoi dipinti

Umberto Romano – Artista Contemporaneo

Scrivono di lui:

Nella poesia di Umberto Romano alcuni temi tornano insistenti, velati da una malinconia ora sotterranea, ora esplicita.

Egli- anche questa volta-riprende i motivi che la lunga consuetudine e gli anni hanno reso come suo particolare privilegiato patrimonio.

Sunt lacrimae rerum, possiamo dire, quando davanti ai nostri occhi si stagliano le immagini della sofferenza, della discriminazione, della violenza.

Salamina, aldilà della mappa geografica, esiste in ogni luogo in cui qualcuno, pur trovandosi in condizioni di inferiorità numerica, si batte per la propria vita e la propria libertà.

E poi il tema dell’ amore, che intreccia i ricordi dei momenti vissuti con passione o tenerezza a quelli di oggi, quando l’ anima diviene preda della nostalgia e si volge a guardare il passato felice.

Le sue passioni trasferite nei versi, senza filtri o infingimenti, questo coglie tra le righe anche il lettore distratto o sprovveduto.

Giuseppe De Rosis

Avere il mal d’Africa e cercare di diffonderlo in Italia e in Europa con libri e quadri, lo fa Umberto Romano, viaggiatore, documeualmententarista calabrese assurto di recente alle cronache d’arte. Portatore sano d’immagini etnical retaggio di una cultura postcoloniale, esotica, quella delle Afriche mediterranee in primis, oggi in primo piano, alimentata dall’ immaginario non proprio immaginato degli sbarchi sulle coste. Ma l’Africa bisogna viverla, come Umberto Romano, da Rossano, artista e scrittore che annette l’arte etnica ad un’azione continua, vocazionale, laica di assistenza concreta sur place, nei luoghi interni del continente che definiamo “nero” ma che in realtà conserva integri tutti i colori del mondo. Romano predilige effetti chiaroscurali monocromi,in specie nella tematica che ci riporta agli anni in cui era intenso l’interesse per “l’ambiente” esotico, più di oggi, quando l’esotismo ha lasciato il passo all’etnical language, meno folk romantico e più documentato e solidale, come quello di Romano. La mano pittorica tendente al racconto d’impressioni, talvolta naife, emerge e si avvertono tutti i solidi elementi descrittivi di chi crede nella pittura d’affetto e nella narrazione emotiva, di primo impatto, con colori nudi e crudi. Insieme ai dipinti, Romano vanta un vasto index di pubblicazioni  sull’ argomento.

Donat Conenna (Critico d’Arte)

L’esperienza dello scrittore-poeta Umberto Romano, e la capacità di cogliere in versi e prosa le emozioni, la rabbia, i bisogni della gente, manifestando l’affetto fraterno verso il popolo sahrawi, mi toccano nel profondo dell’animo. La testimonianza di solidarietà espressa nelle sue opere nei confronti del nostro popolo, che lui ha conosciuto direttamente nei suoi viaggi, grazie alla sua sensibilità artistica, fanno conoscere la nostra storia, troppe volte dimenticata. 

Nel presentare l’opera alla platea Europea, la speranza è che sempre più le nostre culture possano incontrarsi e comunicare, al fine di contribuire alla libertà dei popoli oppressi.

Mohammed Sidati- 

(Ministro Sahrawi Resp. Europa)

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Email roro3@libero.it

Phone 329.2345941

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 L’ArteCheMiPiace – Poesia e Letteratura 

Singhiozzi di carta
Il respiro eterno della Poesia

di Giuseppina Irene Groccia  |09|Febbraio|2025|

Ho appena terminato di leggere il nuovo libro di Dante Maffia, Singhiozzi di carta, che mi è stato gentilmente donato dalle sue mani, corredato da una dedica bellissima e da una richiesta che, lo ammetto, pur riempiendomi di orgoglio, non posso negare mi abbia anche un po’ intimorito. Mi ha chiesto, con quella discrezione che lo contraddistingue, di scrivere una recensione sul suo lavoro. Dante Maffia è un amico che stimo profondamente, ma anche una figura di enorme prestigio, la cui carriera è costellata da recensioni eccellenti e da un percorso letterario di rara importanza. 

Dover confrontarmi con testi critici  tanto autorevoli ha generato in me una naturale titubanza. Tuttavia, ho presto compreso che la cosa migliore fosse affidarmi a ciò che realmente ho sentito e a ciò che il libro mi ha trasmesso, lasciando che la mia reazione più sincera prendesse forma con naturalezza, nel rispetto del grande poeta e scrittore che è.

Singhiozzi di carta, edito da Genesi Editrice nel dicembre 2024, è un’opera che, fin dalle prime pagine, cattura il lettore con una scrittura densa di intensità emotiva e profondità intellettuale. Pubblicato nella collana I gherigli, il libro si configura come una raccolta di riflessioni, immagini e intuizioni che sondano il sottile confine tra il vissuto e l’immaginato. Sono versi maturati nel tempo, rifiniti attraverso continue riscritture, espressione di una ricerca instancabile nel tentativo di raggiungere vette di assoluta eccellenza. 

La parola si fa veicolo di una sensibilità struggente e delicata, colma di emozioni profonde, come se fosse scritta con il sangue e il cuore, eppure si trasforma in materia di carta, fragile e indifesa. Oltre a testimoniare il frutto della piena maturità letteraria dell’autore, l’opera offre anche un atto di generosa condivisione di sé.

La poesia di Dante Maffia si staglia nel panorama letterario come un’opera di cesello, un mosaico in cui ogni tessera è posata con la cura e la pazienza di chi cerca l’eternità nella parola. Essa non è soltanto il frutto di una ricerca formale, ma il risultato di un viaggio interiore, un incessante dialogo tra l’anima e la pagina, tra il cuore e la mente. Ogni verso diviene un battito, un’eco profonda che si propaga oltre il tempo, toccando corde che la modernità spesso trascura o non sa più ascoltare.

Lontano dall’effimero e dalle mode fugaci, Maffia si abbandona alla poesia come a un mare sconfinato, dove ogni onda porta con sé frammenti di memoria, di cultura e di esperienza, intrecciati in un canto che sfida l’oblio. Con una dedizione quasi mistica, il poeta lima e cesella i suoi versi, rendendoli cristalli di significato, schegge di verità che rifrangono la luce della sua visione. 

Il suo percorso non è solitario, ma attraversa il giudizio altrui, il confronto con i critici, con i lettori, con il tempo stesso, consapevole che la poesia autentica non teme il vaglio della storia. Nelle sue parole si avverte la certezza che il vero valore di un’opera non si misura nell’immediato, ma nell’eco che saprà lasciare dietro di sé. È questa la scommessa del poeta: non cercare l’applauso momentaneo, ma l’immortalità della parola, la sua capacità di risuonare in chi verrà dopo. La poesia, per Maffia, è messaggio consegnato al futuro, un seme piantato nel solco del tempo, in attesa di germogliare quando il mondo sarà pronto a riconoscerne la grandezza.

La raccolta Singhiozzi di carta si carica di un’intensità struggente già a partire dal suo titolo, evocazione di un dolore che si riversa sulla pagina, come se la scrittura fosse un respiro interrotto, un singhiozzo che si fa verbo e sostanza. 

Qui la carta non è solo supporto, ma diviene carne pulsante, ferita aperta, confidente silenziosa di emozioni che si traducono in versi. Si tratta di testimonianze lievi, di confessioni trattenute e al contempo rivelatrici, di allusioni mai esplicitate che, attraverso il loro silenzioso gioco di sottrazione, svelano l’intimità dell’autore. Ogni verso è una rivelazione, un frammento di vita che vibra nel silenzio, dove ogni parola sembra custodire un palpito e il battito di un cuore nascosto. 

Solo l’inchiostro riesce a dare forma a questo segreto, traducendo in suono l’intensità di un’emozione che altrimenti resterebbe nell’ombra. 

Come scriveva Paul Valéry, “la parola è un respiro dell’anima, un’ombra che si fa forma, e solo in essa il nostro cuore trova una voce.”

In questo contesto, la scrittura diventa un atto di resistenza, ma non nella sua forma palese e urlata. Essa si fa silenziosa, si insinua nelle pieghe oscure dell’esistenza, tra le ombre in cui si riflettono tanto il dolore quanto la speranza, opponendosi all’oblio con la quiete di una lotta invisibile. 

La poesia di Maffia, in questa raccolta, assume la forma di un lamento sommesso eppure potente, il suono di un’anima che si svuota attraverso l’inchiostro, trasfigurando il dolore in bellezza, la sofferenza in resistenza.

Una scrittura che si fa terreno di una ricerca profonda e criptica del vero, dove il lettore intravede solo frammenti sfuggenti, ombre di realtà che si dissolvono appena sfiorate. L’opera ci guida verso il senso nascosto, abilmente celato dietro ogni parola dal suo autore, e ci invita a perderci in un labirinto di continui rimandi, in cui ogni verso è al contempo via di fuga e trappola.

Il grande talento intellettuale e letterario dell’autore – candidato più volte al Premio Nobel – non è certo frutto del caso, ma scaturisce dalla straordinaria capacità di evocare mondi altri attraverso una scrittura che si fa, in ultima istanza, esercizio di rara maestria. 

La sua arte letteraria, finemente scolpita e densa di significati, ci invita ad esplorare il mistero del suo pensiero e a riconoscere la nostra stessa condizione di lettori inafferrabili, persi tra le pieghe di un’opera che si fa al contempo rifugio e prigione.