Luglio 2021

Simona Occioni, presidente della  Fondazione Mazzoleni da anni è direttrice artistica di importanti eventi d’Arte
Contemporanea in Italia e all’estero e nel 2020 ha creato la Piattaforma www.artonline20.com.

Oltre 20
anni fa iniziò frequentando lo studio di un’insegnante dell’Accademia di belle arti G. Carrara a
Bergamo, nota restauratrice di stampe antiche.

E’ qui che
ha imparato a distinguere un’acquatinta da un’acquaforte, a “pulire” le stampe
antiche, a scegliere il passe-partout più adatto per poterle incorniciare,
insomma è partita da quella “gavetta” che molti, galleristi oggi improvvisati,  non hanno minimamente idea di cosa significhi.

Il profumo
della cera, l’odore dei libri… era tutto così pieno di storia, così ricco di
cultura!

Non
mancavano le occasioni di dialogare con qualche artista contemporaneo che passava
in studio per un saluto e due chiacchiere, o semplicemente  per
un confronto  sulla tecnica o il materiale da utilizzare  come ottimizzare l’opera sulla quale stava
lavorando.

Tutto
questo l’ha portata piano piano ad appassionarsi a tutto ciò che faceva parte
del mondo dell’arte.

Successivamente
da spettatrice divenne protagonista di questo mondo che la aveva affascinata da
sempre .

Partecipando alle mostre, visitando le fiere del settore (antiquariato e Arte contemporanea)
e frequentando gli studi degli artisti ha cominciato ad avvicinarsi anche all’aspetto
economico e gestionale, iniziando ad acquistare le prime opere e a creare la sua
attuale collezione.

La sua
prima Galleria d’arte la aprì nel 2006 che ora è la sede della Fondazione Mazzoleni ad
Alzano Lombardo.

Fondata nel
2014 con lo scopo di sostenere l’arte e la cultura italiana nel mondo, la
Fondazione Mazzoleni organizza durante l’anno diversi eventi culturali in
location di prestigio come musei, castelli o luoghi di culto coinvolgendo artisti
di caratura internazionale e dedicando estrema attenzione anche agli artisti emergenti, seguendoli nel
loro processo di evoluzione artistica e professionale.

In un’opera d’arte è’ l’insieme dei colori a
“dare vita” alle emozioni e quando i materiali e i pennelli cedono il posto
alla forza del pensiero e alle idee di persone che condividono gli stessi
valori e gli stessi scopi ecco che nascono progetti ambiziosi come vuole
essere Art on Bag Collection.

Simona
con la Fondazione Mazzoleni ha deciso di  dare vita al progetto, oggi realtà Art on Bag
e stampare sulle borse opere di artisti emergenti e di autori affermati in
edizioni limitate. 

Trasformando di fatto le borse in una sorta di  “mostra
itinerante” che potrà trasformarsi con il tempo in una vera e propria
collezione d’arte  inusuale e innovativa

Semplicità, innovazione, eco sostenibilità, valorizzazione degli
artisti, fattore fondamentale : una parte dei proventi delle vendite verrà
devoluta per creare borse di studio per gli artisti giovani e promettenti e al
sostegno sociale.

www.artonline20.com, è una piattaforma internazionale, un E commerce, al passo con i tempi del mondo digitale e web; un nuovo modo di proporre e di valorizzare l’arte italiana nel mondo mettendo in contatto artisti, galleristi, art dealer, architetti, interior designer e collezionisti

Sulla Piattaforma ogni artista ha una sua pagina con la biografia, le foto e i video personali, le didascalie, i prezzi e un minimo di dieci opere con le schede tecniche che giornalmente vengono sponsorizzate attraverso campagne social e pubblicati con una pagina dedicata sulla rivista leader nel settore, Arte Mondadori.

Quando si parla di professionalità e trasparenza nel Mondo dell’arte è piacevole scoprire che le mosche bianche non sono poi così poche e Simona Occioni è una di queste.

Alessio Musella

Negli anni 90 sono stato impegnato come progettista in Medio Oriente, dove per quasi 10 anni ho fatto la spola tra Arabia Saudita Stati Uniti ed Europa, in ogni mio progetto, già all’epoca, appena possibile inserivo un’opera d’arte. 

Decido di ampliare il raggio d’azione occupandomi di analisi territoriali e comunicazione per affiancare le aziende che richiedevano di entrare in nuovi mercati esteri. Da sempre ho una passione per l’arte e la fotografia, fin dal Liceo Classico quelle due ore alla settimana dedicate alla storia dell’arte, un po’ di ricerca personale, e successivamente la Facoltà di Architettura mi hanno sempre spinto verso questo mondo. 

Oggi sono un consulente di marketing strategico per le aziende, redattore per diverse riviste,  Editore del Magazine  www.exiturbanmagazine.it e Direttore del Blog www.artandinvestments.com, dove parliamo di Arte, Fotografia e Musica, creati rispettivamente nel 2019 e nel 2020.

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di Giuseppina Irene Groccia  |30|Luglio|2021|

Il mio nuovo progetto di fotografia documentaria ” Paesaggi Umani ” nasce come prosecuzione e integrazione del progetto Marginalità, ritratti di invisibili.

Marginalità nasce nel 2019 come progetto di denuncia sociale delle realtà che vivono ai margini della nostra società.

Si tratta di un progetto di fotografia etica e antropologica che si prefigge sia di indagare e documentare attraverso lo strumento fotografico una condizione dell’esistenza umana sia di sensibilizzare il pubblico verso certe tematiche, mostrando anche aspetti della realtà che non sono noti o che addirittura non si vuole conoscere, e al tempo preservare la dignità dei soggetti rappresentati.

“Marginalità, ritratti di invisibili”, come dice lo stesso nome, si compone per la maggior parte di ritratti, ritratti di strada e nel caso di Mediterraneo, progetto nato sempre da marginalità, ritratti di migranti.

In entrambi i casi, nonostante la presenza di un paesaggio di sfondo, l’attenzione era focalizzata sul soggetto umano.

Con Paesaggi Umani si cambia radicalmente prospettiva e si va a guardare la dimensione fisica, il paesaggio all’interno del quale si colloca l’essere umano soggetto a marginalizzazione, la dimensione spazio temporale all’interno della quale si svolge la sua vita.

Per poter operare questo cambiamento di prospettiva è necessario da un lato rendersi conto che non si può documentare una condizione e rispondere alla domanda “Chi è l’emarginato” senza andare a guardare a “Dove si colloca”, senza analizzare il paesaggio con cui queste figure interagiscono e in cui vivono.

È vero infatti che il contesto sociale e culturale forma e determina tantissimi dei tratti di un essere umano è della sua dimensione socio-politica.

Dall’altro lato è necessario cambiare prospettiva sulla fotografia di paesaggio e nel mio caso è stato necessario abbandonare tutta una serie di stereotipi che mi ero formata sulla fotografia di paesaggio e sul concetto ad essa legato.

Il paesaggio per me era sempre stato identificato come un genere di fotografia che più che rappresentare la realtà concreta in cui si collocava la vita umana si preoccupava di raffigurare dei paesaggi naturali poco realistici e comunque sempre idealizzati, rispondendo a canoni estetici legati alla tradizione ottocentesca del Bello e del Sublime, due categorie che per tutti quelli che sono nati dopo la caduta del muro di Berlino, in un contesto socioculturale ricco di contraddizioni risultano necessariamente da riscoprire e rielaborare perché la Bellezza, il bello e il sublime, come sottolinea Nespolo in “Per non morire d’arte” non devono fare la fine di un fossile fuori luogo.

Tornando al capovolgimento di prospettiva sul paesaggio mi sono resa conto che lo stesso termine paesaggio, landscapes, è diventato un termine anacronistico che ha perduto il suo referente originario.

Di fatto la “Natura” raffigurata in fotografia come in pittura in forme più o meno idealizzate è scomparsa dai contesti di vita umani.

Oggi la stragrande maggioranza delle persone vive in ambienti in cui la natura è un oggetto assente e la fotografia di paesaggio ha finito con riflettere questo mutamento radicale mutando forme e contenuti.

Il landscape senza ” Land” diventa “Scape”, una veduta, una rappresentazione pur sempre soggettiva della dimensione abitata dagli esseri umani sia essa urbana, extraurbana, marina, eccetera.

Le vedute poi possono riguardare anche micro dimensioni dell’esistenza umana ed ecco così nascere le vedute di giardini, di tavoli, così come possono non riguardare affatto l’esistenza umana ed ecco le vedute di animali.

“Paesaggi umani” si propone di produrre delle “Vedute” degli spazi in cui si colloca la vita del marginale.

E, sebbene oggigiorno le marginalità, parola contenitore in cui ricadono tutta una serie di significati e di realtà ad essi connesse, si possano incontrare ovunque e non ci sia più una reale distinzione tra periferia e centro, almeno inizialmente il progetto si occuperà solo delle periferie.

Le foto tenteranno di ritrarre il volto umano e a volte disumano e alienato dei quartieri periferici e si tenterà anche di dar conto dei cambiamenti innescati dalle riqualificazioni urbane.

Paesaggi umani è nato nel 2020 a Milano, a dimostrazione che spazi ghetto, vere e proprie scampie si incontrano tanto al Sud che al nord.

E forse la riflessione principale di questo progetto è proprio questa, oggi non c’è più un sud e un nord e si può essere marginali in qualsiasi posto perché il primo passo è la negazione dei diritti.

I quartieri periferici rappresentano una negazione di diritti perché frappongono ostacoli fisici all’accesso a diritti e alla partecipazione alla vita socio-politica e culturale.

Questo avviene nella misura in cui viene negato l’accesso a servizi di qualità agli abitanti di questi quartieri che di fatto sono trattati come cittadini di categoria B e sono anche vittime di pregiudizi a causa di situazioni di degrado e delinquenza che sono spesso presenti all’interno di questi quartieri.

L’ultima considerazione riguarda il fatto che il degrado e la presenza di situazioni criminogene in questi quartieri è paragonabile a una cancrena che si innesta su una ferita mal curata e cercherò di mettere in luce quest’aspetto dei quartieri ghetto mostrando il volto alienato e alienante che li caratterizza.

ALESSANDRO RIVA E LA SUA PERCEZIONE DELL’ARTE

di Alessio Musella  |23|Luglio|2021|

Come me parte da Studi classici.

E come me ha amato  la cultura classica e la letteratura.

Amava scrivere, e come chi ama lasciare il indelebile inchiostro sulla carta, sognava di fare lo scrittore. 

Ma la passione per il fumetto lo ha sempre spinto verso il disegno, e cominciò a creare le sue prime storie animate.

Fu un attimo e venne rapito dall’arte pop  colorata, dissacrante, divertita, quella  stessa che avrebbe  sostenuto con forza negli anni Novanta e nei primi Duemila.

Ha iniziato a scrivere di arte, un po’ per gioco, testi per amici artisti, non sapendo ancora se nel suo DNA si nascondesse un artista o un giornalista/scrittore.

Dopo un po’ di gavetta in varie redazioni tra moda, cronaca e attualità, nel 1995, entrò nella rivista “Arte” che decretò in breve il suo ingresso nell’universo che oggi lo vede protagonista.

Non sceglie né artisti, né progetti… si appassiona, ama, conosce, scopre, sperimenta, cerca, vive, parla e sussurra, già perché spesso le idee non hanno voce, ma anima…

Per Alessandro l’ingenuità, il pressapochismo, l’ignoranza in ogni situazione che viviamo è il pericolo mortale, ma nell’arte contemporanea può essere devastante.

C’è ancora spazio per nuove idee e nuove proposte quando si parla di Arte e non è un caso che Alessandro stia contribuendo da protagonista e alla totale ridefinizione di una rivista che a modo suo ha segnato l’editoria di settore negli ultimi decenni: la nuova “Arte In”.

Intercettare gli artisti allo stato nascente è la sua sfida, forse l’unica che valga davvero la pena di vincere in questo strano universo chiamato “sistema arte”

Negli anni 90 sono stato impegnato come progettista in Medio Oriente, dove per quasi 10 anni ho fatto la spola tra Arabia Saudita Stati Uniti ed Europa, in ogni mio progetto, già all’epoca, appena possibile inserivo un’opera d’arte. 

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IRENE ZENAROLLA: UN’ESPERIENZA ESTETICA CHE VA OLTRE LO SGUARDO

di Maria Marchese  |13|Luglio|2021|

Irene Zenarolla dà vita ad una vera e propria esperienza estetica, che coinvolge la sceltezza di percorsi concettuali, storico/culturalie alchemici.

L’autrice cesella il particolare addentro percorrenze, la cui genesi è originata da approfondite ricerche, compiute dall’autrice orafa.

Si avvicenda, nell’obrizo dei suoi plastici, la malía dell’universo alchemico custodito dalle pietre e dal cromatismo e altresì l’intensità di passi misteriosi, calcati dall’essere umano, in epoche storiche diverse. 

Avvicinarsi a queste “allusioni” d’autore significa scegliere per se stessi la peculiarità di una scelta unicità: il gioiello diviene una pregevole veste, che parla di una personalità selettiva. 

Non ha studi accademici ha studiato storia dell’arte frequentando l’istituto magistrale e ha continuato a farlo da autodidatta tra le mura di casa e del suo studio, grazie a libri, documentari, riviste di settore, visitando mostre

Tutto girava  intorno alla curiosità e all’interesse.

Ancora oggi Andrea Greco continua a studiare nonostante sia un artista affermato perché come nella vita così nell’arte, non si smette mai di imparare.

Quando parliamo di ispirazione per Andrea gli stimoli sono molteplici, la natura, un libro, una canzone, un aneddoto legato a una situazione che torna alla memoria.

Dalla fine del 2013 lavora sulla serie Le Muse, opere astratte che indagano la relazione fra suono e segno/colore.

Porta avanti due linee, le opere ispirate a vere composizioni musicali e in questo caso il punto di partenza è l’analisi dello spartito e dal 2018 una linea ispirata al suono della Terra, in questo caso va a creare dei paesaggi astratti che si “muovono” su uno spartito immaginario.

Un suo personale omaggio nei confronti del pianeta attraverso il quale vuole sensibilizzare l’opinione pubblica sull’importanza di non dare tutto quanto ci circonda come scontato…

Per Andrea il bisogno di relazionarsi è stato inserito ormai da anni nei bisogni fondamentali dell’uomo e per farlo è inevitabilmente necessario comunicare.

Consapevole che oggi la comunicazione stia toccando il suo massimo storico, è convinto che esista una sovra-stimolazione comunicativa e per l’utente medio di internet stia diventando sempre più complesso scindere tra ciò che è reale e ciò che invece è fake.

Nella carriera di un artista contemporaneo  la comunicazione conta, contano le pubbliche relazioni, la creazione di legami e collaborazioni, conta essere presenti sui social, conta avere un team che lo aiuti a veicolare le informazioni.

Sono molte le sue collaborazioni, con brand o con gallerie d’arte che si sono create grazie ai social.

All’estero lavora con alcuni art advisor e collabora con alcune gallerie.

Per Andrea appare evidente in alcuni casi che all’estero ci sia una differente e maggiore voglia di ascoltare da parte degli addetti ai lavori nei confronti degli artisti, più attenzione ai progetti presentati, ma anche più voglia di osare nelle proposte. Fra entità pubbliche e private c’è maggiore collaborazione.
È decisamente differente la percezione della figura dell’artista….

Se qualcuno gli chiedesse  cos’è per lui l’arte ogni giorno  risponderebbe sempre in maniera diversa e questo è alla base della sue creazioni in continua evoluzione…