Larrain è diventato famoso per la sua prospettiva unica e
insolita, e il suo approccio artistico distintivo. Utilizzava composizioni
audaci, giochi di luce e ombra per creare immagini sorprendenti e poetiche. La
sua sensibilità artistica e la sua capacità di catturare l’anima dei suoi
soggetti lo hanno reso un indiscusso interprete nel campo della fotografia
d’autore mondiale, non solo cilena.

 

Gran parte della sua vita l’ha trascorsa a viaggiare in
Europa, Egitto e Medio Oriente,  avendo
modo di documentare diverse culture e ambienti. Ha ispirato Julio Cortázar, ha
lavorato con Pablo Neruda, ha impressionato Henri Cartier-Bresson ed è stato
l’unico cileno nelle file della Magnum Photos, l’agenzia che piú di ogni altra
ha definito i canoni estetici dellla fotografia contemporanea del ‘900.

Fu durante uno dei suoi tanti viaggi, a Parigi esattamente,
negli anni ’50, che Larrain incontrò Henri Cartier-Bresson, uno dei più grandi
fotografi del XX secolo. Questo incontro ebbe un forte impatto su Larrain, che
ammirava profondamente il lavoro di Cartier-Bresson. L’incontro li portò a
sviluppare una forte amicizia e una collaborazione artistica. Entrambi,
fotografi notevoli del loro tempo, facevano parte di Magnum Photos, agenzia
fotografica internazionale, che offrí loro diverse opportunità di interazione e
scambio professionale.

Trascorse anche un periodo significativo della sua vita in
India, immergendosi nella cultura e nella spiritualità del paese. Questo
periodo influenzò profondamente la sua visione artistica e il modo con il quale
lui stesso si avvicinava alla fotografia. 

Le serie scattate a Londra, per le strade di Parigi o i
vicoli siciliani pieni di bambini offrono un’atmosfera degli anni 50-60 ma
sembrano mancare di bagliore. È allora che Sergio Larrain decide di tornare in
Cile, fuggendo dal successo e dal mondo mediatico che non gli assomigliano per
ritrovare la sua anima nella solitudine. 

Nonostante tutti i successi e le grandi soddisfazioni,
Sergio Larraín era bloccato in una persistente condizione di eterna malinconia e trovava il mondo
che lo circondava noioso, vuoto e privo di spiritualità. 

È così che decise di ritirarsi dopo un periodo di grande
successo nel mondo della fotografia. Nel ‘70 abbandonò improvvisamente la vita
glamour e la fotografia commerciale e si concentrò unicamente sulla sua vita
personale e spirituale, decidendo radicalmente di non concedere interviste e
non partecipare ad esposizioni. Si stabilì nelle montagne del Norte Chico,  in un villaggio vicino a Ovalle (Quarta
regione del Cile). Solo lì lo si poteva vedere camminare tranquillamente nelle
vie o nella piazza. Un uomo di bassa statura, magro e dai capelli grigi, che di
solito portava incrociato una borsa artigianale. Faceva lezioni di yoga nel
villaggio di Tulahuén, dove la sua vita ormai trascorreva come un eremita. A
volte, distribuiva gratuitamente opuscoli con poesie e testi spirituali a cui
non apportava la sua firma. In zona nessuno conosceva il suo passato, non
sapevano che venti anni prima era stato uno dei maggiori fotografi cileni.

 

In quel periodo ci furono centinaia di fotografi che
cercarono di contattarlo, sperando di ottenere un confronto o un’ ispirazione,
ma tutti fallirono. In quel momento Larrain scelse di disconnettersi dal mondo.
Non era morto, ma fotograficamente era come se lo fosse.

 

La sua principale preoccupazione in quel momento era la
salvaguardia dell’ambiente dall’inquinamento. Gli unici consigli che dava erano
invitare le persone a scrivere poesie. 

 

Durante questo esilio si è concesso il lusso di chiudere le
porte al New York Times, El País e a tutta la stampa cilena. Nessuno sapeva
cosa stava passando per la testa di Larraín. In Cile era un mito vivente.
Capitava che qualcuno lo dava per morto oppure altri che affermavano vivesse in
solitaria in montagna. Del suo esilio si vociferava fosse forzato in seguito a
controversie avute con un boss mafioso siciliano. 

Larrain, inviato dalla Magnum
avrebbe ritratto troppo bene l’organizzazione criminale italiana, attraversando
una linea di confine molto pericolosa, laddove l’unica  “via di ritorno” era fuggire e cambiare vita.

 

Ma la verità era che Don Sergio, era in clausura a casa sua,
scriveva libri di poesie che si autopubblicava, con la macchina fotografica
appesa ad un chiodo per sempre.

Il gioco è lasciar andare, lasciare che l’avventura inizi. Come una barca a vela che lascia cadere le vele.

Sergio Larraín era innamorato di Valparaíso. La sua storia
personale e fotografica  non si comprende
senza averla prima associata a questo posto. 

 

A Valparaíso, una città portuale sul litorale cileno, Larrain trova un contesto affascinante e unico per stabilirsi e realizzare una serie di fotografie che diventeranno in seguito le più iconiche e rappresentative del suo lavoro.

 

Queste immagini hanno catturato l’essenza della città,
mettendo in risalto l’architettura e il paesaggio urbano. Le sue fotografie di
Valparaíso riflettono una sensibilità artistica distintiva, che combina
realismo e un tocco di mistero, creando atmosfere poetiche senza tempo. Sono
scatti che offrono uno sguardo intimo e autentico sulla vita urbana di
Valparaíso, regalando al pubblico una prospettiva affascinante e suggestiva. Un
lavoro fotografico davvero memorabile che entra a pieno titolo tra le
produzioni più importanti della storia della fotografia.

 

“È stato a Valparaiso che ho iniziato a fotografare,
camminando per le colline. Le bambine che scendevano da una scala fu la prima
foto magica che venne verso di me” racconta.

 

Il risultato è stato battezzato Petites filles. Credo sia la
foto più conosciuta di Sergio Larrain, una fotografia iconica scattata nel 1952 e inserita in apertura del
suo libro su Valparaíso.

Larraín iniziò a fotografare Valparaíso negli anni ’50, ma
fu solo nel 1963 che passò più tempo al porto, sempre in compagnia di Pablo
Neruda, suo grande amico con cui  amava
esplorare le colline e la boemia.

In questa bella città cilena egli cammina, ascolta, guarda,
sembra prendere parte all’universo delle strade. È qui che ritrae i suoi giorni
malinconici e le sue notti tristi.

Nel porto c’erano racconti e lui era il trovatore di
immagini. Lì fotografa marinai, artisti, bambini, prostitute e bohémien. 

Come il suo amico Neruda, egli collega il suo pensiero
poetico alla realtà più vicina a cui poteva avere accesso.

Anche qui segue i bambini, come prima quelli abbandonati di Santiago e ne cattura il loro sguardo, cogliendo momenti di vagabondaggio, di noia e di gioco.  

 

Sergio Larrain affronta i suoi soggetti in modo originale:
taglia angoli, si concentra sui suoi personaggi appuntandoli a un’estremità di
muro, dà una visione a terra o di traverso, sperimenta con la sfocatura. I
personaggi sembrano uscire dal campo e continuare il loro movimento, come se
fossero sfuggenti. Un luogo triste e cupo diventa familiare, riscaldato dalla
magia di un sorriso, come quello della prostituta del bar dei Siete Espejos.

 

 

“Una buona immagine nasce da uno stato di grazia” – Sergio
Larrain

 

 

 

Di questa esperienza significativa, intrattenuta con anima e
corpo a Valparaiso, ne è nato un lavoro fotografico definito negli anni il suo
capolavoro.

 

Valparaiso non è solo il suo libro più conosciuto e
apprezzato, ma è anche, quello che ci avvicina di più alla personalità di
Larrain.

Le sue pagine, ricche di poetiche visive e pensieri ad alta
voce, lasciano intravedere il nostro modo di stare al mondo. Forse l’unica cosa
che può spiegare la magia delle sue immagini.

 

Se le fotografie hanno la capacità di raccontare di noi stessi più di quello che mostriamo in esse, Valparaiso sembra parlare più di Sergio Larrain che della città che ha fotografato per più di quattro decenni (dal 1952 al 1992).

 

 

Sfogliamo insieme questo suo capolavoro…

 

Sebbene il progetto originale sia stato ideato da Larraín,
insieme a Pablo Neruda, all’inizio degli anni ’60, è diventato realtà solo nel
1991.

 

Quindi, con il contributo di Agnés Sire, direttrice della
Fondazione Henry Cartier Bresson ed ex direttrice dell’Agenzia Magnum, la casa
editrice francese Editions Hazan ha pubblicato in quell’anno la prima edizione
di “Valparaíso”, diventato rapidamente un libro di culto. Ciò che lo rende
interessante, seducente e a tratti avvolgente è in primo luogo l’originale
costruzione di un racconto fotografico preciso e impeccabile, seguita
dall’ineccepibile scelta delle immagini, caratterizzate da tutta quell’atmosfera
di inquietante nostalgia, e quella magia di accattivante mistero che le
immagini di Larraín sanno possedere. Un libro che narra Valparaíso. Il
Valparaiso degli anni ’60, che parla del Cile quale luogo profondo, scuro e
patibulario. Un lavoro definito da un editing fotografico che funziona su vari livelli,
sia pittorico che letterario.

 

 

 

La seconda edizione, con 82 fotografie inedite, oltre alle
38 iniziali presenti nella prima edizione, è stata pubblicata da Ediciones
Xavier Barral nel 2017. 

 

Questo
è un libro fatto da Larraín per se stesso, non per i lettori. Forse è per
questo che è rimasto inedito finché era in vita: forse perché non era nato per
essere pubblicato bensì era nato per altri scopi. Le sue frasi mistiche –
quelle che sono annotate a mano nel corso delle 200 pagine di questa Edizione –
lo rendono piuttosto una sorta di mantra che a volte diventa meravigliosamente
criptico. Un diario metaforico di quella che è stata la sua ricerca, sia
fotografica che spirituale. Senza dubbio siamo di fronte a una pubblicazione in
cui il conflitto tra i due aspetti inseparabili della sua biografia diventano
evidenti. È un’interpellanza costante tra l’uomo che ha smesso di essere un
fotografo e la leggenda… il mito della fotografia.

Sergio Larrain è deceduto il 7 febbraio 2012 a Tulahuén, in
Cile. La sua eredità artistica rimane come un importante contributo alla storia
della fotografia. Le opere di Sergio Larrain sono state esposte in numerose
mostre internazionali e il suo contributo all’arte della fotografia è stato
ampiamente riconosciuto. Oggi le sue opere fanno parte di musei e collezioni
prestigiose, tra cui quella del MOMA di New York. La sua eredità artistica
continua a ispirare molti fotografi di oggi.

 

 

 

Mostre

1953: prima mostra a Santiago del Cile

1991: Cile, Sergio Larrain , Rencontres d’Arles

2013: Retrospettiva al Rencontres de la Photographie, Arles.

2013: Mostra alla Fondation Henri-Cartier-Bresson , a
Parigi.

2014: Mostra Vagabondages al Forte di Bard in Valle d’Aosta
.

2020: Londra, 1959 , Fondation Henri-Cartier-Bresson,
Parigi.

Collezioni pubbliche

MOMA , New York

Torre dell’acqua di Tolosa

Pubblicazioni

1963: El rectangulo en la mano

1966: (es) La casa en la arena , testi di Pablo Neruda

1968: Cile

1991: Valparaíso , testi di Pablo Neruda , edizioni Hazan

1998: Londra , edizioni Hazan

1999: (en) Sergio Larrain , René Burri , edizioni IVAM ,
Center Julio González

2017: Valparaiso , Xavier Barral Publishing

2018: El rectangulo en la mano , Éditions Xavier Barral

2020: Londra, 1959 , Xavier Barral Publishing

 

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L’idea della collettiva Pop o non Pop questo è il problema , nasce proprio dal voler parlare al fruitore di questa corrente, che oggi ha preso il nome di Neo Pop, termine che, però, se non adeguatamente spiegato, rischia di essere mal interpretato in un panorama come quello odierno, dove tutto sembra poter essere definito arte a prescindere…

 

Saranno tre settimane intense durante le quali, attraverso immagini, opere e cenni storici sulla nascita della Pop Art , con cenni alla Street Art e conseguentemente,  la New Pop, il curatore Alessio Musella racconterà Luci e Ombre di un periodo che ha messo in discussione, nel bene e nel male, l’art system Mondiale  nel secondo dopo Guerra.

Talk show, video, shooting fotografici faranno da cornice a questa collettiva organizzata e presentata dalla Galleria Castelli arte & Design del gallerista James Castelli.

 

 

A livello temporale e geografico: la pop art è una corrente artistica nata nella seconda metà degli anni ’50 negli Stati Uniti, per poi diffondersi a partire dagli anni ’60 in Europa generando non pochi problemi agli artisti abituati a vivere l’arte in modo più convenzionale, basti pensare che un icona come Renato Guttuso, non riuscì mai a interagire con questo nuovo concetto di arte, a differenza di Schifano che divenne, forse, il maggior esponente della Pop Art Italiana.

Il nome Pop Art è una abbreviazione di popular art, come accennato in precedenza, ed è stato scelto per un motivo preciso: evidenziare come i soggetti di ispirazione degli artisti derivassero dalla cultura di massa.

La Pop Art  è nata proprio dalla società consumistica di quegli anni, figlia del boom economico e dell’ascesa di un consumismo votato all’eccesso. Gli artisti dell’epoca hanno deciso di trasformare in arte ogni oggetto e ogni tema che veniva invaso dai mass media: è stato proprio da questa fusione tra arte e comunicazione dei mass media che è cresciuta negli Stati Uniti la Pop Art.

Proprio per poter raccontare al meglio 70 anni di storia dell’arte partendo dalle opere esposte, con analogie, similitudini, stili pittorici, colori… le selezioni degli artisti avverranno attraverso un comitato di esperti, formato da critici, il curatore e il gallerista James Castelli.

Sono aperte le selezioni per partecipare alla collettiva Pop o non Pop questo è il problema che si terrà dal 4 al 28 Agosto 2023 a Roma.

 

Scrivere a james.c70@libero.it e exiturbanmagazine@gmail.com tra i media partner della mostra

Media partner della collettiva saranno 

www.exiturbanmagazine.it

www.lartechemipiace.com

ContempoarteMagazine

www.artandinvestments.com

Nato a San Gimignano, Italia, nel 1955, ha studiato arte e architettura a Firenze quindi ha iniziato il suo lavoro nel 1980 in qualità di disegnatore, designer e pittore.

Ha partecipato a numerose esposizioni personali e collettive in Italia e nel mondo e molte opere figurano in collezioni pubbliche e private.

 

Statement

Forma, colore e textures costituiscono lo scheletro su cui costruisco le mie immagini, o forse sarebbe meglio parlare di visioni, o sogni perché tutto ha inizio e si sviluppa prima nella mia mente, più o meno inconsciamente e dopo, molto dopo, si trasferisce sulla tela o sulla carta. Attraverso lo studio dei miei soggetti, siano essi figure, città o paesaggi isolo ed elaboro ciò che per me rappresenta l’anima del soggetto stesso, ne carpisco le forme primitive,mi impadronisco del loro colore, delle luci e delle ombre,fisso, come in una fotografia, l’attimo magico in cui gli oggetti rivelano se stessi poi traduco tutto nel linguaggio universale del disegno e della pittura.

 

La figura

La figura umana è forse il primo soggetto rappresentato nella storia dell’arte mondiale, è presente in tutte le epoche storiche e costituisce quindi un tema pressoché obbligato per ogni artista. Il mio approccio alla figura umana è strettamente personale: abbandonando qualsiasi pretesa di rappresentazione fedele o realistica la mia ricerca si concentra sulla percezione volumetrica e coloristica del soggetto dando risalto alla relazione tra luce, colore e forma.

 

La città

La città è la culla delle nostre vite, incubatrice dei nostri pensieri, l’involucro che racchiude i nostri sogni, i successi e le sconfitte. La mia visione della città è una visione idealizzata, uno sguardo lontano che permette di astrarre dal contesto generale ciò che mi colpisce maggiormente dell’insieme di architetture, di strade, di spazi, finestre, tetti, terrazze e quant’altro. Ancora una volta sono le forme ed i colori, le luci e le ombre che emergono da questo processo di astrazione e stanno lì a dimostrare la mia idea di città. Infatti io non dipingo una città ma l’idea di città.

 

I paesaggi

Il paesaggio, in tutte le sue accezioni e sfumature, rappresenta il mio “porto sicuro”, un angolo riparato nella mia testa dove mi posso rifugiare e ricaricare in tutta tranquillità. Quando le idee scarseggiano o faticano a trovare la strada per emergere tutto ciò che devo fare è aprire il libro degli schizzi scorrendo centinaia di disegni e appunti che parlano della mia terra, la campagna, gli alberi, i fiori. È tutto lì dentro, disponibile e generoso e io non devo fare altro che coglierne i frutti.

 

“Rappresentare la vita è lo scopo principale della mia pittura. La figura umana, le città, la natura costituiscono degli ottimi soggetti da studiare e trasferire sulla tela o sulla carta, ma ciò che più mi interessa è scoprire e mettere in evidenza la relazione che c’è tra le forme e i colori di ciò che ho di fronte. Questa relazione la si scopre dall’osservazione attenta della realtà e si estrinseca in una rappresentazione strettamente personale dell’oggetto.”

 

Le idee     

Ogni dipinto ha una sua storia e una sua personale gestazione. Tutto può contribuire alla scintilla iniziale, una foto, una frase, una musica. Prima di iniziare passo molto tempo pensando al design generale della nuova tavola, agli schemi di colori da utilizzare, a cosa mettere in evidenza e cosa lasciare in secondo piano. Generalmente prendo molti appunti, faccio schizzi, provo dei colori, ombreggiature, scompongo il soggetto in porzioni che poi ricompongo diversamente, schematizzo varie soluzioni compositive. Tutto questo processo può durare giorni oppure settimane però quando è il momento di dipingere il lavoro viene giù filato senza ripensamenti.

 

I materiali

Opere su carta. Utilizzo gli acquarelli sulla carta fatta a mano con stracci di cotone, è una carta bellissima, importata dall’India, pesante e rugosa, con una sua forte personalità che richiede molta attenzione ed esperienza per padroneggiarla.

 

Contatti dell’artista 

Sito Web www.andreucciart.it

Email aandreuccetti@gmail.com

Facebook Alessandro Andreuccetti

Instagram alessandroandreuccettiart

Twitter Alex Andreuccetti

YouTube Alessandro Andreuccetti