Decise quindi di trascorrere del tempo con la famiglia  e partì in camper per il sud Italia.

Arrivato in Calabria, era una giornata splendida, ma c’era un vento fortissimo che rendeva il mare burrascoso e avevano imposto il divieto di balneazione.

Fu allora che Daniele cominciò ad osservare il mare.

Quelle onde potenti che si infrangevano sulla sabbia e sugli scogli, esplodevano rumorose trasformandosi in nuvole di spuma bianca, e il soffio forte del vento copriva qualsiasi altro suono.

Prese il cellulare, e scattò una prima foto a quello spettacolo, poi un’altra, cambiando posizione, e un’altra ancora.

Quel semplice gesto gli diede un senso di completezza e una calma che aveva perso da tempo, e che forse in realtà non aveva mai avuto.

Daniele percepii  in maniera netta che aveva trovato il modo di canalizzare quello che stava succedendo nella sua vita.

JoJo Huxford compie un complesso lavoro di strutturazione, riuscendo a far vibrare entità cromatiche in perfetta sintonia con la propria emozionalità.

Nel suo percorso da autodidatta, evidenzia di volta in volta varie tecniche espressive, quali fotografia, grafica, elaborazione multimediali e anche pittura, riuscendo a creare atmosfere rarefatte nelle sue opere.

Questo la rende un’artista che fa delle “avanguardie” la propria arma creativa.

Joanne, in arte JoJo impiega le sue capacità tecniche degli strumenti digitali e la sua sensibilità per realizzare composizioni artistiche dai colori forti e vividi, come per celebrare la potenza della vita. 

Non sfugge ad una attenta analisi la sua accurata e continua ricerca che la porta a sperimentare con successo l’arte digitale, ottenendo così nuovi modi per interpretare il suo immaginario.

Il suo sguardo si posa sulle figure umane, molto ricorrenti sono i volti femminili dove l’arte diventa ricerca, costante, impegnata, non solo di forme e di colori, ma anche di significati densi di pathos.

Nei suoi lavori troviamo tratti somatici misti a vere e proprie esplosioni di colori che parlano di un mondo nel quale l’energia è tutto ed i colori ne sono la massima espressione.

Sono opere che lasciano ampio spazio a diverse interpretazioni, trasmettendo anche a chi osserva per la prima volta un forte senso di libertà espressiva, e profonda percezione.

Osservandole si è spinti ad avvicinarsi ad esse, come trascinati da un vortice di colori ed energia. È una poesia costante e uniforme composta da colori e forme create con un pensiero creativo, ottenuto imprimendo alla propria personale e profonda percezione.

Note intense di colori ma anche nuance di bianco e nero, le quali creano giustapposizioni grafiche racchiuse in un’eleganza arguta e raffinata.

Ciò che rende unica la sua arte è l’emozione trasmessa come punto di partenza, seguita da un sentimento ottenuto dall’ascolto delle sue opere, invitandoci alla riflessione sulla non staticità e all’esplorazione del coinvolgimento al vivere.

Questo, è ciò che, secondo la mia opinione, la pone di diritto nella categoria delle artiste capaci di indagare e proporre fin da subito una visione ad ampio raggio del contesto della cultura digitale contemporanea.

▪️Qual è stato il tuo primo passo nei confronti dell’arte?

Due anni fa ho avuto un problema al ginocchio, ero costretta a casa e così ho deciso che dovevo fare qualcosa. Ho quindi  iniziato a dipingere imprimendo i miei pensieri creativi su carta. Amo il colore, il movimento e la sensazione che l’arte e le sue forti emozioni riesce a trasmettere. Sono passata da toni più morbidi a quelli più audaci ed ho continuato su questa linea rimanendo più sull’arte tradizionale per oltre un anno.

▪️Come sono stati i tuoi inizi? 

Come ho detto prima, tutto è iniziato in età matura, esattamente a 64 anni, in seguito all’ esigenza di rimanere a casa per un lungo tempo per un problema di salute.

▪️Hai iniziato da autodidatta a conoscere in modo libero la tua arte?

Nasco artisticamente autodidatta frequentando il tradizionale centro artistico, dove ho appreso le tecniche di disegno, quali penna, inchiostro e matita su carta.

▪️Com’è avvenuto il passaggio dalla carta alla pittura digitale?

Col passare del tempo un amico mi ha suggerito di provare il digitale, cosa che ho fatto..

Mi sono innamorata subito di questa tecnica espressiva perché mi ricorda molto la camera oscura della fotografia, dove attraverso le sovrapposizioni, i tratti di linea e di colore puoi modificare e alterare il soggetto artistico, facendo accadere tante cose belle. 

▪️Perché hai scelto di soffermarti su questa specifica forma d’arte?

Preferisco questa espressione artistica alle altre, perchè amo tutte le sue dinamiche e i suoi diversi mezzi di interpretazione, insieme a tutti gli strumenti che il digitale offre.

▪️Come nascono i tuoi quadri?

In realtà le mie opere d’arte nascono nella mia testa in tanti modi, mi siedo senza avere chiaro quello che andrò a realizzare.

Mi faccio guidare dal mio istinto creativo, seguo un processo di idee e di riflessione che porta a spostarmi da un secondo all’altro, avvicinandomi sempre più vicino al lavoro finito.

▪️Da dove scaturiscono le idee e le tue ispirazioni?

Quando ho iniziato, non molto tempo fa, molte delle mie idee e ispirazioni provenivano dalle personali impressioni di ciò che più amo, come gli animali e le barche a vela.

Col passare del tempo ho tratto ispirazione dalle opere dei tanti artisti presenti nei miei Follower di Instagram.

Da autodidatta ho appreso molto nell’osservare e studiare l’arte che mi passava davanti agli occhi.

In seguito ho provato ad usare anche io colori più audaci ed elementi più forti, ottenendo risultati gratificanti.

 

▪️Puoi parlarci del processo creativo della tua tecnica espressiva? 

Il processo creativo inizia da una semplice idea che progredisce man mano che aggiungo un dettaglio di matita o di inchiostro, i colori sono la forza portante che fanno emergere l’immagine insieme alla natura espressiva della mia arte.

▪️Parlaci dello stile e dell’ ideazione: come prendono forma i soggetti delle tue opere digitali?

I soggetti prevalenti nella mia arte sono i visi e le forme femminili.

Inizialmente non ho bene in testa cosa andrò a rappresentare, questo processo avviene in seguito attraverso le mie elaborazioni, attraverso l’utilizzo degli strumenti lascio che l’arte si trasferisca a me dandomi la precisa idea di quello che andrò a realizzare, siano essi visi maschili o femminili.

▪️Per quale motivo scegli spesso la donna come protagonista delle tue opere?

Credo di usare la donna come protagonista delle mie opere come una semplice verità sulla perdita della vita, poiché ho avuto molte perdite nella mia vita, mio marito, mia figlia incinta di cinque mesi e mio fratello.

Trovo nell’arte la forza di esprimere le diverse difficoltà che la vita mette sul nostro cammino.

 

▪️I tuoi colori esprimono anche stati d’animo?

Sì, credo che i colori che utilizzo rappresentano i miei stati d’animo. Alcuni colori mostrano il mio umore più gioioso altri quello più scuro e tenebroso.

▪️In genere, che impressione cerchi di suscitare in chi osserva i tuoi lavori?

Opere diverse esprimono emozioni diversi. Con i toni più morbidi ho realizzato inizialmente  fiori o scene sulla spiaggia, barche a vela che rappresentavano gioia e libertà.

Col passare del tempo, con toni più aspri e scuri e il nero credo di esprimere l’aspetto di quanto la vita può fare in un giorno, l’espressione di forza e di potere perdute.

▪️Quanto c’è di te nelle tue opere?

Molti dei miei amici asseriscono che gran parte del mio lavoro è un’espressione di me con dentro l’esperienza negativa delle perdite importanti avute durante il mio percorso.

Quindi credo che nel mio cuore ci sia prima di tutto un’espressione di sopravvivenza e gioia ma anche di profondità e forza.

▪️C’è un movimento o un artista in particolare che ami o hai amato di più?

Ho sempre ammirato le opere di Jean Michel Basquiat e Georgia O’Keeffe

▪️Nel mese prossimo sarai presente in molti eventi espositivi, ci parli di questi tuoi prossimi impegni?

Si, è un periodo molto impegnato per me a livello di iniziative espositive.

Qui di seguito segnalo gli eventi che mi vedranno protagonista:

 “Paradox”, che partirà il 6 Ottobre presso la Galleria Azur Madrid  – MADRID

“Art Operation” dal 30 Settembre al 14 Ottobre – DULGARTI GENOA

“Aura” dall’1 all’8 Ottobre – The Holy Art Gallery – LONDRA

“Object d’Art” dal 15 al 21 Ottobre – The Holy Art Gallery – LONDRA

“Freedoms run Joanne Huxford” Mostra personale 11 Novembre – The Holy Art Gallery – LONDRA

 

 

▪️Quali sono i tuoi progetti futuri?

Poter continuare ad imparare, sperimentando e approfondendo sempre nuove tecniche artistiche e studiare altri meravigliosi artisti.

Vi invitO a visualizzare il video con alcune, tra le più rappresentative, delle opere di JoJo Huxford  

 

       

  

Contatti dell’artista 

Sito Web JKH

Email jkhuxford@gmail.com

Instagram jojohuxford2

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Personalmente trovo Monica Marioni una delle più interessanti artiste contemporanee italiane, il suo è un cammino di indagine altamente introspettivo e identitario.

Inizialmente la sua ricerca si orienta verso un percorso improntato all’interazione di diverse tecniche espressive. 

La fusione di pittura, fotografia e arte digitale le permette di realizzare in modo geniale opere fuori dagli schemi dell’ordinario.

L’espressività dei volti presente nelle sue opere, è spesso specchio della sua psiche. 

È una metamorfosi armonica dell’inconscio dove le ossessioni si mescolano alla necessità e al sogno di esporre le sue paure e i suoi pensieri. 

Negli anni successivi indaga nell’ambito della video arte e delle installazioni artistiche raggiungendo un linguaggio visuale dall’impatto originale e introspettivo.

Nella performance art permette al suo corpo di diventare elemento centrale della sua idea artistica.

Ne ottiene un medium artistico dal significativo potere “narrativo”, capace di trasfigurare emotività attraverso urla silenziosi, figli di nevrosi che popolano la mente dell’individuo contemporaneo.

In questo articolo vorrei presentarvi il suo più recente lavoro performativo dal titolo #LaPreda.

Questo esperimento mostra i bisogni ancestrali di Monica, che a volte diventano anche provocatori, dissacranti, tali da creare un flusso che dall’artista arriva al pubblico e poi le ritorna indietro, rivelando infine una protesta oggettuale e concettuale.

Non un quadro dunque, ma un’azione esibita servendosi di mezzi di riproduzione meccanica come la fotografia e il video.

È una “narrazione” fisica che diventa opera..

In questo caso specifico, un ibrido tra materia vivente e natura offesa e dilaniata, diventa in sostanza una rappresentazione che illustra ampiamente la dinamica emotiva dello stato di conflitto tra razionalità e ossessione.

L’efficacia della performance corporea di Monica è quella di essere in sostanza “atto” performativo, capace di fissare nel tempo l’intento di favorire il significato mutevole e fuggevole dell’esistenza.

L’introspezione onirica e gli esperimenti tecnici, di cui la sua arte è colma, ci regalano ingredienti essenziali per una continua e fruttuosa evoluzione sempre in divenire.

Un impegno il suo, che non è passato inosservato ai curatori della 78° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, ambito in cui il cortometraggio #LaPreda riceverà il Riconoscimento Speciale “LOG TO GREEN MOVIE AWARD – VENEZIA 2021” in programma per l’11 Settembre 2021.

Ne approfitto per porle qualche domanda, il giusto per ottenere uno sguardo approfondito e intimo su questo suo nuovo shortmovie performativo.

▪️Il progetto di cui parliamo in questo articolo è la tua opera performativa più recente dal titolo #LaPreda. Chi è “La preda” e qual è il rapporto tra questa “preda” e lo spazio che la circonda?

Le prede siamo noi, i tanti che sono caduti in una relazione tossica: il termine relazione va inteso come interazione dell’individuo con la sua sfera personale e affettiva, ma anche lavorativa e ambientale. Le ambientazioni evidenziano il rapporto distruttivo o al meglio indifferente dell’uomo con l’ambiente circostante: il paesaggio non è sfondo di un’azione, ma testimonianza dell’esito della relazione drammatica uomo-ambiente attuale.

▪️Nelle tue performance cerchi in modo potente di entrare in risonanza con le sensibilità del fruitore. Come riesci ad aprire le tue ferite e trasformarle in dono artistico?

In realtà le ferite sono già aperte, perché la ferita è di per sè uno strappo, qualcosa di aperto. Il punto è come riuscire ad entrarci dentro a curarla. Mi è venuto un parallelismo molto stupido, ed è effettivamente così, credo che sia capitato a tutti di farci un taglio e nel primo momento hai paura di guardare che cosa è accaduto al tuo corpo, è la paura di vedere il taglio. Quindi sostanzialmente là ferita è lì. Ciò che mi aiuta ad entrare nella ferita e a capire come curarla o quanto è profonda, o quanto possa essere estesa, è l’arte. Perché l’arte è una protezione, l’arte è un guardare per trasformare e creare, quindi in qualche modo è come se mi estraneassi dal “me”, e cercassi di ritrarre meramente quello che vedo, quindi in qualche modo non essendo più condizionata dall’essere “io”, ma semplicemente qualcosa da ritrarre, ti estranei dal dolore e riesci a guardarlo con maggiore obiettività, soprattutto quando poi lo rendi Arte, e io ho sempre trovato grandissimo beneficio nel fare Arte. Anche questo progetto, questo frammento sequenza, che si chiama #LaPreda, è in realtà parte di un lungometraggio che è una performance collettiva, dove gli individui, in qualche modo affrontano il loro essere stati predati, in un rapporto uno a uno, o che addirittura in situazioni molto più complesse può diventare un rapporto io a io. Io divento preda di me stesso. Riuscire a tirare fuori tutto questo fardello se vogliamo di turbolenza umana, è reso fattibile perché l’arte mi mette nella condizione di potermi osservare da esterna, e in qualche modo quindi di rendere obiettivo quello che è accaduto e valutarlo con un distacco che altrimenti non si avrebbe se si è troppo inglobati o fagocitati dalla paura o dal timore della sofferenza. Credo che chiudere una ferita buttandoci il tappeto sopra con l’attivapolvere non serva anzi sia dannoso, quindi il tirare fuori è necessario per non ammalarsi.

▪️Nella performance metti il tuo corpo a disposizione di un concetto. C’è solitamente un messaggio sotteso universale dietro?

Si, c’è un messaggio sotteso, è un fil rouge che caratterizza tutti i miei atti performativi, perché ho sempre ritenuto che il mezzo più forte con cui elaborare quelle ferite di cui parlavamo prima sia attraverso anche un impiego del fisico nel fare, e nel mio caso trovo in qualche modo che la traduzione e il rimarginare quelle ferite implicano un trapasso fisico, quindi in qualche modo un atto violento di sforzo fisico, per cui in tutti i miei progetti performativi il corpo è sempre messo in una condizione di stress, di limite e questo perché è necessario per poter comunicare ad un livello primario con la mente, cioè tornare a uno stato di basicità, di bambina, dove tutto quindi fluisce con un senso logico, sintetico, comprensibile, facile e in qualche modo ogni turbamento viene relativizzato, per cui anche in lavori come Le umane paure, così come il mio ultimo lavoro Hotel Mo.Ma, con questa bravissima curatrice che si chiama Maria Rosa Sossai, dove ho per l’appunto portato in scena le schiene, la mia schiena ripresa in momenti diversi, però esasperata dall’atto performativo, quindi particolarmente ossuta, particolarmente contrastata, molto drammatica.

Quindi l’uso del corpo è un fil rouge perché è neccessaria una frustrazione fisica per attuare il compimento artistico.

▪️Dolore, disagi, paure e ossessioni sono tra i temi ricorrenti nei tuoi lavori performativi. Credi dunque, che l’arte abbia un potere catartico e salvifico?

Rappresento da sempre nelle mie opere la vita quotidiana dell’individuo,vedo le mie opere come istantanee ora più suggestive, ora più descrittive, dell’unione tra evento di vita e la traccia emotiva che lascia in noi.

E’ una lunga indagine che ho condotto attraverso stilemi e tecniche diverse negli anni, e che un potere catartico e salvifico lo ha smpre avuto anzitutto nei confronti di me stessa. Dico spesso che non faccio arte per scelta ma per necessità, è un bisogno personale che mi consente, una volta creato ciò che “vedo”, di guardarlo da fuori e comprenderlo meglio.

Credo poi che l’arte conteporanea sia tale quando realizza opere-strumento, nelle mani dell’osservatore come chiavi d’accesso alla conoscenza di sé stesso

▪️Per concludere vorrei chiederti se c’è una tua performance a cui sei particolarmente legata e perché..

Credo di essere particolarmente legata alla mia prossima Performance artistica, non ho particolare legame con le precedenti, sono state molto diverse, molto disparate e mi sono piaciute forse quelle più effimere, quelle dove interpreto brani della musica leggera italiana che sono particolarmente cari, però penso di essere ancora molto piccola come artista performativa, credo che ci sia tanto da crescere, e quando dico piccola non mi riferisco alle opere che creo, anzi ma proprio alla volontà di crescere, ho ancora tantissimo da imparare, moltissima ancora disciplina del sè, del corpo, in rispetto anche dell’io tutto, del sapersi fermare nell’andare troppo oltre, perché alcune volte mi sono fatta male, male perché ho performato per mesi in una direzione emotiva e psicologica non protetta e quindi sono finita in dei posti della mia mente che non ero pronta ad affrontare, quindi penso che la mia Performance migliore sarà quella di domani.