L’ArteCheMiPiace - Interviste

Viktor Sheleg

Un Dialogo Silenzioso con la Tela

Riflessioni sull'Arte, il Caos e l'Armonia

di Giuseppina Irene Groccia |12|Aprile|2025|

Viktor Sheleg è uno di quegli artisti che non hanno mai cercato riparo sotto le strutture rassicuranti dell’accademia, anzi: fin dall’inizio del suo percorso ha sentito l’urgenza di liberarsi da ogni regola precostituita, di tradire le attese, di tradurre il mondo non secondo la logica del visibile, ma attraverso quella più sottile e bruciante del percepito. Nato nel 1962, in Lettonia, Sheleg è cresciuto tra colori e silenzi, scoprendo la pittura come atto necessario già da bambino. Fu sua madre, un’artista mancata, a consegnargli la prima scatola di colori a olio: un piccolo gesto che si rivelò fondativo, quasi rituale, come il passaggio di un fuoco sacro.

Il suo percorso artistico non si è mai piegato a una sola cifra espressiva. La sua pittura, piuttosto, si adatta come una pelle viva all’emozione del momento. La tela diventa così un campo di tensione in cui convivono figurazione e astrazione, forma e dissoluzione, concretezza e sogno. Non è importante se ciò che appare sia riconoscibile dall’occhio o appartenga all’indefinito: ciò che conta è la verità del sentire, la fedeltà a una vibrazione interiore che guida il gesto, e che trasforma l’atto pittorico in rivelazione.

Nel lavoro di Viktor Sheleg, l’astrazione non è un linguaggio scelto, ma un’urgenza interiore, un modo inevitabile di esistere sulla tela. La sua pittura si sottrae ai dettami della forma e del soggetto, per abbracciare invece una grammatica emotiva, istintiva, profondamente viscerale. L’uso del colore – mai ornamentale, mai scontato – si rivela come gesto rivoluzionario: non risponde a un’estetica codificata, ma nasce da una tensione interna, da una vibrazione autentica che scardina ogni schema.

Nel suo universo pittorico, l’osservatore non è guidato da un ordine gerarchico tra colore, tratto e figura. Al contrario, viene travolto d’improvviso da un turbine cromatico che precede ogni riconoscibilità, da linee che sembrano tracciate in uno stato di ascolto profondo, come se la mano dell’artista rispondesse a un richiamo interiore più che a un progetto. In Sheleg, l’astrazione è respiro, è pelle, è carne. È lo spazio stesso che diventa emozione.

Ogni sua opera si fa quindi atto di ricerca, indagine incessante di un altrove pittorico dove il segno non descrive ma evoca, dove il gesto non rappresenta ma svela. La composizione si apre così a nuove dimensioni percettive, dove l’equilibrio nasce dal rischio, e la bellezza si manifesta nella collisione tra energia e mistero. In questo modo, Viktor Sheleg non dipinge l’astratto: lo vive, lo abita, lo attraversa.

L’artista non ha mai dipinto per piacere o per mestiere: ha sempre dipinto per necessità. Per questo motivo, si avvicina alla tela solo quando ne percepisce l’urgenza, quando sente dentro di sé quell’energia irrazionale e potente che cerca una via per uscire. Ogni sua opera è un incontro, quasi carnale, con l’invisibile. Spesso il volto di una donna emerge da un mare di segni e cromie, come un’apparizione che si impone con dolcezza e autorità insieme. La figura femminile non è mai oggetto decorativo, ma soggetto dominatore, epifania simbolica dell’interiorità.

Così, il suo linguaggio pittorico si fa liquido, cangiante, irregolare, e proprio per questo autentico. Sheleg accorda la narrazione visiva allo stato emotivo, come un musicista improvvisa sul tema del giorno, come un poeta che trascrive un sogno senza rileggerlo. In un’epoca che esige definizioni, categorie, etichette, Sheleg risponde con l’ambiguità dell’arte vera, quella che non si lascia spiegare, ma solo vivere. E forse è proprio qui, in questa assoluta fedeltà a se stesso, che risiede il segreto della sua forza: nel coraggio di non chiedere il permesso, né all’occhio né alla mente, ma solo al cuore.

A completamento di questo ritratto intenso e appassionato, aggiungiamo le parole dello stesso artista, che in questa intervista ci accompagna dentro il suo universo creativo, rivelando visioni, impulsi e pensieri che animano la sua pittura.

Hai detto che quando crei un'immagine, sei guidato dalle emozioni e dall'energia. Puoi raccontarci di più su questo processo creativo?

Questo è un caso in cui mostrare è più facile che spiegare. La mia opinione soggettiva è che ci siano artisti che riescono a dare vita a un oggetto inanimato (un dipinto) e altri a cui non è dato. Un artista può possedere un elevato livello di tecnica, una grande esperienza e una diligenza invidiabile, ma i suoi quadri non hanno magnetismo, sono privi di vitalità, pur essendo altamente professionali. Un altro esempio è quando guardi un dipinto e non riesci a distogliere lo sguardo, sebbene l'artista non abbia un'alta professionalità.

Non mi avvicino alla tela quando sono emotivamente vuoto e non considero la pittura un lavoro. Per me un dipinto è come una partner con cui dialogare. Mi addormento pensando a ciò che non abbiamo concordato e, al risveglio, corro a dirle qualcosa di importante.

Potrei descrivere questo processo a lungo, ma non so spiegare da dove provenga questa corrente.

Come emerge l'armonia dal caos di colori, macchie, linee e schizzi nelle tue opere?

È semplice e complesso allo stesso tempo. Bisogna saper individuare elementi di bellezza nel caos e incorporare l'improvvisazione attorno a questo concetto.

Le tue opere spesso raffigurano donne in modo affascinante e complesso. Cosa ti ispira in queste rappresentazioni?

Per me non c'è mai stata una scelta tematica. Qualunque cosa dipinga, è sempre una donna. Scherzo.

Sono fondamentalmente un'astrattista, ma nella cacofonia dell'assenza di soggetto inizio a vedere l'immagine femminile. Di norma, l'immagine femminile occupa tutto lo spazio sulla tela e non rimane nulla di astratto.

Hai mai sperimentato altri media oltre alla pittura?

La ricerca infinita di mezzi di espressione e materiali! Metallo, filo metallico, carta, carta kraft, giornali, tessuti, schiuma, ecc.

Le tue opere ci invitano a mettere in discussione il conformismo e le norme sociali. Come si riflette questo concetto nei tuoi dipinti?

Accolgo con favore il teppismo nella pittura perché non si può andare contro la propria natura, ma mi piace anche quando è bello.

Quale messaggio vuoi trasmettere attraverso la tua arte?

È difficile da giudicare. Se c'è qualcosa del genere, lo spettatore lo vede, non lo so. Il mio messaggio non è urlare, non stringere le mani, non insegnare, forse è come un bacio a fior di labbra.

I tuoi insegnanti ti hanno consigliato di non proseguire gli studi accademici per preservare il tuo stile unico. Come hai vissuto questa scelta?

Sì, ho avuto una cosa del genere nella mia vita. Non direi che fossero insegnanti, ma per me erano persone autorevoli nel campo delle arti visive.

Un giovane con modesti risultati era contento di sentire parlare della sua individualità. Non capivo di cosa stessero parlando. Cos'è l'individualità? Volevo davvero studiare, affinare le mie competenze professionali, far parte di un team composto dalle stesse persone, ma alla fine ho seguito la mia strada, imparando i segreti della maestria attraverso l'autoformazione.

Quali sono stati i momenti più significativi della tua carriera artistica?

Forse è successo quando avevo 12 anni e mi sono imbattuta in una scatola di colori a olio. Mia madre mi ha detto che quei colori le erano stati comprati molto tempo prima, anche lei voleva diventare un'artista, ma qualcosa non ha funzionato. Forse puoi farcela, mi ha detto.

Hai esposto in numerosi paesi e partecipato a importanti fiere d'arte. In che modo queste esperienze hanno influenzato il tuo percorso artistico?

Francamente, non ha influenzato in alcun modo la mia creatività, piuttosto dovremmo parlare di benessere materiale. Certo, quando i tuoi quadri vengono acquistati, c'è un incentivo a dedicarsi solo alla creatività, non alla distrazione dovuta al guadagno.

C'è un'opera d'arte in particolare a cui ti senti più legata? Se sì, perché?

Da giovanissimo, vidi all'Hermitage un dipinto di Kees Van Dongen, "Donna con cappello nero". In questo dipinto rimasi colpito dalla lumeggiatura turchese sul volto della ragazza. Sembrava in contrasto con la cromia generale, ma allo stesso tempo costituiva un accento importante per l'intera opera. In seguito ci furono Van Gogh, Gauguin, Toulouse Lautrec, ma questa fu la mia prima impressione.

Qual è il tuo rapporto con i collezionisti e il mercato dell'arte contemporanea?

I rapporti con i collezionisti possono essere definiti armoniosi. Loro amano la mia arte e io amo la loro. Il mercato dell'arte contemporanea è un concetto metafisico, e bisogna adattarsi. Non c'è amore in esso, solo opportunismo, ma bisogna sempre essere se stessi.

Quali artisti, passati o contemporanei, hanno influenzato il tuo lavoro?

Ne ho già parlato in precedenza, potrei aggiungere Valentin Serov, Feshin, I. Repin, Kandinsky, Rembrandt, Picasso, Kathe Kollwitz, anche se ce ne sono molti altri...

Se potessi collaborare con un artista di qualsiasi epoca, chi sceglieresti e perché?

Forse René Magritte o Antoni Tàpies. È difficile dire perché questi artisti in particolare, è più una questione di intuito.

Come vedi il futuro della pittura in un mondo sempre più digitale?

Non ci penso, vivo e lavoro oggi.

Qual è la tua opinione sull'arte astratta e sulla sua evoluzione nel tempo?

La mia opinione soggettiva è che l'astrazione sia un'arte molto leggera. È molto piacevole praticarla, chiunque ha questa opportunità, a volte anche gli animali. Non credo che cambierà. La cromoterapia ha un effetto positivo sulle persone e, nell'interiorità, la pittura astratta è un accento insostituibile.

Pensi che l'arte debba avere un ruolo sociale o debba essere semplicemente un'espressione estetica?

Personalmente, sono a favore dell'estetica nella pittura in presenza di espressione. È positivo quando un dipinto ha un impatto sullo spettatore.

Che consiglio daresti ai giovani artisti che vogliono affermarsi nel panorama dell'arte contemporanea?

Se un giovane non ha talento come pittore, è meglio fare qualcos'altro, e se c'è talento, più lavoro, non avere fretta di dichiararsi al mondo

Contatti

Sito Web www.artsheleg.com

Viktor Sheleg è un artista contemporaneo di origine lettone, la cui opera si distingue per una straordinaria forza espressiva e una visione artistica profondamente personale. Nato nel 1962, vive e lavora attualmente in Lettonia, dove continua a sviluppare la propria ricerca artistica.

Il talento di Viktor Sheleg è emerso fin dalla giovane età. Quando si presentò il momento di intraprendere un percorso accademico formale, furono gli stessi docenti dell’Accademia d’Arte a riconoscere la straordinarietà del suo stile già pienamente formato. A loro avviso, un’istruzione convenzionale avrebbe potuto limitare l’originalità della sua visione artistica; per questo gli venne consigliato di seguire la propria vocazione, dando pieno spazio a un linguaggio espressivo autonomo e distintivo.

La produzione artistica di Sheleg si caratterizza per un profondo senso di libertà e per una riflessione critica sulle convenzioni sociali e il conformismo. Le sue opere invitano lo spettatore a mettere in discussione le norme che regolano la nostra quotidianità, celebrando al contempo la bellezza dell’individualità e dell’autenticità umana. In particolare, i suoi intensi e affascinanti ritratti femminili sono testimoni della sua capacità di cogliere e rappresentare la complessità dell’esistenza umana con rara sensibilità.

L’opera di Viktor Sheleg ha varcato i confini geografici, raggiungendo un pubblico internazionale attraverso la partecipazione a numerose e prestigiose fiere d’arte in tutto il mondo. La sua arte, apprezzata per l’unicità e la forza evocativa, ha lasciato un’impronta indelebile nel panorama artistico contemporaneo, ispirando critici e appassionati a osservare il mondo attraverso una lente più profonda e poetica.

Oltre alla sua carriera artistica, Viktor Sheleg è sposato con Alla ed è padre di due figli, Maksim e Natasha.

Viktor Sheleg is one of those artists who never sought refuge under the reassuring structures of academia. On the contrary, from the very beginning of his artistic journey, he felt the urgency to break free from every pre-established rule, to defy expectations, and to translate the world not through the logic of the visible, but through the subtler and more searing logic of the perceived. Born in 1962 in Latvia, Sheleg grew up surrounded by colors and silences, discovering painting as a necessary act from early childhood. It was his mother, an artist who never had the chance to pursue her path, who gave him his first box of oil paints—a small gesture that proved to be foundational, almost ritualistic, like the passing of a sacred flame.

His artistic path has never been confined to a single expressive identity. Rather, his painting adapts like living skin to the emotion of the moment. The canvas becomes a field of tension where figuration and abstraction coexist, where form and dissolution, concreteness and dream intermingle. It doesn’t matter whether what appears is recognizable to the eye or belongs to the undefined: what matters is the truth of feeling, the fidelity to an inner vibration that guides the gesture and transforms the act of painting into revelation.

In Viktor Sheleg’s work, abstraction is not a chosen language, but an inner urgency, an inevitable way of existing on the canvas. His painting escapes the dictates of form and subject, instead embracing an emotional, instinctive, and deeply visceral grammar. The use of color—never ornamental, never predictable—becomes a revolutionary gesture: it does not respond to a codified aesthetic, but arises from an internal tension, from an authentic vibration that dismantles every scheme.

In his pictorial universe, the observer is not guided by a hierarchical order of color, stroke, and figure. On the contrary, they are suddenly swept away by a chromatic whirlwind that precedes any recognizability, by lines that seem drawn in a state of deep listening, as if the artist’s hand were responding to an inner call more than to a plan. In Sheleg’s work, abstraction is breath, is skin, is flesh. It is space itself becoming emotion.

Each of his works thus becomes an act of exploration, a tireless investigation of a pictorial elsewhere where the mark does not describe but evokes, where the gesture does not represent but reveals. The composition opens to new perceptual dimensions, where balance is born from risk, and beauty manifests in the collision between energy and mystery. In this way, Viktor Sheleg does not paint the abstract—he lives it, inhabits it, crosses it.

The artist has never painted for pleasure or as a profession: he has always painted out of necessity. For this reason, he approaches the canvas only when he feels the urgency, when he senses within himself that irrational and powerful energy seeking a way out. Each of his works is a near-carnal encounter with the invisible. Often, the face of a woman emerges from a sea of signs and colors, like an apparition that asserts itself with both gentleness and authority. The female figure is never a decorative object, but a dominating subject, a symbolic epiphany of interiority.

Thus, his pictorial language becomes liquid, changeable, irregular—and precisely for this reason, authentic. Sheleg aligns visual narration with emotional states, like a musician improvising on the theme of the day, like a poet transcribing a dream without rereading it. In an era that demands definitions, categories, and labels, Sheleg responds with the ambiguity of true art—art that cannot be explained, only experienced. And perhaps this is where the secret of his strength lies: in the absolute fidelity to himself, in the courage not to ask permission—from the eye, nor from the mind, but only from the heart.

Giuseppina Irene Groccia

To complete this intense and passionate portrait, we add the words of the artist himself, who in this interview accompanies us into his creative universe, revealing visions, impulses and thoughts that animate his painting.

You have said that when you create an image, you are guided by emotions and energy. Can you tell us more about this creative process?

This is a case where showing is easier than explaining. My subjective opinion is that there are artists who can animate an inanimate object (painting), and there are those who are not given it. An artist can possess a high set of technical methods, have a great experience and enviable diligence, but his pictures have no magnetism, they are lifeless although they are highly professional. Another example is when you look at a painting and can not tear your eyes away, although the artist and does not have a high school of professionalism.

I do not go to the canvas when emotionally empty and do not treat painting as a job. For me a painting is like a partner with whom I am in dialogue. I fall asleep thinking about what we haven't agreed and waking up I run to tell her something important.

I can describe this process for a long time, but I can't explain where this current comes from.

How does harmony emerge from the chaos of colors, stains, lines, and splashes in your works?

It's both simple and complex at the same time. You have to be able to pick out beautiful pieces from the chaos and incorporate improvisation around that concept.

Your artworks often depict women in a fascinating and complex way. What inspires you in these representations?

For me there has never been a choice of topic . No matter what I paint, it's always a woman. Just kidding. I'm basically an abstractionist, but in the cacophony of the subjectless I start to see the female image. As a rule, the female image takes up all the space on the canvas and there's nothing left of abstraction.

Have you ever experimented with other media besides painting?

The endless search for means of expression and material! Metal, wire, paper, kraft, newspaper, textiles, foam, etc.

Your work invites us to question conformity and social norms. How is this concept reflected in your paintings?

I welcome hooliganism in painting because you can't go against your nature, but I also like it when it's beautiful.

What message do you want to convey through your art?

That's hard to judge. If there is something like that, the viewer sees it, I don't know about it. My message is not shouting, not clasping hands, not teaching, maybe it's like an air kiss.

Your teachers advised you not to pursue academic education in order to preserve your unique style. How did you experience this choice?

Yes, I had such a thing in my life. I wouldn't say they were teachers, but they were authoritative people in the visual arts for me. A young man with modest achievements was pleased to hear about his individuality. I didn't understand what they were talking about. What is individuality? I really wanted to study, master professional skills, be in a team of the same people, but in the end I went my own way, learning the secrets of mastery through self-education.

What have been the most significant moments of your artistic career?

Maybe it happened when I was 12 and I came across a box of oil paints. My mom said that these paints were bought for her a long time ago, she also wanted to become an artist, but something didn't work out. Maybe you can do it, she said.

You have exhibited in numerous countries and participated in important art fairs. How have these experiences influenced your artistic journey?

Frankly speaking, it did not affect my creativity in any way, rather, we should talk about material well-being. Of course, when your paintings are bought, there is an incentive to engage only in creativity, not distracted by making money.

Do you have a particular artwork that you feel most connected to? If so, whу?

When I was very young, I saw a painting by Kees Van Dongen, "Woman in a Black Hat", in the Hermitage. In this painting, I was struck by the turquoise highlight on the girl's face. It seemed to be at odds with the overall color scheme, but at the same time it was an important accent of the entire work. Later, there were Van Gogh, Gauguin, Toulouse Lautrec, but this was my first impression.

What is your relationship with collectors and the contemporary art market?

Relations with collectors can be called harmonious. They love my art and I love theirs. The contemporary art market is a metaphysical concept, and you have to adjust to it. There is no love in it, only expediency, but you always have to be yourself.

Which artists, past or contemporary, have influenced your work?

I have already written about it earlier, I can add Valentin Serov, Feshin, I. Repin, Kandinsky, Rembrandt, Picasso, Kathe Kollwitz, although there were many more....

If you could collaborate with an artist from any era, who would you choose and why?

Maybe René Magritte or Antoni Tàpies .It's hard to say why these particular artists, it's more of an intuitive.

How do you see the future of painting in an increasingly digital world?

I don’t think about it, I live and work today.

What is your opinion on abstract art and its evolution over time?

My subjective opinion is that abstraction is a very lightweight art. It is very pleasant to do it, any person has such an opportunity, and sometimes animals too. I don't think that's going to change. Color therapy has a good effect on people, and in the interior abstract painting is an irreplaceable accent.

Do you think art should have a social role, or should it simply be an aesthetic expression?

Personally, I'm in favor of aesthetics in painting in the presence of expression. It's good when a painting has an impact on the viewer.

What advice would you give to young artists who want to establish themselves in the contemporary art scene?

If a young man has no talent as a painter, it is better to do something else, and if there is talent, more work, do not rush to declare themselves to the world.

Contacts

Web Site www.artsheleg.com

Viktor Sheleg is a contemporary Latvian artist whose work is distinguished by its expressive power and deeply personal artistic vision. Born in 1962, he currently lives and works in Latvia, where he continues to pursue his artistic exploration.

Viktor Sheleg’s talent was evident from an early age. When the time came to pursue formal academic training, the professors at the Academy of Art recognized the exceptional quality of his already well-formed artistic style. They advised him to forgo conventional education in favor of cultivating his distinctive and independent creative voice.

Sheleg’s artistic output is characterized by a profound sense of freedom and a critical reflection on social conventions and conformity. His work invites viewers to question the norms that shape our everyday lives, while celebrating the beauty of individuality and authenticity. Particularly striking are his intriguing depictions of women, which stand as a testament to his remarkable ability to capture and convey the complexity of human existence.

Viktor Sheleg’s art has transcended geographical boundaries, gaining international recognition through participation in numerous prestigious art fairs around the globe. His unique and evocative style has left an indelible mark on the contemporary art scene, inspiring critics and art enthusiasts alike to view the world through a more poetic and introspective lens.

In addition to his artistic career, Viktor Sheleg is married to Alla and is the father of two children, Maksim and Natasha.

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