The Face. AVEDON BIS NEWTON

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The Face. AVEDON BIS NEWTON






di Giuseppina Irene Groccia |10|Maggio|2023|








Che si tratti del Tate di Londra, del Metropolitan Museum of Art di New York o del Centre Pompidou in Francia, tutti questi musei d'arte dispongono di più sedi, così anche lo storico museo viennese Albertina ha a disposizione una nuova sede dedicata all’arte moderna e contemporanea. Si tratta dell’Albertina Modern.

















Inaugurata a marzo 2020, questa seconda sede vanta una collezione di 60.000 opere di 5000 artisti. Uno spazio espositivo che occupa circa 2.500 metri quadri nella Künstlerhaus completamente ristrutturata, e che consente a questa istituzione museale, situata nei pressi della centralissima Ringstrasse a Vienna, di mostrare una gamma più ampia di opere provenienti dalle proprie imponenti collezioni.





La mostra fotografica The Face. AVEDON BIS NEWTON ha trasformato questo imponente edifico costruito in stile storicista, in un luogo di partecipazione e condivisione con opere di forte impatto emozionale. Questo è uno dei motivi per cui non potevo perdermi questa interessante mostra durante il mio ultimo viaggio a Vienna. L’evento espositivo mi ha consentito di approfondire esperienze e percorsi attraverso gli scatti di grandi fotografi internazionali, tra i più influenti del panorama mondiale.







L’esposizione ha proposto opere della fotografia di ritratto contemporanea, una selezione proveniente dalla ricca collezione dell'Albertina Museum. Le fotografie sono state scattate tra gli anni '50 e 2000 e mostrano una disamina sfaccettata del genere tradizionale del ritratto.








Il percorso espositivo ha presentato toccanti studi di ritratto di personaggi famosi, caratterizzati dalla resa mirata dei loro lineamenti del viso.

Una ricca e ampia selezione di ritratti fotografici con protagonisti artisti e personaggi famosi, icone dell’arte, della musica, del cinema e della letteratura, che hanno lasciato un grande segno nel mondo.










Artisti del calibro di Dwight D. Eisenhower, Alberto Giacometti, Elton John, Michael Jackson, Keith Richards, Clint Eastwood, Keith Haring, Andy Warhol, Lou Reed, Humprey Bogart, Sophia Loren, Charles Bukowski, Bert Lahr, Francis Bacon, Isak Dinesen, Marilyn Monroe, Marcel Duchamp, John Ford, Marc Chagall, Roy Lichetnstein, William S. Burroughs, Alex Katz, e altri hanno trovato posto con il loro volto e forse anche con la loro anima  in una esposizione al pubblico che è una dichiarazione di intenti che narra dietro ogni viso lo spirito e il valore soggettivo di ogni celebrità  immortalata.






Si, perché un ritratto è anche questo, un modo per entrare dentro l’essenza interiore delle persone rivelandone spesso la psicologia. Un’immagine che racchiude tutta una storia, come un libro che è rappresentato da un’unica immagine, la sua copertina, ma che rivela al suo interno una storia infinita.





La selezione presentata comprendeva opere tra le altre di Nancy Lee Katz, Richard Avedon, Irving Penn, Gottfried Helnwein, Chuck Close, Helmut Newton, Jim Dine e Franz Hubmann.




La definizione di un ritratto può essere discussa già nella prima stanza. Perché Richard Avedon non solo ha fatto grandi scatti di volti che trasmettono immediatezza e intimità, ma ha mostrato in modo impressionante, attraverso il piede del ballerino Rudolf Nureyev, come anche le singole parti del corpo possono rappresentare una persona.



Richard Avedon, Rudolph Nureyev 1967


Richard Avedon 


Oltre alle foto di moda, pubblicitarie e di reportage, Richard Avedon crea un corpus completo di ritratti dedicati a persone di varie classi sociali.  Negli anni '50 ha sviluppato il suo approccio tipico di catturare i volti in primo piano davanti a uno sfondo neutro.  Il linguaggio pittorico ridotto e l'illuminazione uniforme e forte, gli consentono di concentrarsi sulle espressioni facciali e sui gesti, che appaiono in primo piano.  Nel corso della sua mostra al Minneapolis Institute of Art nel 1970, ha presentato il portfolio di Minneapolis, che includeva foto del poeta Ezra Pound e fotografie dell'attrice Marilyn Monroe, oltre a raffigurazioni di politici e presidenti come Dwight D. Eisenhower, molte delle quali riproposte in questa importante mostra collettiva THE FACE.








Richard Avedon, Bert Lahr 1958


Durante una carriera che ha attraversato quasi sessant'anni, il reportage, il ritratto e il lavoro di moda di Richard Avedon hanno sciolto le linee tra i generi fotografici e hanno coperto un'enorme ampiezza di soggetti. Catturando gli ideali americani di moda, ritrattistica e bellezza nel ventesimo e all'inizio del XXI secolo, ha contribuito a cementare lo status della fotografia come legittima forma d'arte contemporanea. Mentre il ritratto dei suoi coetanei tende a concentrarsi su momenti composti e isolati, la forte illuminazione di Avedon attira lo spettatore al potere dell'espressione del soggetto, che spesso suggerisce strati nascosti alle loro personalità.



Richard Avedon, Francis Bacon 1979

Nato nel 1923 a New York, Avedon era interessato alla fotografia fin dalla tenera età: si unì al club fotografico della Young Men's Hebrew Association quando aveva dodici anni. Nel 1942, durante la seconda guerra mondiale, servì come compagno di seconda classe del fotografo nella marina mercantile degli Stati Uniti, e poco dopo iniziò a lavorare professionalmente, producendo immagini per Harper's Bazaar dopo aver studiato con il direttore artistico della rivista Alexey Brodovitch.






Richard Avedon, Isak Dinesen 1958

A partire dal 1944 Avedon trasformò l'arte della fotografia attraverso i suoi indelebili contributi alle principali riviste di moda e contemporanee, tra cui Harper's Bazaar, Vogue, Life, Look e altre riviste popolari. Ha fotografato icone e modelle pop, musicisti e scrittori, soldati e attivisti politici, nonché membri della sua famiglia. Affascinato dal potere della fotografia di suggerire personalità, le immagini di Avedon registrano pose, acconciature e abbigliamento come elementi vitali di un'immagine, piegando le regole della composizione fotografica, sia per strada che in studio, a un particolare scopo stilistico e narrativo.


Richard Avedon, Marilyn Monroe 1957


Dopo aver pubblicato il numero di aprile 1965 di Harper's Bazaar, Avedon ha lasciato la rivista e si è unito a Vogue, sotto la direzione artistica di Alexander Liberman, dove ha lavorato per più di vent'anni. Nel 1992, è diventato il primo fotografo dello staff del New Yorker e la sua ritrattistica ha contribuito a ridefinire l'estetica della rivista. In tutto, Avedon ha anche gestito uno studio commerciale di successo e il suo lavoro con Calvin Klein, Revlon, Versace e molte altre aziende gli ha dato la libertà di perseguire progetti ambiziosi, tra cui una serie di ritratti che documenta il movimento americano per i diritti civili e la guerra del Vietnam.


Richard Avedon, Marcel Duchamp 1958


Avedon collaborò con Truman Capote al suo primo libro di fotografie, Observations, nel 1959 e continuò a pubblicare Nothing Personal con James Baldwin nel 1964. Nel 1962, la Smithsonian Institution esestì la prima retrospettiva museale di Avedon, e seguirono numerose altre mostre museali, tra cui due al Metropolitan Museum of Art (1978 e 2002). Dal 1979 al 1984 Avedon ha lavorato a lungo su commissione dell'Amon Carter Museum of American Art di Fort Worth, in Texas, producendo infine la mostra e il libro del 1985 In the American West: Photographs di Richard Avedon, un progetto di ritratto esteso in cui mirava a esaminare la trama della vita vissuta dai lavoratori comuni. La serie lo ha visto visitare carnevali, miniere di carbone, rodei, prigioni e macelli per trovare soggetti, ed è da sempre considerato il suo magnum opus. Ha continuato a pubblicare per tutta la vita.


Richard Avedon, John Ford 1972





Franz Hubmann

Franz Hubmann è considerato uno dei più importanti fotoreporter del dopoguerra in Austria.  I ritratti d'artista che crea dagli anni '50 costituiscono una parte centrale del suo lavoro.  Di particolare importanza sono le registrazioni che Hubmann fece a Parigi nel 1957.  Lì fotografa molti dei protagonisti ancora in vita che hanno rivoluzionato il mondo dell'arte all'inizio del XX secolo dal punto di vista di un fotoreporter.  Fa visita agli artisti nei loro studi senza preavviso per poterli fotografare nel loro ambiente di lavoro quotidiano.  Vengono create inquadrature spontanee più dialogiche rispetto, ad esempio, a quelle di Nancy Lee Katz.  Le fotografie di ritratto di Hubmann colpiscono per la loro grande immediatezza e la cattura di momenti significativi, rinunciando allo stesso tempo alla messa in scena e agli esperimenti estetico-formali.


Franz Hubmann, fotografo e fotoreporter austriaco nato nel 1914 a Ebreichsdorf, Bassa Austria. Ha vissuto e lavorato come fotografo freelance e autore a Vienna.


Franz Hubmann, Andy Warhol 1981


Hubmann ha iniziato la sua carriera come tecnico tessile. Tra il 1836-38 diresse una fabbrica di cappelli. Solo dopo la seconda guerra mondiale decise di trasformare il suo hobby in una professione. Nel 1946, già padre di 32 anni, Hubmann iniziò un apprendistato di tre anni alla Graphische Lehr- und Versuchsanstalt di Vienna.



Franz Hubmann, Marc Chagall 1957


Nel 1951 entrò in contatto con Karl Pawek, editore di Magazines Austria International, come direttore del Dipartimento di Promozione del Turismo dell'Austria. Con lui iniziò una collaborazione di lunga data. Nel 1954 fondarono "Magnum - la rivista della vita moderna". L'obiettivo della rivista era quello di guidare le persone con cautela verso il nuovo mondo della modernità. Le serie di foto di Hubmann, come "Café Hawelka", sono state la sua grande svolta come fotografo e fotoreporter. Fino a quando la rivista è stata interrotta, nel 1964, lui ne è stato il fotografo principale.



Franz Hubmann, Marc Chagall 1957


Nel corso dei decenni ha pubblicato circa 80 libri fotografici, in particolare su temi storici e folcloristici. Inoltre, ha prodotto negli anni 1960 e nei primi anni 1970, diciassette film televisivi per l'ORF, compresa la serie in 5 parti The High School of PhotographyÈ morto nel 2007.



Franz Hubmann, Alberto Giacometti 1957




Irving Penn


Bianco e nero e teatralità studiata. Questi sono due dei tratti principali del lavoro di Irving Penn (1917 - 2009), l'"Everest della fotografia" secondo Bruce Weber e uno di quegli uomini che con le sue istantanee ha contribuito a costruire l'immaginario collettivo del XX secolo.

Laureato in design industriale, pittore di vocazione e newyorkese di adozione, Penn ha iniziato a lavorare per Vogue USA negli anni quaranta. L'intestazione ha segnato la sua consacrazione come fotografo e la migliore vetrina da cui mostrare le sue fotografie alle tendenze dell'Alta Moda parigina, le sue nature morte e i suoi ritratti di alcuni dei personaggi più celebri della storia recente. Truman Capote, Marlene Dietrich, Marcel Duchamp o Salvador Dalí abitano nelle nostre teste con la posa e l'inquadratura con cui Penn li ha catturati. "Una buona fotografia è quella che racconta qualcosa, tocca il cuore, e cambia lo spettatore dopo averla vista" raccontava.


Irving Penn, Sophia Loren 1959


Autentico precursore della fotografia intesa come arte e documento, ha mescolato avanguardia e moda aprendo la strada ad altre figure come Richard Avedon o Mario Testino e ha viaggiato in tutto il mondo facendo fotografie, dalla Spagna alla Guinea Equatoriale. Sposato con la modella Lisa Fonssagrives e fratello del regista Arthur Penn, Irving è rimasto fedele a Vogue USA, con cui ha collaborato fino alla fine dei suoi giorni.





Nancy Lee Katz



Nancy Lee Katz è stata una fotografa ritrattista con sede a New York che ha documentato molto nell’ambito del mondo dell’arte, della fotografia e della musica. Ha anche lavorato come montatrice cinematografica. 

Nel corso della sua vita, la fotografa newyorkese Nancy Lee Katz ha perseguito il progetto di fotografare gli artisti nel loro ambiente di lavoro.  Katz donava a ogni persona ritratta una stampa, ma non esponeva queste opere e non le pubblicava in altro modo.  Questo ricco patrimonio di ritratti d'artista venne alla luce solo dopo la sua morte.  Definito il suo "pantheon" personale, le sue fotografie trasmettono una vivida impressione della scena artistica di New York, che ha catturato tra il 1986 e il 2011. Nancy presenta i suoi modelli nel contesto delle loro opere e quindi nel loro ruolo di artisti, non come amici o privati.




Nancy Lee Katz, Roy Lichtenstein 1986


Non ha mai desiderato vendere la sua arte o esporla in esposizione o pubblicazioni, con l'unica eccezione di una donazione alla Bibliothèque Nationale de France in segno di gratitudine per aver avuto la loro disponibilità nell’utilizzare le loro strutture per una sua ricerca riguardante fotografie del XIX secolo.



Nancy Lee Katz, Alex Katz 1993

Poco prima della sua morte decise di fare una selezione di tutte le sue opere, scegliendo quelle più rappresentative offrendole a diversi musei di tutto il mondo.

È così che a partire da agosto 2021, gruppi di fotografie di questa artista precedentemente sconosciuta sono entrati a far parte delle collezioni di Art Institute of Chicago, Albertina Museum Vienna, Bibliothèque Nationale de France, Boston Museum of Fine Arts, Collection of the Supreme Court, Israel Museum, Los Angeles County Museum of Art, Museum of Fine Arts Houston, National Gallery.





Helmut Newton



A partire dagli anni '60, Helmut Newton è diventato uno dei ritrattisti e fotografi di moda di maggior successo.  Espande il genere classico affrontando il voyeurismo, l'erotismo, il potere e la violenza.  Al centro di questo c'è l'inversione delle dinamiche di potere tra fotografo e modello.  

Nei Big Nudes, progetto che comprende anche lo scatto di Verina (nella foto sotto), mostra le donne nude, ma in una pose esplicitamente sicure di sé.  Inoltre, li presenta in misura più grande del reale, conferendo loro una presenza dominante.  I suoi scatti sfuggono alle interpretazioni semplicistiche e creano un'ambivalenza che si polarizza con successo fino ai giorni d’ oggi.





Helmut Newton, Verina Nizza, 1993


Sessista o femminista? Questa domanda circola da sempre intorno al fotografo Helmut Newton. Ma una cosa è certa, Newton è uno dei fotografi più affascinanti e allo stesso tempo provocatori del nostro tempo. Nato nel 1920 in una famiglia ebraica, il berlinese trovò presto la sua passione per la fotografia e abbandonò il liceo all'età di 16 anni per fare un apprendistato con l'altrettanto rinomata fotografa berlinese Yva. Nel 1938, Newton fugge via a  Singapore in Australia, dove nel 1945 apre il suo primo studio fotografico a Melbourne.  Lì incontrò anche sua moglie June, che condivideva con lui la passione per la fotografia ed era fotograficamente attiva anche lei sotto lo pseudonimo di Alice Springs. Ha avuto una grande influenza su Newton e spesso lo ha accompagnato nelle riprese. Da quel momento in poi, la carriera di Helmut Newton ha preso velocità e si è sviluppata principalmente attraverso le sue fotografie di moda per riviste come Queen, Vogue o Elle. Solo più tardi negli anni '80 Newton si rivolse alla fotografia di nudo, che è rimasta iconica e attuale 




Ancora oggi, le sue opere fotografiche mettono alla prova i confini sociali e stimolano la riflessione. Queste fotografie, che spesso mostrano le donne in rappresentazioni feticista, possono trarre in inganno e far apparire a prima vista una donna in cui l’effetto oggettivante è amplificato. Tuttavia, le immagini di Newton sono più complese, esse hanno offerto idee irraggiungibili di glamour, giocando con le idee di desiderio umano, lussuria, genere e potere. 



Helmut Newton, Woman Entering The Ennis-Brown House 1990


Newton mise in scena desideri e sogni, opere teatrali e inventò travestimenti fuorvianti; le sue donne sono donne, non femmine.

La cosa complicata delle immagini di Newton è che rappresentavano le donne attraverso lo sguardo maschile, eppure bisogna riconoscere l'erotismo autonomo delle sue protagoniste femminili. Le immagini venivano apprezzate per le loro fantasie stimolanti, che alludevano a lotte di potere sessualmente cariche tra prede e predatore, che Newton immaginava e abilmente costruiva. È questa l’eredità che è rimasta: una fantasia molto potente capace di scuotere ancora oggi i confini immaginari.




Chuck Close 




Partendo dal presupposto che una singola fotografia non può catturare adeguatamente la personalità di un modello, Chuck Close combina cinque scatti del suo viso in un panorama multiprospettico in Self-Portrait/Five Part La testa dell'artista si presenta come una scultura con una visuale quasi a tutto tondo.  Come in altri suoi lavori, anche qui si occupa di processi di riproduzione.  Ancora una volta usa i dagherrotipi, che converte in dati digitali, che a loro volta possono essere letti da un telaio elettronico.


Un leggendario ritrattista e maestro del fotorealismo, Chuck Close (1940 - 2021), è stato uno degli artisti più influenti della sua generazione, riconosciuto per il suo dettaglio meticoloso e la sua tecnica innovativa, che ha avuto un profondo impatto sia sulla cultura americana che sulla comunità artistica internazionale.


Un artista di un'era di progressi tecnologici, Close ha continuato a offuscare polemicamente la linea tra belle arti e fotografia. Piuttosto che fare affidamento su una spinta espressiva o su una tradizione accademica, ha costruito la sua arte sulle sue regole e rituali. Come artista con una profonda base accademica, ha portato il concetto di realismo fotografico nella pittura in primo piano e ha ulteriormente reso popolare l'uso dell'arte come riflesso del potere dell'individualità.


Chuck Close, Self Portrait/ Five Part 2009 

In un viaggio artistico che è durato più di 50 anni, Close ha rivoluzionato la scena artistica, trasformando i canoni del ritratto accademico e sperimentando in diverse forme, dalla fotografia Polaroid alla pittura ad olio, al mosaico e all'arazzo. Ha creato ritratti da griglie tonali di impronte digitali, punti puntini, pennellate, polpa di carta e innumerevoli altri mezzi.





















Alla fine degli anni 70, Close fu uno dei primi artisti a usare la fotocamera per scattare fotografie come base per ritratti, dipinti e come opere in sé, Close ha creato la sua tecnica, il suo strumento iconico, posizionando una griglia nella fotografia e poi trasferendo una griglia proporzionale in grande scala sulla tela. In un mosaico formato da forme e colori, le  tessere musive offrono una lettura in dissolvenza della trama del ritratto.


 



Nell'era del selfie, l'arte del ritratto, a prima vista, sembra giocare il ruolo di filtrare la realtà fotografica. Ma per Close, la storia è molto più profonda: l'arte è diventata un modo per comunicare il suo dolore, sia fisico che emotivo, così come uno strumento per celebrare la sua vittoria di fronte alle circostanze che hanno cercato di impedirgli di vivere il suo sogno. Oltre alla paralisi parziale che lo ha portato a usare una sedia a rotelle dal 1988, l'artista ha sofferto di un deficit percettivo, la prosopagnosia (cecità facciale), che lo ha portato in primo luogo ai ritratti. Il suo desiderio era quello di  memorizzare immagini di amici e familiari, immortalando le persone e i volti che contavano di più per lui. La sua memoria fotografica insieme al suo infinito spirito di sperimentazione gli ha permesso di cambiare i  volti in ritratti bidimensionali. Infatti, Close ha sempre creduto di essere cresciuto come artista non nonostante le sue condizioni neurologiche, ma a causa di esse.





Gottfried Helnwein 




Per la sua serie Faces, realizzata tra il 1982 e il 1994, Gottfried Helnwein ha fotografato personaggi famosi con l'obiettivo di catturarne i tratti caratteristici.  Combina un approccio intuitivo alla rappresentazione spontanea con una rigorosa formalizzazione.  Nelle riprese ravvicinate, mette a fuoco i volti che si stagliano sullo sfondo uniforme.  Nei suoi formati più grandi, elabora le singole caratteristiche del viso con grande precisione e nitidezza e utilizza un'illuminazione drammatica per la modellazione mirata delle singole parti.


Gottfried Helnwein è un artista multidisciplinare nato a Vienna nel 1948, profondamente segnato dalla ricostruzione culturale post-seconda guerra e preoccupato di ritrarre i cambiamenti sociali e politici contemporanei.


Gottfried Helnwein, Elton John 1992 

Il suo lavoro è provocatorio, controverso e così prolifico e vario che comprende disegno, pittura, scultura, fotografia, pittura murale e design di costumi e scenografia teatrale, sia di balletto che di opera.


Gottfried Helnwein, Michael Jackson 1988

Nella sua Serie Faces ognuno dei volti di celebrità  mostrati rivela qualcosa della personalità a cui appartiene. Helnwein riesce a rintracciare in loro le qualità specifiche, i cliché legati ai loro nomi o addirittura, le caratteristiche associate alle loro professioni, e a renderle visibili. 





Gottfried Helnwein, William S. Burroughs 1990 


Le fotografie mostrano così chiaramente lo scopo di Helnwein da lasciare che i suoi soggetti raccontino di se stessi, il loro lavoro, il significato che questo ha lasciato su di loro, i loro problemi, tutti hanno lasciato il regno dell'analogia per diventare immagini di Helnwein. Improvvisamente è irrilevante se sono stati dipinti o fotografati. Inoltre, si sa che potrebbe dipingerli altrettanto bene in modo simile.





La visione di Gottfried Helnwein della realtà è sempre stata analitica e critica. Non per niente la sua arte conosce solo seguaci o avversari, ma nessuna indifferenza. Allo stesso modo, nella serie "Faces" ha anche affrontato i rappresentanti di spicco della nostra società, che provengono prevalentemente dal campo culturale, letterario, artistico, musicale e cinematografico. 





Gottfried Helnwein, Charles Bukowski 1991


Le sue immagini smascherano, anche se non sono voyeuriste. Ma, ovviamente, è sempre riuscito a convincere le personalità ritratte a rivelare qualcosa di se stessi.







Jim Dine



Oltre alla pittura, al disegno, alle stampe e alla scultura, Jim Dine sceglie anche la fotografia come mezzo per la sua pratica artistica.  Apprezza la spontaneità del processo fotografico per il suo impegno ossessivo con l'autoritratto.  L'interesse di Dine per le diverse sfaccettature del proprio io si esprime sotto forma di molteplici ritratti, per i quali combina più volte la propria immagine in diverse varianti o si fotografa con persone a lui vicine, come sua moglie, la fotografa Diana Michener.


Jim Dine è un eclettico artista americano dedito, dagli anni ’60, alla pittura, alla scultura e alla grafica e che, solo dalla seconda metà degli anni ’90, ha iniziato ad utilizzare il medium fotografico per la propria ricerca.

La sua irruzione negli anni '50 e '60 nel mondo newyorkese dell'arte con i suoi happening e assemblaggi è stata acclamata in tutti i media. Anche se sono normalmente associate al movimento pop art degli anni '60, le creazioni di Dine rispondono a un'eterna ricerca di se stesso e a un'introspezione nell'essenza umana. In più di quarant'anni di incessante attività ha creato un'impressionante produzione di pittura, scultura, grafica, libri d'artista e fotografia.





Durante la sua carriera arte e fotografia non hanno potuto ignorarsi e hanno cominciato a camminare l’una di fianco all’altra influenzandosi a vicenda. Il suo virtuosismo e il suo spirito di innovazione hanno creato innumerevoli opere di indiscutibile potere e bellezza. Il suo immaginario è popolato da figure iconiche di grande forza suggestiva. 

Tutto questo è anche evidente nei libri d'artista che Jim Dine ha creato nel corso della sua vita. Essi completano le arti visive, la poesia e l'amore per la letteratura. La doppia sensibilità per l'immagine e le parole conferiscono al suo lavoro in tutti i campi una qualità poetica che luccica con particolare luminosità nei suoi libri d'artista. Per Dine il termine libro d'artista descrive quella classe speciale di libri con opere grafiche originali che vanno oltre la semplice illustrazione e che costituiscono manifestazioni di importanza equiparabile o superiore a quella del testo stesso dell'autore.



In contrasto con i suoi precedenti dipinti concettuali e in stile Pop, il lavoro più recente di Dine è stato prevalentemente fotografico. Dine crede che la fotografia abbia una forza che altri media non hanno, dicendo: "È stato abbastanza illuminante per me tutto ciò che si può esprimere con la fotografia che non ho voluto trasmettere con la scultura e la pittura.”





















La mostra ha presentato anche progetti che esplorano l'identità delle persone comuni attraverso il loro rapporto con i loro spazi di vita privati ​​e l'ambiente topografico.  I ritratti intimi vengono creati in dialogo con le persone a se vicine.  Questi sono giustapposti a opere in cui mondi di vita sfaccettati sono visti da una sobria distanza.  

Alcuni fotografi catturano singoli personaggi in iconici e singoli scatti oppure in studio, in momenti straordinari.  Al contrario, le registrazioni seriali, che vengono create su un periodo di tempo più lungo attraverso l'esame continuo dei ritratti, consentono una visione più differenziata del ritratto.

Le fotografie in mostra hanno trattato temi come l’identità culturale, le relazioni personali e i diversi ambiti dell’esperienza, nonché questioni relative alle origini degli individui e a se stessi.








Lucia Papčová



Nella Serie “Nonni”, Lucia Papčová affronta il rapporto tra i suoi nonni.  Il lavoro seriale mette in luce il legame affettivo della coppia e amplia così il concetto convenzionale del ritratto.  Le precise osservazioni di Papčová si concentrano su visioni parzialmente frammentarie dei corpi da insolite angolazioni.

Gli sposi appaiono fragili e vulnerabili a causa della loro nudità, a volte intimamente mostrata, e del processo di invecchiamento reso visibile dalla visione ravvicinata.  Le registrazioni mute possono essere lette come un memento mori quando Papčová mette in scena la nonna in camicia bianca sdraiata sul letto come se fosse senza vita.





Diverse foto, appese in una disposizione predeterminata, forniscono intuizioni toccanti sulla vita di queste due persone anziane. Gli scatti di diverse dimensioni creano un gioco di vicinanza e distanza, che apparentemente riflettono anche il rapporto tra i due.






"La mia strategia è registrare, osservare. Quindi trovare un modo per creare le condizioni per una situazione che si svilupperà per sua volontà, per sua natura e mantenendo il carattere delle persone e dei luoghi coinvolti. La mia posizione artistica è più quella di un grilletto che di un regista. Scoprire il modo giusto per innescare è il lavoro più difficile. Poi osservo e cerco di dare alla registrazione la forma giusta per presentare ciò che ho visto.

 

Mi ci sono voluti molto tempo e molti incontri per trovare il modo di lavorare con le persone coinvolte in una tragica causa politica iniziata 40 anni fa e ancora irrisolta a causa di strutture sopravvissute alla rivoluzione dell'89 e che hanno cambiato solo nomi e strategie per confondere il pubblico. Le installazioni video risultanti mancano di qualsiasi affermazione diretta sulla problematica: lo scopo era mostrare qualcosa di molto più sottile e astratto.

 

Mi ci vuole molto tempo per trovare le condizioni in un paesaggio che mi forniscano una convergenza di luce, umidità, spazio e punto di vista per creare un'immagine così sottile che non c'era quasi nulla da vedere lì dentro. Sono convinto che questa sottigliezza fornisca una certa profondità, che può essere scoperta dopo che lo spettatore accetta di essere coinvolto, di fissare e di aspettare ciò che vedrà.

 

La registrazione è un lavoro con qualcosa che non si comprende appieno. È il mondo con tutte le incertezze, i processi e le dimensioni che non possiamo veramente coprire. Questa cooperazione con l'esterno e le sue dinamiche è il mio principale interesse.

 

Invito lo spettatore a entrare, a co-creare, a fissare, senza distrazioni, qualcosa che non è destinato a essere finito."


Lucia Papčová





Lucia Papčová ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti e Design di Bratislava. Ha continuato i suoi studi di Master all'Akademie der Bildenden Kunste di Vienna. Concludendo infine il suo percorso di studi con un dottorato all'Accademia di Belle Arti e Design di Bratislava. Durante i suoi studi di primo grado, ha ricevuto un premio significativo, l’ Essl Art Award CEE VIG. Impegnata fino al 2019 in diversi programmi di Residenze artistiche è attualmente rappresentata nella collezione del Museo Essl, Austria e in collezioni private in Slovacchia, Portogallo, Germania e Stati Uniti.






Manfred Willman



Nato a Graz, in Austria, nel 1952 - è considerato uno dei più importanti artisti fotografici d'Europa.

Strettamente biografica la serie dal titolo “Für Christine”, realizzata fra il 1984 e il 1988 e presentata in questa occasione. Le immagini mostrano diversi momenti della vita del fotografo insieme alla sua compagna Christine Frisinghelli.  

Qui, il volto della donna si combina con sfondi e motivi già presenti nell’opera di Willmann, di modo che la valenza biografica risulti doppia: sia per autocitazioni artistiche, sia per l’elemento affettivo della propria vita privata. Per questa ragione il carattere intimo che sempre contraddistingue l’opera del fotografo, aumenta la sua portata, in particolare negli interni domestici; immagini abilmente costruite ma capaci di comunicare complicità.





Il suo lavoro è caratterizzato da lampi abbaglianti, l'uso di primi piani e il capovolgimento di un presunto idillio nel suo opposto.  Attraverso il suo sguardo spietatamente soggettivo e la combinazione di ritratti con scatti di oggetti quotidiani, visualizza un'atmosfera intima costante. Due fotografie scattate casualmente una dopo l'altra vengono selezionate dalla striscia negativa come dittici.  Il bordo negativo visibile nel lavoro finale serve come prova di questa pratica autoriflessiva.

Manfred Willman si appropria dei metodi e delle forme della fotografia documentaria per creare un lavoro concettuale vividamente colorato. Per sottolineare l'apparente mancanza di reportage nelle sue immagini, Willman raffigura persone che svolgono i compiti più banali - lavorare, pulire, mangiare, giocare - così come animali vivi e morti. 





Si alterna liberamente tra paesaggi, ritratti, nature morte e scatti di dettaglio. A parte un potente flash che tira fuori le sue figure dallo sfondo portandole in rilievo, Willman non manipola affatto le sue immagini. Concentrandosi sulle minuzie poco spettacolari, crede che il suo lavoro operi all'interno di un registro simbolico; le figure scompaiono e le fotografie riemergono come un'impronta di un momento condiviso tra fotografo, soggetto e luce.





Come Direttore di "Fotogalerie im Forum fotografia contemporanea”, dal 1979 al 1996 ha organizzato in collaborazione con Christine Frisinghelli simposi annuali sulla fotografia. Dal 1980 al 2010 è stato fondatore ed editore di "CAMERA AUSTRIA International" che si è imposta come una delle principali riviste fotografiche in Europa. 





Dal 1981 in poi, le visite regolari nella regione della Stiria sud-occidentale della sua patria hanno dato origine al ciclo "Das Land". Nel 1994 è stato insignito del Cultural Award dalla German Photographic Association (DGPh); nel 2009 ha ricevuto l'Austrian State Award for Photography. Le sue opere sono ampiamente esposte, anche nel Museum of Modern Art di New York.





Leo Kandl 



Nella serie “Weinhaus”,  Leo Kandl fotografa l'ambiente sociale delle taverne e delle locande viennesi a buon mercato.  Usa un linguaggio visivo diretto e momentaneo, in cui si affida a sezioni di immagini flash e frammentate.  





Ultimo ma non meno importante, il documentarismo soggettivo di Kandl risulta dalla vicinanza spaziale al ritratto, il che indica che il fotografo è integrato nell'ambiente che sta catturando e che la sua visione non è quella di un estraneo.  Allo stesso tempo, le fotografie di Kandl rappresentano una rottura con i rapporti viennesi convenzionali, sproporzionatamente più tradizionali, che spesso servono cliché turistici.





Nato nel 1944 a Mistelbach, nel 1963 ha iniziato a studiare pittura all'Accademia di Belle Arti di Vienna con Gustav Hessing (nella stessa master class di Peter Dressler); laurea in educazione visiva nel 1969; attività di docente per l'educazione visiva fino al 1995. Vive e lavora a Vienna. 





Per lui, la fotografia è un mezzo di esplorazione dell'apparentemente banale, insignificante, poiché si tratta di sociogrammi visivi di una «condizione umana»; Leo Kandl è uno dei pionieri viennesi della cosiddetta «fotografia d'autore»: innumerevoli mostre e partecipazioni alle mostre e pubblicazioni. 





Con il suo lavoro, è rappresentato in tutte le collezioni fotografiche austriache rilevanti così come in importanti collezioni internazionali; numerosi premi, tra cui il «Otto Breicha-Prize for Photo Art» del Rupertinum Salzburg così come il «Würdigungspreis für Fotografie des BM für Unterricht und Kultur» (1994) e il «Würdigungspreis für Fotografie des Landes Nieder"





Paul Kranzler



La realtà quotidiana della vita e gli ambienti sociali sono temi centrali nelle fotografie di Paul Kranzler. 





Nella sua serie fotografica Tom, a cui ha lavorato tra il 2004 e il 2006, Paul Kranzler sviluppa un ritratto del giovane Thomas, soprannominato Tom. Per quasi tre anni, Kranzler ha accompagnato Tom, ottenendone l’amicizia nel corso del tempo. 





Tom e la sua famiglia sono catturati nella loro vita quotidiana a Kremstal, in Alta Austria. Nel contesto del suo ambiente di vita, una fattoria nelle province austriache, include anche fotografie della sua famiglia e dei suoi amici, nature morte, architettura e interni.  





Il risultato è un ritratto ampliato in un panorama della vita quotidiana - in un certo senso: una sociologia visiva, che svela modi di vivere, questioni di gusto, così come le condizioni economiche di una classe e le relazioni sociali dominanti.

Con il suo ritratto della vita in provincia, Kranzler segue una tradizione fotografica fondata dal fotografo di Graz, Manfred Willmann con il suo progetto “Das Land”.





Paul Kranzler, nato nel 1979, ha studiato all'Università di Arte e Design di Linz. Il suo lavoro è esposto e pubblicato a livello internazionale e si trova in importanti collezioni pubbliche come l'Albertina o la Collezione fotografica al Rupertinum di Vienna.





Thomas Ruff




La ricerca di Thomas Ruff di uno stile di ritratto contemporaneo trova il suo equivalente nell'estetica della fototessera.  Il ritratto (A. Koschkarow) della fine degli anni '90 è soggetto a rigide regole compositive concettuali per la sua frontalità, lo sfondo neutro e persino l'illuminazione.  L'estrema oggettivazione del volto rende eccessivamente visibili i dettagli della superficie, ma allo stesso tempo cancella l'individualità del soggetto.



Nei primi anni '80, quando la pittura neo-espressionista aveva messo all'angolo il mercato dell'arte, l'artista tedesco Thomas Ruff ha intrapreso una serie estesa di ritratti fotografici che hanno una forte somiglianza con i registri della polizia o le immagini dei passaporti. La frontalità dei volti semplici e disadorni e la neutralità dell'espressione, dell'illuminazione e dello sfondo sembrano mirare alla massima obiettività o, nelle stesse parole di Ruff, a una "sostenibilità super neutra". Tuttavia, il grande formato e la nitidezza dei dettagli destabilizzano i parametri fotografici convenzionali come la somiglianza, l'identità e la documentazione.




Questi volti sono posseduti da una presenza auratica che oscilla tra attrazione e vulnerabilità, intimità e alienazione. In un'intervista, Thomas Ruff ha descritto il processo alla base delle immagini come segue: "Ho iniziato con il bianco e nero, ho provato diverse fonti di luce, e poi ho iniziato a ridurre gradualmente ciò che si vede nelle immagini - fino a quando alla fine sono arrivato alla foto del passaporto, l'ur-portrait. Poi ho pensato: chi potrei fotografare? Alla fine, dovevano essere i miei amici. Ho detto loro di sembrare sicuri di sé ma anche di tenere a mente che venivano fotografati. Quando ho esposto i grandi ritratti, alcune persone si sono arrabbiate con me perché non sopportavano di guardare un ritratto senza ricevere ulteriori informazioni”.





Bernard Fuchs



Nella sua serie Portraits, Bernhard Fuchs caratterizza l'identità di una persona attraverso il suo rapporto con l'ambiente in cui vive.  Le sue registrazioni sistematiche e fattuali si concentrano sull'area regionale geograficamente definita della sua regione di origine nel Mühlviertel dell'Alta Austria.  





La preoccupazione di Fuchs per il tema dell'imprinting sociale divenne rilevante solo quando fu in Germania per studiare fotografia.  Nell'esaminare i ritratti degli abitanti delle campagne, Fuchs riflette anche sulla propria biografia.





Il fotografo austriaco Bernhard Fuchs è un eccezionale praticante della fotografia di ritratto e di paesaggio, le cui immagini raggiungono una particolare quiete e densità artistica. Nel suo lavoro più recente, svolto nella sua regione natale di Mühlviertel nell'Alta Austria, ha catturato dettagli di natura, pietre, acqua, alberi, lunghe passeggiate sky-on effettuate regolarmente tra il 2014 e il 2019. È in grado di segnare il grande significato di ciò che è apparentemente piccolo e poco importante attraverso l'intensità del suo sguardo, che diventa evidente nella luce, nei colori e nei vari accenti ottici.














In conclusione, possiamo dire che un ritratto è anche questo, un modo per entrare dentro l’essenza interiore delle persone rivelandone spesso la psicologia. Un’immagine che racchiude tutta una storia da leggere e da interpretare.







La mostra ha ampiamente trattato temi come l’identità celebrativa e culturale, le relazioni personali e i diversi ambiti dell’esperienza, nonché questioni relative alle origini degli individui e a se stessi.





L'Albertina Modern si è rivelata una location perfetta per ospitare tante opere rappresentative di alcuni tra i più importanti fotografi internazionali.

Una istituzione artistica con alla base un ottimo punto d’accesso per l’arte, e con l’intento di porre uguale attenzione alla produzione artistica internazionale e alla diversità dell’arte contemporanea.




















©Tutte le immagini presenti in questo articolo sono di Giuseppina Irene Groccia 
































 




©L’ArteCheMiPiace - Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 









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