Luigi Le Piane

Un regista silenzioso della cultura

A pensarci bene, Luigi Le Piane non è un artista nel senso tradizionale del termine, eppure il suo operato ha qualcosa di autenticamente creativo. La sua abilità non si misura in tele o sculture, ma nel modo in cui riesce a trasformare un’idea in un’esperienza condivisa, unendo persone, energie e linguaggi diversi. È come se avesse scelto la regia invisibile, quella che non appare mai in scena, ma senza la quale la scena stessa non avrebbe vita.

Cosenza lo conosce bene come PR, capace di animare la città con serate, eventi musicali e momenti di intrattenimento. Ma il cuore del suo impegno rimane Geni Comuni, il progetto che ha dato respiro nazionale alla sua visione culturale. Non un semplice evento, ma un laboratorio di possibilità, un ponte tra professionisti affermati e nuove generazioni, tra territorio e mondo, tra arte e comunità.

In fondo, la cifra più vera di Luigi sta in questo: non accontentarsi di organizzare, ma cercare il senso di ciò che propone. Nei suoi progetti c’è sempre l’idea che la cultura non debba essere un lusso, ma un bene comune, capace di avvicinare chi solitamente resta ai margini. È un modo di fare che richiede passione, ma anche coraggio e coerenza.

Si potrebbe dire che il suo lavoro non costruisce soltanto eventi, ma possibilità. Egli apre spazi, crea dialoghi, rende accessibile ciò che spesso sembra distante. E in questo c’è la sua vera arte. Una forma silenziosa ma essenziale di creatività, che non si misura con gli applausi, ma con la traccia che lascia nelle persone e nel territorio.

Da queste riflessioni nasce l’intervista che segue, un dialogo capace di restituire non solo il percorso professionale, ma soprattutto la visione e la passione che guidano ogni suo progetto

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

La sezione Interviste del nostro blog ospita periodicamente artisti, galleristi, critici d’arte, letterati e autorevoli operatori culturali, selezionati per la loro capacità di offrire contributi significativi alla valorizzazione e diffusione di temi rilevanti nel panorama artistico contemporaneo. 

 

 

 

 

Ribaltare la Prospettiva

La Fotografia secondo Robbie McIntosh

di Giuseppina Irene Groccia |20|Agosto |2025|

Dietro il nome d’arte che evoca lontane sonorità nordiche, si cela un fotografo che a Napoli ha trovato un campo d’azione privilegiato, pur senza rivendicare un legame di appartenenza. 

Nella traiettoria artistica di Robbie McIntosh, classe 1977, la fotografia non appare mai come un mestiere da esercitare, né come un semplice mezzo di espressione. È piuttosto una missione dello sguardo, un impegno continuo a interrogare la realtà, a decifrare l’umano nelle sue forme più spontanee e contraddittorie. I suoi scatti sembrano far parte di una disciplina interiore, un percorso di indagine che tiene insieme estetica e antropologia, poesia e documento. In questo senso, il suo lavoro si pone come una ricerca instancabile, non la rappresentazione di un mondo osservato da lontano, ma la costruzione di un dialogo ravvicinato con la vita stessa, nelle sue verità fragili e insieme potenti.

Riservato, poco incline alla sovraesposizione personale, McIntosh lascia che siano le sue immagini a parlare per lui: corpi comuni, non scolpiti, colti sulle spiagge di Napoli o in altri contesti urbani, sempre restituiti con dignità e verità. Nel tempo ha costruito uno stile personale che ricorda l’occhio corrosivo e affettuoso di Martin Parr, ma con una cifra tutta sua, uno sguardo insieme crudo e compassionevole, che si nutre di contraddizioni.

Autore di libri già fondamentali come On The Beach e Scampia Anno Zero, premiato a livello nazionale e internazionale, McIntosh è un fotografo che riesce a trasformare il quotidiano in racconto universale. Dietro la sua apparente ritrosia si cela un pensiero lucido, netto, mai banale, che rende ogni sua affermazione tanto precisa quanto spiazzante.

Le sue risposte alle nostre domande portano l’inconfondibile segno del suo stile fotografico. Nelle parole asciutte e precise di Robbie si coglie la stessa tensione che attraversa le sue immagini… un equilibrio fragile tra silenzio e rivelazione. Più che semplici risposte, esse ribaltano spesso la prospettiva, con un linguaggio netto, diretto, che alterna rigore e improvvisi slanci poetici. Le sue parole non concedono appigli facili ma lasciano intravedere, senza concedere del tutto, aprendo varchi inattesi che spingono chi ascolta a riconsiderare le proprie domande. E questo aspetto riflette perfettamente le caratteristiche delle sue fotografie.

La sua attenta osservazione del mondo è capace di cogliere la bellezza nelle imperfezioni, la forza nei gesti quotidiani, la poesia nascosta nei corpi e negli spazi che attraversa. La fotografia per lui non è mai separata dalla vita, essa è un modo di percepire, interrogare e restituire l’umanità nella sua interezza. Con lui, fotografia e vita coincidono, perché, come ama ripetere, “tutto è politico. Il corpo è uno strumento politico, ogni cellula è un manifesto ideologico. Tutto è bellezza. Bellezza è verità”.

Lasciamo ora a lui stesso la parola, per scoprire direttamente come osserva, interpreta e racconta il mondo attraverso la fotografia

Robbie McIntosh, il tuo nome d’arte, evoca un suono nordico. Eppure il tuo legame con Napoli sembra intenso, visto che vivi e lavori qui da anni. Come vivi la città e in che misura senti di avere radici o di appartenere a un luogo?

Il mio legame con Napoli è molto meno stretto
di quanto si possa pensare. Non sono neppure nato qui, e non ho neppure
trascorso i primi 8 anni di vita, che sono tra i più formativi in assoluto,
quelli che determinano le possibili traiettorie dell’esistenza umana. Non penso
di avere radici, in senso assoluto. Attecchisco ovunque, e di principio sono
internazionalista. I confini mi stanno stretti, le barriere vanno abbattute, e
i nazionalismi portano solo guerre e odio.

Quando è nata la tua passione per la fotografia? C’è stato
un momento preciso in cui hai capito che avresti voluto farlo sul serio? E
quali autori, fotografi o meno, ti hanno ispirato lungo il cammino?

Ho sempre preso la fotografia molto
sul serio, anche quando non ero un fotografo professionista. Ogni espressione
dell’anima va presa con estrema serietà, perchè si sta maneggiando la vera
essenza dell’uomo. Gli autori, in assoluto, oltre ogni categoria, che più mi
hanno ispirato (per certi versi anche traumatizzato) sono Martin Scorsese,
Hunter S. Thompson, Ciprì e Maresco, Francois Truffaut, Robert Hunter, Gregory
Corso, per citarne solo alcuni.

Provai ad esprimermi con la musica,
ma non avevo né il talento e neppure la disciplina per perseguire quella strada
con soddisfazione (intesa come capacità di realizzare quello che sentivo
interiormente).

Nei tuoi canali e progetti fotografici è raro trovare un tuo
autoritratto o un’immagine che ti ritragga. È una scelta deliberata quella di
restare fuori campo? In che modo questa “assenza” visiva si collega alla tua
idea di fotografo come osservatore silenzioso e discreto?

Non sono mai stato particolarmente a
mio agio dall’altra parte dell’obiettivo, non mi piace la sovraesposizione
della propria immagine, detesto il presenzialismo, soprattutto quello inutile.

Sono già presente in tutte le
fotografie che faccio, è come se in realtà l’obiettivo sia perennemente puntato
verso me.

Non sposo in modo ortodosso l’idea
del fotografo come osservatore silenzioso e discreto, nella maniera bressoniana
del termine. Secondo me è un gioco di equilibri, di esserci e non esserci, di
vuoti e pieni, di suoni e silenzi. Di armonia e senso generale dell’estetica.
E’ necessario gettare dei sassi per smuovere le acque inerti.

Tra i tuoi lavori, mi aveva colpito in particolare la serie sulle statue di Cristo a mani aperte. Cosa ti aveva spinto a soffermarti su quella ripetizione sacra e urbana, e cosa cercavi di raccontare attraverso quelle immagini?

Quella storia delle statue religiose
nacque forse per caso, in un momento di stasi. La religione codificata e
strutturata dall’uomo mi ha sempre messo a disagio. Non condivido il senso del
peccato imposto dalla morale cristiana. La religione mi è stata imposta, e ne
sono scappato presto. Il sacro è in ogni luogo, non solo in quelli preposti al
culto. E’ dentro l’uomo.

“On The Beach” ha segnato il tuo punto di svolta. Cosa ha
trasformato una serie di fotografie balneari in un progetto esistenziale lungo
13 anni? Cos’hai scoperto in quelle persone che ti ha fatto restare così tanto
tempo sulla spiaggia?

Non è stato il punto di svolta, è
stato il punto di inizio, un progetto nato nel 2012. Volevo recuperare la memoria, forse la mia. I pezzi
di qualcosa di mai vissuto personalmente in modo razionale, ma suggestioni di
bambino. Gli odori e i suoni. Salvare quello che c’è da salvare, e secondo me è
molto. Abbattere il pregiudizio sociale, il classismo e lo snobismo. Senza
giudizio, preferisco esprimermi ad un livello emotivo. E’ quello che mi passa
davanti. La città è cambiata parecchio, e continua a farlo. E’ come il
neverending tour. E’ come un treno, o un fiume, che continua a scorrere.

Hai detto che “tutti dovrebbero sentirsi a proprio agio con
un costume addosso”. È una frase potentissima. Fotografare i corpi reali per te
è solo un gesto estetico o anche politico?

E’ un gesto antifascista. On The
Beach è un lavoro più politico di quanto possa apparire ad uno sguardo
superficiale.

Tutto è politico.

Il corpo è uno strumento politico,
ogni cellula è un manifesto ideologico.

Tutto è bellezza.

Bellezza è verità.

Lavori esclusivamente in analogico. In un mondo dominato dal
digitale e dall’istantaneità, perché questa scelta così netta? Cosa cambia,
nella testa, nel cuore e nel corpo, quando si fotografa con la pellicola?

Preferisco che le fotografie
conservino un supporto fisico, un negativo nella fattispecie. Mi piace
l’esperienza di camera oscura, la ritualità, il pensiero che il minimo errore
si debba pagare. E’ necessario avere molta disciplina oltre al talento. Il
cosiddetto background fotografico, oltre alla valenza artistica.

La pellicola ha un limite, e questo
può aiutare nell’evitare di scattare centinaia o addirittura migliaia di
fotografie al giorno.

In “On The Beach” sembri passare da un punto di vista
antropologico a uno poetico, da ironico a struggente. Come scegli cosa
mostrare? E cosa invece decidi deliberatamente di non fotografare?

E’ solo una questione di coerenza
col proprio sentire, istante dopo istante. In certi giorni sono prolisso, in
altri muto.

Il tuo approccio è molto ravvicinato, quasi fisico, eppure
dici che un bravo fotografo deve restare “un fantasma danzante”. Come si
mantiene la giusta distanza quando ci si affeziona così tanto ai propri
soggetti?

E’ lo sforzo maggiore. Restare sul
bordo del cerchio della fiducia. Se si entra troppo, si perde l’integrità
artistica. Se si è troppo fuori, non si riesce a scavare in profondità.

Le tue recenti fotografie dedicate a feste private e
performer burlesque sembrano un cambio di atmosfera. Che legame c’è tra questi
ambienti notturni e le tue spiagge diurne? Cosa cerchi, oggi, nei corpi e nei
volti di quelle serate?

Era semplicemente una serie di
fotografie figlie di un periodo di noia e di assenza di altri stimoli. E’ stato
interessante osservare le due facce della luna. L’uomo e il performer. Dove
finisce l’autenticità e dove inizia la fiction.

Come vivi il fatto che molti dei tuoi soggetti oggi ti
riconoscono, ti chiedono le foto, quasi “recitano” per te? Riesci ancora a
catturare l’autenticità o è cambiata anche la tua fotografia?

E’ un aspetto che mi diverte, ci
gioco sopra e lo uso per prendermi in giro, destrutturare e riscrivere qualcosa
di già fatto e visto.

Stai lavorando su Scampia. Che approccio usi per raccontare
un luogo così carico di pregiudizi, narrazioni già scritte e dolore? Come eviti
il rischio di estetizzare il disagio?

E’ un lavoro finito, a causa della
tragedia nella Vela Celeste nel Luglio 2024, che ha accelerato lo sgombero di
quella e delle altre 2 vele superstiti, e la demolizione della Vela Gialla (di
fatto conclusa pochi mesi fa) e di quella Rossa.

Volevo semplicemente guardare con i
miei occhi, senza pregiudizi. Senza mai aver letto una certa letteratura o
visto determinate fiction.

Avrei voluto continuare il mio
racconto, ma il destino così ha voluto.

Spero solo che le persone innocenti
trovino finalmente pace e dignità.

Estetica ed etica per me coincidono.

Negli ultimi anni hai ricevuto premi importanti e
riconoscimenti anche internazionali. Che rapporto hai con tutto questo? Ti senti
cambiato nel modo di fotografare da quando il tuo lavoro è diventato così
seguito e apprezzato?

Certamente mi soddisfa, e mi spinge
ad andare avanti con maggiore intensità, ma senza forzature.

Mi diverte anche, per certi versi. E
mi divertono anche certe dinamiche che osservo o che mi rapportano.

Ma essenzialmente non sono mai
cambiato.

Se un giorno dovessi smettere di fotografare le spiagge,
cosa ti mancherebbe di più? E cosa credi che mancherebbe a noi che le abbiamo
guardate attraverso i tuoi occhi?

E’ una evenienza che non rientra nei
miei piani.

Guardando avanti, quali saranno i tuoi prossimi progetti?
C’è un ambito su cui desideri lavorare da qui al prossimo libro, una nuova
serie fotografica o un tema che ti affascina?

Ho delle cose in mente, e sto già
lavorando ad altre, sotto traccia.

Ma preferisco mantenere l’assoluto
riserbo.

Contatti

Sito Web Robbie McIntosh Photographer 

Instagram robbie_mcintosh 

Robbie McIntosh

Fotografo professionista nato nel 1977, vive e lavora a Napoli. Al centro della sua ricerca c’è l’umanità, osservata nelle sue unicità e contraddizioni, tra fragilità e forza, silenzio e rivelazione.

Ha pubblicato due libri: On The Beach (2012, giunto alla terza edizione), progetto che segna un punto di svolta nel suo percorso, e Scampia Anno Zero (2023), vincitore del Corigliano Calabro Book Award 2024. Le sue opere, caratterizzate da un linguaggio netto ed essenziale, alternano rigore analitico e improvvisi slanci poetici, mantenendo sempre una tensione tra ciò che svela e ciò che trattiene.

Parallelamente alla produzione editoriale, ha condotto workshop in diversi contesti internazionali, portando avanti una visione della fotografia come missione dello sguardo, strumento critico e politico di indagine sulla realtà.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

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Accompagnare lo sguardo

Roberto Mutti e l’arte di leggere la fotografia

di Giuseppina Irene Groccia |18| Agosto |2025|

Roberto Mutti è uno dei principali storici e critici della fotografia in Italia, attualmente docente presso l’Accademia del Teatro alla Scala e l’Istituto Italiano di Fotografia di Milano, nonché giornalista pubblicista per la Repubblica fin dal 1980. Curatore indipendente e organizzatore di prestigiosi festival e mostre, ha firmato oltre 200 tra saggi, monografie e cataloghi, consolidando una voce autorevole nel panorama culturale nazionale.

La filosofia è stata per lui una lente attraverso cui guardare la fotografia, non come esercizio di forma ma come linguaggio vivo, capace di incidere sulla mente e sulla collettività. Nel suo lungo percorso ha condiviso esperienze con grandi maestri, dal realismo poetico di Kertész alla forza visionaria di Giacomelli, fino alla leggerezza polaroid di Galimberti, ognuno capace, a suo modo, di segnare un punto di svolta. Ma lo stesso sguardo attento e partecipe Mutti lo rivolge a chi muove i primi passi, convinto che il talento possa rivelarsi nei modi più inattesi e fragili. È proprio in quei momenti che il critico deve saper ascoltare, offrendo lo spazio e la cura necessari perché un’intuizione ancora incerta trovi la propria forma.

Accanto alla scrittura e alla curatela, ha dato vita a progetti collettivi come Diorama Progetti Fotografici, nato dal desiderio di costruire uno spazio libero, aperto al confronto e alla ricerca, capace di dare voce a linguaggi laterali e ad autori che spesso restano nell’ombra. La sua riflessione non si ferma mai alla teoria astratta, essa cerca sempre un contatto diretto con gli artisti, con le loro immagini, con chi le osserva. È in questo dialogo continuo che Mutti mantiene uno sguardo limpido e indipendente, attento tanto alle derive del sistema dell’arte quanto alle trasformazioni profonde portate dall’era digitale.

Nel corso di questa conversazione, ci offre un’articolata riflessione sul linguaggio fotografico, ripercorrendone le trasformazioni e interrogandosi sul valore critico che l’immagine assume nel contesto culturale e sociale contemporaneo.

Lei insegna fotografia in contesti molto diversi, dall’Istituto Italiano di Fotografia all’Accademia del Teatro alla Scala. Come cambia l’approccio al linguaggio fotografico tra questi ambienti così diversi?

Non cambia molto anche se, ovviamente, l’Accademia ha un occhio di riguardo per il mondo dello spettacolo mentre l’Istituto è aperto a più diverse visioni. Nel mio insegnamento, tuttavia, inserisco elementi e riflessioni comuni nella convinzione che in fotografia esistono sì specializzazioni ma nella preparazione che deve dare una scuola queste barriere non esistono. Questo approccio comune poi lo devo declinare in modo diverso perché in Accademia lavoro con classi di pochi elementi mentre in Istituto sono molto più numerosi e quindi bisogna mettere in atto modalità differenti.   

Nel suo lavoro curatoriale si nota una grande attenzione al valore narrativo delle immagini. Come si costruisce oggi una mostra che sappia parlare sia all’appassionato che al grande pubblico?

Ogni fotografia possiede un valore narrativo che non appartiene, come si crede, solo al reportage (che oggi viene colpevolmente definito con il buffo neologismo storytelling) ma si può e direi si deve trovare anche nello still life, nel ritratto e soprattutto nella ricerca. Personalmente non ho nessun interesse per il cosiddetto grande pubblico che peraltro in genere ricambia il disinteresse per la fotografia salvo poche lodevoli eccezioni. Le mostre non si costruiscono per il pubblico ma per mettere in luce il lavoro di uno o più autori e lo si deve fare facendosi guidare da un solo elemento che è la sincerità ma non è detto che questa paghi. Faccio un esempio per essere chiaro: la più recente e purtroppo ultima mostra di Salgado sull’Amazzonia è stata visitata da moltissime persone che ne hanno apprezzato la bellezza ma molto meno il messaggio politico di allarme su quanto stiamo facendo al pianeta. Non parliamo poi dei tanti addetti ai lavori che hanno parlato di una deriva estetizzante dimostrando di essere incapaci di ascoltare e vedere, presi come sono dal far sentire i loro non richiesti giudizi.     

Lei ha spesso sottolineato l’importanza di accogliere e indirizzare i giovani fotografi. Qual è l’errore più comune che nota nei progetti emergenti, e cosa cerca invece in un lavoro davvero promettente?

Non mi sento di parlare in generale di una categoria così indefinita come quella dei “giovani fotografi” però se accetta un giudizio necessariamente generico che quindi esclude alcune pregevoli eccezioni, mi sembra che esista un certo diffuso conformismo. È come se gli autori, invece di cercare un personale linguaggio, si impegnassero a seguire quello che in una certa fase riscuote un generale interesse. Basta pensare con quanta superficialità ci si muove nel contesto della cosiddetta street photography senza una vera riflessione sul suo vero significato ontologico. In un lavoro che mi viene presentato cerco l’originalità della ricerca, la consapevolezza critica che la deve accompagnare e, ancora una volta, la sincerità o se preferisce l’autenticità. Si capisce subito se l’autrice o l’autore conosce la storia della fotografia, se ha studiato il passato non per ancorarvici ma per comprenderne la lezione e costruire così il suo percorso.  

Scrive di fotografia da oltre 40 anni: com’è cambiato il ruolo del critico fotografico nell’epoca digitale, dove tutti si sentono autori e recensori?

Tutti hanno diritto di sentirsi autori, recensori, critici e non importa che lo facciano scrivendo su un giornale o sul proprio profilo instagram. Ma per farlo non ci si può improvvisare, bisogna avere l’umiltà di studiare, approfondire e soprattutto ascoltare. Comunque, di superficiali e presuntuosi ce ne sono sempre stati, la novità è che il digitale ha moltiplicato le opportunità: se si è bravi e si ha qualcosa da dire si può far sentire la propria voce. La democrazia ha il limite di regalare spazio anche a chi non lo sa usare ma anche il pregio di aprirsi a chi lo merita.   

Avendo studiato filosofia, ha mai sentito che questa formazione abbia influenzato il suo modo di leggere, interpretare e insegnare la fotografia?

Assolutamente sì. Rispetto ai miei colleghi che provengono da studi artistici, ho constatato di avere un approccio totalmente diverso, non necessariamente migliore ma sicuramente più attento a una visione che include l’estetica ma intende guardare più lontano. Alfred Stiglitz, d’altra parte, diceva che allestire una mostra è come scrivere un saggio di filosofia e a questa massima mi sono spesso affidato, per lo meno quando il tema e gli autori lo suggerivano. La filosofia per me non è stata solo una rivelazione e uno studio molto appassionato ma soprattutto continua ad essere una guida per la vita di ogni giorno e, inevitabilmente, un filtro critico per affrontare anche la fotografia. 

Diorama nasce come spazio di progettualità e riflessione sulla fotografia. Qual è la visione che guida questo progetto e in che modo si inserisce, con la sua identità, nel panorama delle tante realtà curatoriali con cui lei ha collaborato nel tempo?

Diorama Progetti Fotografici nasce da alcune esigenze sia professionali che umane, perché con Cristina Comelli e mio fratello Pierluigi abbiamo avuto l’intenzione di rendere ancor più solido il rapporto di collaborazione anche amicale che ci lega da molti anni soprattutto nell’organizzazione del Milano Photofestival. Condividiamo l’idea di proporre la fotografia come ambito di una riflessione critica sul presente, di ampliare la conoscenza degli autori del passato, di dare spazio a quelle realtà autoriali che hanno difficoltà a farsi notare nel panorama fotografico contemporaneo. Questo ci consente una libertà di azione che rappresenta per noi un bene prezioso.   

Nel corso della sua attività ha curato autori estremamente diversi tra loro, da André Kertész a Maurizio Galimberti, da Mario Giacomelli a Fulvio Roiter. Cosa cambia — e cosa, invece, resta invariato — nell’approccio curatoriale quando ci si confronta con linguaggi così eterogenei?

Ogni volta che si lavora con o su un autore bisogna entrare nel suo mondo. Tempo fa una fotografa mi ha fatto un complimento di cui vado fiero: ha detto che prestavo la stessa attenzione a un autore importante come a un esordiente e che non cambiavo che il mio interlocutore era Gianni Berengo Gardin o una ragazza che mi sottoponeva il suo primo portfolio. Bisogna avere pazienza e dedicare molto tempo se si vuole ottenere un risultato soddisfacente: per la personale di Kertész ho studiato a lungo per realizzare un percorso espositivo originale ma che rispondesse anche al suo spirito. Diverso è quando ci si può confrontare dal vivo con i fotografi: con Fulvio Roiter abbiamo passato lunghe giornate a Venezia a discutere, raccontare, confrontarci, perfino a bisticciare ma il volume che ho scritto per Bruno Mondadori mi ha reso una sorta di suo biografo. Con Enrico Cattaneo e Virgilio Carnisio ho realizzato così tante mostre e libri da diventare un loro critico di riferimento. Con Maurizio Galimberti, per fare un altro esempio, ho un rapporto di amicizia che ci lega fin da quado era un esordiente quasi sconosciuto e lì è emersa la mia capacità di riconoscere il talento soprattutto quando ad altri sfugge.  Per realizzare alla galleria Belvedere  la prima mostra milanese di Mario Dondero e il relativo catalogo, sono stato a casa sua a Fermo, abbiamo passato assieme giornate intere a parlare di politica, di cibo, di calcio perché era tifoso del Genoa, di Cuba, di arte, delle Guerra Civile in Spagna, di Parigi dove ogni tanto ci incontravamo, di donne e, nei ritagli di tempo, abbiamo scelto le fotografie da esporre. Il giorno dell’inaugurazione le abbiamo vendute tutte. Il critico deve sì rimanere sé stesso ma anche essere plastico per comprendere la poetica di chi gli sta di fronte come pure le sue manie: Mario De Biasi era preciso in modo irreprensibile, Mario Dondero perdeva i negativi, Mario Cresci è imprevedibile, Roberto Polillo generoso, Carla Cerati era riflessiva, Giuseppe Pino ombroso. Una volta lo intervistai per Repubblica e, prima di pubblicarlo, gli feci vedere l’articolo che, mi disse, lo aveva deluso. Glielo lasciai chiedendogli dove voleva che lo modificassi e una settimana dopo mi disse che andava tutto bene: aveva voluto mettermi alla prova. Da lì è nata un’amicizia, tre o quattro mostre e due libri. Se avessi reagito male alle sue critiche, come forse avevo il diritto di fare, tutto questo non sarebbe successo. Un’ultima notazione: non lavoro con autori che non stimo o non mi interessano. Ho rifiutato lavori magari ben pagati per questa ragione e mi è capitato di accettare molto meno per aiutare chi mi aveva invece interessato.     

Roberto Mutti insieme a Maurizio Galimberti

Molti grandi maestri della fotografia, negli ultimi anni, hanno espresso il timore che la fotografia “stia morendo”, soffocata dalla sovrapproduzione visiva, dalla superficialità del consumo digitale o, più recentemente, dalle immagini generate artificialmente. Lei, che da decenni osserva l’evoluzione di questo linguaggio, come interpreta queste affermazioni? Ritiene davvero che la fotografia stia perdendo qualcosa di essenziale, o che invece stia semplicemente cambiando pelle?

È il mondo che sta cambiando, come è inevitabile che sia, e di fronte a tutto ciò nel tempo sono state certificate molte morti: si sono decretate quelle della carta stampata, dei libri, della letteratura, della monarchia, della pietà, della poesia, della solidarietà, dello Stato, dell’intero Occidente e perfino di Dio. Tutti soggetti che, magari un po’ acciaccati, continuano ad esistere. Viviamo in una fase di transizione dicono quelli che credono di essere originali (si vive sempre nelle fasi di transizione no?) e la fotografia ha conosciuto una rivoluzione di cui siamo i fortunati testimoni, quella del digitale. Si tratta dell’ennesimo grande cambiamento: chissà cosa pensavano i fotografi che usavano con perizia e attenzione il banco ottico leggendo la pubblicità della Kodak n. 1 che invitava sfrontatamente a limitarsi a schiacciare il bottone per ottenere una fotografia. Certamente la crisi sta mordendo il reportage schiacciato fra il declino delle testate giornalistiche e la ricerca del risparmio ad ogni costo che induce anche molti giornali a scaricare gratis le fotografie da internet. Comunque, non è la fotografia che sta morendo ma semmai è la generale incapacità di leggerla, interpretarla, approfondirla a preoccupare. Banalizzandola, infatti, le si fa perdere il suo intrinseco valore evocativo.   

Dopo oltre 200 pubblicazioni e innumerevoli mostre, qual è oggi, secondo lei, il futuro della fotografia autoriale? E cosa augura ai curatori e critici del domani?

La fotografia autoriale esisterà sempre perché da qualche parte del mondo ci sarà qualcuno che rifletterà sul metalinguaggio, si confronterà con un corpo o un volto, indagherà su un paesaggio, farà vivere di vita nuova un oggetto, sarà testimone di avvenimenti da condividere. Starà ai curatori intercettarli, incoraggiarli, svolgere il ruolo di interlocutori fra loro e il pubblico. Non possiamo sapere quando e in che modo, ma tutto questo sicuramente avverrà. 

 

 

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Roberto Litta

Critico narratore dell’arte italiana

di Giuseppina Irene Groccia |16| Agosto |2025|

Roberto Litta, classe 1966, scrittore, divulgatore e comunicatore, è oggi una delle voci più autorevoli e innovative della critica d’arte contemporanea italiana. Dal liceo scientifico agli studi di giurisprudenza, passando per il marketing, ha seguito un percorso che, lungi dall’essere lineare, gli ha permesso di sviluppare un approccio originale e appassionato. Un metodo critico che lega le opere al contesto storico, filosofico e sociologico degli artisti e dei loro tempi, rendendo l’arte accessibile, viva e dialogica.

Autore di romanzi, soggetti teatrali e saggi, Litta è anche volto della RAI dedicato alla cultura, portando nelle case degli italiani la bellezza dell’arte italiana con eleganza e freschezza narrativa. Il suo lavoro stimola un ascolto attento e sensibile, aprendo nuovi orizzonti di esperienza e offrendo una guida preziosa per le nuove generazioni di artisti e appassionati.

In questa intervista esploriamo la sua visione appassionata e ottimista dell’arte, la capacità di raccontare storie e contesti con rigore e leggerezza insieme, e l’impegno a trasformare ogni opera in un dialogo vivo tra artista e spettatore.

Il Suo percorso non è stato lineare, dal liceo scientifico
alla giurisprudenza, passando per il marketing, fino all’approdo nel mondo
dell’arte. In che modo queste tappe, all’apparenza distanti tra loro, hanno
contribuito a costruire il Suo approccio così originale alla critica d’arte?

La risposta a questa domanda potrebbe sembrare semplice e
diretta: Nella vita spesso ci si trova a cambiare. 

In realtà, io ho cercato di
seguire l’andamento della mia vita, lasciandomi guidare dalle passioni e dalle
domande che mi sono posto lungo il percorso.

Sono sempre stato affascinato dal concetto di diritto. Mi
chiedevo, sin dai tempi antichi, a partire dagli antichi romani, quali fossero
le regole che permettessero una pacifica convivenza tra le persone, in società
che nel tempo sono diventate sempre più complesse. Mi interessava molto capire
il ruolo che il diritto ha avuto — in particolare il rapporto tra diritto
morale e diritto positivo, quello scritto dai giuristi — nel creare le
condizioni per una convivenza civile. In fondo, si tratta di una delle grandi
conquiste dell’evoluzione umana: l’idea di vivere secondo regole condivise,
piuttosto che in balia di soprusi e prevaricazioni.

Poi è arrivato l’incontro con la letteratura. Già ai tempi
del liceo avevo una grande passione per la storia, la filosofia, e per le
dinamiche sociali ed economiche del nostro Paese. Ho iniziato a scrivere
moltissimo: soggetti teatrali, romanzi, e in seguito anche saggi, soprattutto
nell’ambito dell’arte.

Ed è proprio attraverso la passione per la letteratura che
mi sono avvicinato al mondo dell’arte. Da semplice appassionato ho cominciato a
cercare di interpretare i messaggi che gli artisti, fin dai tempi più antichi
ma anche oggi, ci comunicano attraverso le loro opere.

È spesso descritto come un narratore più che un critico. Che
cosa ritiene di guadagnare, e forse anche di rischiare, scegliendo il racconto
e il coinvolgimento emotivo al posto del rigore accademico?

Se per “narratore” intendiamo qualcuno che ha qualcosa da
raccontare, allora sì. Non bisogna pensare che il narratore sia solo colui che
racconta episodi e fatti legati alle arti. Ognuno di noi è portatore di un
pensiero, di una capacità intellettuale, della possibilità di leggere i nostri
tempi e di proporre analisi e soluzioni.

Il Suo metodo critico lega profondamente le opere al
contesto storico, filosofico e sociologico degli artisti e del loro tempo. Come
nasce questo approccio? E cosa l’ha spinta a prendere le distanze da letture
più fredde e convenzionali?

Il coinvolgimento emotivo è molto importante, perché una
lettura fredda, eccessivamente tecnica, a volte allontana il grande pubblico da
una reale possibilità di approfondire l’analisi e di cogliere i messaggi
trasmessi dalle opere d’arte. Questo è ancora più vero oggi, in un’epoca in
cui, a causa dei nuovi dispositivi, le persone sono abituate ad avere poca
concentrazione e a consumare contenuti in pochissimo tempo.

L’idea, invece, di raccontare le storie, gli eventi, le
condizioni socio-economiche, i comportamenti degli artisti e per chi quelle
opere sono state prodotte, diventa un elemento capace di accrescere l’interesse
e mantenere viva la concentrazione.

Per quanto riguarda la critica, ad esempio, l’anno scorso ho
scritto il catalogo ragionato delle opere di Nelvis Fornasin, uno degli ultimi
grandi rappresentanti della pittura paesaggistica napoletana. È stato
considerato, anche da colleghi del settore, uno dei più importanti saggi sulla
pittura napoletana.

C’è molto da raccontare, e chi fa il mestiere del critico
dovrebbe scrivere con frequenza saggi e curatele, per dimostrare — come cerco
di fare io — che la narrazione e la riflessione sono strumenti fondamentali.

Oggi è anche un volto della RAI nei programmi culturali.
Quanto cambia il Suo modo di comunicare l’arte in televisione rispetto a una
mostra, a un saggio o a una conferenza? Quali compromessi impone il mezzo
televisivo, e quali potenzialità offre?

La televisione di oggi si trova a dover competere con altre
piattaforme o con altri dispositivi, bisogna considerare che molte più persone
fruiscono dei contenuti televisivi, o delle piattaforme televisive, attraverso
i propri dispositivi personali.

Per questo è necessario velocizzare il linguaggio, renderlo
comprensibile e rapido. Nelle “pillole” che abbiamo inserito in alcune trasmissioni,
credo che l’esperimento sia riuscito molto bene. La pillola deve incuriosire,
attirare l’attenzione di un certo target e, a partire da lì, portarlo verso
contenuti più specialistici, garantendo poi una certa continuità di fruizione.

Questo è stato anche l’obiettivo di Memorie Italiane– Isegreti di Milano. Abbiamo iniziato raccontando la città di Milano, ma
racconteremo tante altre città e i loro segreti. L’idea era proprio questa:
partire da piccole pillole pubblicate sui social o negli spot, per poi portare
le persone sulla piattaforma, dove hanno seguito Memorie Italiane fino
all’ultimo secondo.

Il Suo amore per l’Italia è tangibile in ogni intervento.
Secondo Lei, qual è il “non detto” dell’arte italiana che meriterebbe di
tornare al centro del racconto culturale contemporaneo?

L’attuale RAI, guidata dall’amministratore delegato
Giampaolo Rossi, presta attenzione anche al ricambio delle persone e alla
valorizzazione del metodo, affinché, come in tutti gli ambiti, che siano
editoriali, culturali, aziendali o industriali, ci siano sane rotazioni e si
verifichi costantemente come i prodotti possano offrire sempre il meglio al
pubblico.

I prodotti che si dimostrano efficienti, efficaci e
funzionanti proseguiranno. Gli altri, come è giusto che avvenga, saranno
archiviati: alcune sperimentazioni che non hanno successo vengono infatti
consegnate agli archivi e alle teche.

Ha più volte affermato che ogni opera è un “dialogo vivo”
tra artista e pubblico. A Suo avviso, come si può educare il pubblico a
mettersi in ascolto, a lasciarsi attraversare da questo dialogo? Che cosa manca
oggi in questo scambio?

Per mia fortuna, mi capita spesso di parlare con stranieri,
e tutti riconoscono la grandezza dell’Italia sia come giacimento culturale, sia
come culla dell’opera lirica. La lingua dell’opera, per tantissimi anni, è
stata l’italiano, e tutti riconoscono la grandezza dei nostri artisti,
architetti, pittori e scultori.

Questa grandezza viene riconosciuta ancora oggi, sia agli
ultimi maestri del secondo Novecento sia ai contemporanei. Questo significa che
il “brand Italia” nell’arte ha sempre funzionato molto; dobbiamo essere noi i
primi a posizionarlo e valorizzarlo.

Spesso vedo che, all’estero, anche piccole opportunità
vengono trasformate in notizie nazionali e internazionali, mentre in Italia
accade che grandissime iniziative culturali, per eccesso di offerta, a volte
non vengano adeguatamente interpretate e valorizzate.

È vero, può capitare che qualche italiano non faccia onore
al nostro Paese, ma bisogna ricordare che l’Italia è un Paese meraviglioso. A
chiunque abbia dei dubbi, dico: basta venire qui e alzare lo sguardo per
ammirare le nostre opere d’arte, le nostre chiese, oppure, più semplicemente,
chiudere gli occhi e ascoltare Cinema Paradiso di Ennio Morricone. Ci si
convincerà che un Paese capace di generare quella cultura musicale e artistica
non può essere un Paese che “va male”, ma resta sempre uno dei vertici migliori
del talento umano.

“Flagellazione di Cristo” di Piero della Francesca, tempera su tavola 1444/1469

Viene spesso definito un “ponte tra passato e futuro”. Come
si può, secondo Lei, valorizzare la tradizione senza che diventi un freno alla
sperimentazione artistica contemporanea?

Il ponte tra passato e futuro è necessario. Studiando gli
artisti, anche del passato, si nota che tutti hanno avuto dei maestri oppure si
sono ispirati a qualcuno. Penso, ad esempio, a quando Salvatore Fiume decise di
diventare pittore: mentre studiava illustrazione a Urbino, si innamorò della
Flagellazione di Piero della Francesca e della Profanazione dell’ostia di Paolo
Uccello.

Ogni artista ha una sensibilità che è stata stimolata e
incuriosita dalla visione di artisti contemporanei o precedenti. Io ho quasi
sessant’anni e considero un mio dovere trasferire ai tanti giovani che oggi si
avvicinano all’arte le storie meravigliose, a volte persino rocambolesche, dei
grandissimi artisti.

Presentare un artista contemporaneo, mettendo in luce le
affinità della sua storia personale o della sua cifra stilistica con un grande
artista del passato, suscita interesse nei confronti dell’arte di oggi e del
pubblico, contribuendo ad aumentare complessivamente l’attenzione verso i nuovi
artisti.

Miracolo dell’ Ostia profanata (predella) di Paolo Uccello (sec.XV)

Molti giovani artisti La considerano una guida. Che
consiglio darebbe a chi, oggi, desidera esprimersi nell’arte ma si sente
scoraggiato da un ambiente che percepisce come elitario o distante?

Il consiglio che do sempre è: cercate il successo, non la
popolarità. Il successo è un participio passato: significa che si è fatto
qualcosa, che si è lavorato a un progetto, che si è costruito uno stile, che ci
si è creduto e che non ci si è fermati alla prima difficoltà.

Noi critici dobbiamo avere la capacità di dare conforto, di
dire a queste persone di non scoraggiarsi, di non guardare solo nell’immediato
alle risultanze commerciali, cioè alle vendite, perché il mercato dell’arte in
Italia oggi può essere molto rallentato, persino fermo, ma questo non deve essere
un deterrente. L’arte è, prima di tutto, espressione del pensiero umano. Finché
c’è un pensiero che si esprime, l’arte italiana, che, lo ripeto, è molto
apprezzata all’estero, continuerà a generare opportunità.

Non a caso, il 5 dicembre a Venezia ci sarà una mostra
importante, Artista d’Europa,  in cui gli artisti italiani dialogheranno con
curatori e grandi artisti di altri Paesi europei. Ormai è inutile parlare
soltanto di confini nazionali: bisogna far conoscere le proprie opere anche
all’estero, e in questo la rete può essere un aiuto prezioso.

La Sua visione dell’arte è frequentemente descritta come
romantica e ottimista. È una scelta consapevole, in un’epoca in cui sembrano
prevalere disincanto e nichilismo?

Ha ragione: mi preoccupano molto i Paesi, come quelli che
stiamo vedendo in Occidente e anche in Italia, in cui tutti desiderano le
stesse cose. Tutti vogliono avere una vita agiata, essere ricchi; ma quando i
desideri diventano uguali per tutti, vengono a mancare le differenze e prevale
l’omologazione.

Noi, invece, abbiamo bisogno di tanta passione in materie
differenti, perché con la passione si possono raggiungere picchi di eccellenza
in qualsiasi attività umana. Forse per troppi decenni si è ripetuto, lo ricordo
anche da giovane, che bisognava studiare qualcosa che permettesse di trovare
subito un lavoro. Oppure, se uno aveva il padre notaio, studiava legge; se
aveva il padre medico, studiava medicina; se farmacista, farmacia… e così via.

Invece dobbiamo ascoltare le passioni. Bisogna lottare nella
vita, e quando si capisce di avere una passione molto forte, io l’ho capito per
l’arte, bisogna intraprendere quella strada con tanto impegno e sacrificio. I
risultati, alla fine, arrivano sempre: il lavoro paga, senza alcun dubbio.

Guardando al futuro, quale ruolo immagina per sé nel
panorama culturale italiano? E quale “non ancora detto” sente di voler
raccontare, magari proprio attraverso il linguaggio della televisione?

Credo che, nel nostro Paese, occorra ancora un grande
sforzo di conciliazione culturale. Abbiamo troppe ideologie contrapposte,
troppe visioni dell’arte e della cultura in contrasto. Invece avremmo bisogno
di costruire luoghi di riflessione e spazi di condivisione, dove ciascuno possa
arricchirsi di una parte del sapere degli altri.

Penso che questa sia una strada fondamentale, perché
conciliando si costruisce una comunità forte. I nostri ragazzi dovranno
affrontare sfide ormai globali, internazionali: le loro competizioni non
saranno soltanto con altri giovani italiani, ma con ragazzi di tutto il mondo.
Per poter competere su quei tavoli, serviranno grande capacità,
specializzazione e impegno.

Abbiamo bisogno di una comunità che comprenda che l’impegno,
il merito e le competenze rappresentano una sfida non più rinviabile, e che non
esistono scorciatoie. Forse per troppo tempo ai nostri giovani sono state
insegnate scorciatoie.

L’arte può e deve aiutare a indicare una strada maestra per
vivere bene la propria vita. 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

 

 

 

 

La sezione Interviste del nostro blog ospita periodicamente artisti, galleristi, critici d’arte, letterati e autorevoli operatori culturali, selezionati per la loro capacità di offrire contributi significativi alla valorizzazione e diffusione di temi rilevanti nel panorama artistico contemporaneo. 

 

 

 

 

 

 

 

 

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FaRg² 

Arte come Alleanza, Espressione e Rinascita

di Giuseppina Irene Groccia |16|Maggio|2025|

Nato dall’unione di due visioni artistiche forti e indipendenti, FaRg² è il duo composto da Francesca Bice Ghidini e Alessandro Rinaldoni, che ha dato vita a un linguaggio pittorico originale, profondo e umano. In un costante dialogo tra tecnica e istinto, materia e spirito, i due artisti costruiscono opere in cui l’astratto incontra il figurativo, in un’armonia fluida che dà forma a tematiche esistenziali, sociali e identitarie.

Le loro creazioni, nate da un processo a quattro mani che fonde la fluid art con l’intervento figurativo, esplorano la fragilità e la resilienza dell’essere umano, portando in superficie emozioni complesse e spesso taciute. Le opere di FaRg² non sono solo visioni estetiche, ma atti di resistenza, speranza e rinnovamento: per Alessandro, che ha trovato nell’arte una potente risposta alla propria disabilità, e per Francesca, che fa della pittura uno strumento per coltivare empatia e bellezza.

Fortemente impegnato anche sul piano etico, FaRg² intreccia la propria ricerca creativa con un percorso di solidarietà concreta, promuovendo progetti a favore dell’inclusione sociale e collaborando con realtà come l’Ordine dei Cavalieri di San Lazzaro. Le loro opere diventano così ponti di connessione tra individuo e collettività, tra arte e vita, dimostrando come la bellezza possa essere veicolo di cambiamento.

Attraverso un uso intenso e simbolico del colore, una profonda intesa reciproca e una visione del mondo condivisa, FaRg² propone una pittura che emoziona e invita a riflettere, offrendo allo spettatore non solo immagini, ma anche una possibilità di rispecchiamento e di ascolto. Il loro progetto si evolve continuamente, aprendosi a nuovi formati, oggetti di design, produzioni ibride e messaggi visivi che superano i confini tradizionali dell’arte per farsi esperienza viva e partecipata.

A seguire, una conversazione a più voci che approfondisce visioni,
percorsi e riflessioni condivise con Francesca Bice Ghidini e Alessandro Rinaldoni,
le due anime del duo FaRg²

Potete raccontarci com’è nato il vostro percorso artistico
comune? C’è stato un momento preciso in cui avete capito che unire le vostre
esperienze sarebbe stato qualcosa di più di una semplice collaborazione?

Alessandro: ‘’Francesca stava per pubblicare il suo terzo
libro di poesie, con mia sorpresa mi ha chiesto di collaborare per realizzare
la copertina, così è nato “La Ricerca dell’ Infinito“, il primo quadro del duo
FaRg², ci è subito stato chiaro che da quel momento per noi si presentava un
nuovo percorso artistico ricco di possibilità.‘’

Il vostro progetto nasce dall’incontro di due esperienze
artistiche forti e distinte. In che modo la vostra collaborazione ha
influenzato, o trasformato, il modo in cui ciascuno di voi affronta il
processo creativo?

Francesca: ‘’ Nessuna trasformazione, in quando entrambi
stiamo continuando a dipingere anche singolarmente. Diciamo più un
arricchimento, perché collaborare insieme alla realizzazione di un’opera ci
risulta particolarmente naturale. Alessandro prepara con la fluid paint gli
sfondi in libertà cromatica. Io appena li vedo, colgo elementi che mi ricordano
figure, che faccio ‘uscire’ alle curvature del colore, in modo molto naturale.
Tutta la composizione viene infine terminata con particolari da entrambi’’

Alessandro: ‘’Condividere e mettere a confronto i nostri
punti di vista e le nostre tecniche artistiche ha ampliato e potenziato la
creatività di entrambi, confrontarsi ci stimola e ci spinge a continuare e
ricercare soluzioni sempre nuove.”

Le vostre opere affrontano tematiche profonde come
l’identità, la fragilità umana e il mondo femminile, attraverso una ricca gamma
cromatica e materica. Come scegliete i soggetti e quali messaggi sperate
arrivino a chi osserva?

Francesca: ‘’Noi abbiamo una visione del mondo affine.
Questo facilita il nostro lavoro di artista perché vogliamo emozionare e
sensibilizzare lo spettatore su tematiche comuni. Inoltre aggiungiamo quel
pizzico di spensieratezza e speranza per fare in modo che le nostre opere siano
di conforto.”

Alessandro, hai trovato nella pittura una forma di rivalsa
personale e fisica dopo una prova importante. Francesca, per te l’arte è
strumento di speranza e positività. In che modo questi approcci individuali si
fondono nella vostra produzione comune?

Alessandro:’’ L’arte è diventata la mia risposta, la mia
sfida silenziosa ma potente contro la malattia invalidante che ha colpito il
mio corpo. Quando il fisico ha iniziato a impormi dei limiti, ho scelto di non
arrendermi. Ho deciso di esplorare ciò che restava libero: la mente,
l’immaginazione, la creatività.

Studiare, approfondire, sperimentare: ogni gesto artistico è
diventato un atto di resistenza, un modo per affermare che, nonostante tutto,
posso ancora creare bellezza, posso ancora comunicare, posso ancora lasciare un
segno.

L’arte mi ha dato una nuova identità, non definita dalla
malattia ma dalla mia capacità di trasformare il dolore in espressione, la
fatica in colore, la fragilità in forza. È così che ho trovato la mia strada:
nonostante le difficoltà, o forse proprio grazie ad esse, ho scoperto un
linguaggio che parla per me, che racconta la mia storia e che, spero, possa
ispirare anche altri.”

Francesca: ‘’L’Arte come Rinnovamento, Emozione e Speranza”

Per me, l’arte è un atto di rinnovamento continuo. È
emozione pura, è fiducia nel presente e speranza nel futuro. Ogni mia opera
nasce dall’istinto e si nutre di empatia: non progetto, sento. Lascio che siano
le emozioni a guidare la mano, che siano i colori a raccontare ciò che le
parole non riescono a dire.

Credo profondamente che l’arte possa aiutare il mondo. Chi
pensa come un artista coltiva la speranza, abbraccia l’innovazione e guarda al
futuro con stupore. È questo sguardo incantato, quasi infantile, che cerco di
restituire attraverso le mie figure fantasiose: creature nate
dall’immaginazione, simboli di un mondo possibile, più gentile e luminoso.

Il mio obiettivo è semplice ma potente: guardare il mondo
con gli occhi di un bambino felice. In questo sguardo c’è la chiave per
cambiare le cose, per costruire ponti, per ispirare.

Anche la beneficenza è parte integrante del nostro percorso
artistico. Con il duo FARG2, ci impegniamo concretamente a promuovere e
sostenere cause solidali, collaborando con la ONLUS dell’Ordine dei Cavalieri
di San Lazzaro. Perché l’arte, quando è autentica, non può che essere anche un
atto d’amore verso gli altri.

FaRg² non è solo arte visiva, ma anche impegno sociale e
umano. In che misura credete che l’arte debba farsi carico di una
responsabilità verso la collettività? E quali sono i prossimi passi del vostro
percorso in questa direzione?

Francesca: “FaRg² nasce da un profondo desiderio di
contribuire attivamente a un progetto di solidarietà e beneficenza, mettendo
l’arte al centro come strumento di connessione, ispirazione e cambiamento.
L’arte, infatti, ha il potere unico di parlare direttamente al cuore delle
persone, superando barriere linguistiche e culturali, e diventando un veicolo
potente per trasmettere messaggi di empatia, speranza e impegno sociale.
Attraverso le sue creazioni, FaRg² intende non solo sostenere cause meritevoli,
ma anche sensibilizzare il pubblico, stimolare riflessioni e promuovere una
cultura della condivisione e dell’altruismo.”…

Come descrivereste il vostro stile congiunto e in che modo è
cambiato o si è evoluto da quando avete iniziato a lavorare insieme come FaRg²?

Il nostro è uno stile che guarda in particolar modo alla
resa estetica e decorativa, offrendo spunti per messaggi semplici diretti e
chiari. Da quando è iniziata la nostra collaborazione stiamo sperimentando
tecniche e visioni inserendo nel nostro mondo creativo oltre alle opere su tela
composizioni che variano da prodotti brandizzati con le immagini da noi create
(come abiti, accessori, monili)

Come si sviluppa il vostro processo creativo a quattro mani?
Ci sono tecniche, fasi o rituali che seguite per armonizzare le vostre idee e
trasformarle in un’unica opera?

Francesca:’’ Nelle prime fasi Alessandro crea con la tecnica
della fluid art lo sfondo che impiega 3 o 4 giorni per asciugarsi, fatto questo
la tela passa a me per completare e ridefinire l’opera con soggetti
sentiti;  va detto che durante le fasi
creative nessuno dei due interferisce nel lavoro dell’altro.

Lavorare insieme implica un confronto costante. Trovate
ispirazione solo nella vostra sinergia o cercate anche stimoli da ambienti
collettivi come eventi, workshop o progetti condivisi con altri artisti?

È tutto molto spontaneo, nulla di forzato o complicato, ogni
evento rappresenta uno stimolo non si può mai dire da dove arrivi
l’ispirazione.

Che tipo di rapporto cercate di instaurare con il pubblico?
Le reazioni delle persone influenzano in qualche modo il vostro lavoro o i
vostri messaggi?

Noi FaRg² cerchiamo sempre di trasmettere al pubblico che
osserva le nostre opere l nostro messaggio per il sociale perché più persone
prendono la decisione di contribuire maggiore e il bene che si può fare. Cerchiamo
di instaurare con il pubblico un rapporto autentico, basato sull’ascolto, sul
dialogo e sulla condivisione. Non vogliamo limitarci a trasmettere un messaggio
unidirezionale, ma puntiamo a creare uno scambio, un’interazione viva che
arricchisca entrambe le parti. Il nostro obiettivo è far sentire le persone
coinvolte, comprese e, quando possibile, ispirate.

Le reazioni del pubblico sono fondamentali: ci aiutano a
capire se stiamo comunicando in modo efficace, se i nostri contenuti risuonano
con chi ci segue, e ci offrono spunti preziosi per evolverci. Non si tratta di
rincorrere il consenso, ma di rimanere in ascolto, pronti a ricalibrare il
nostro approccio quando necessario, mantenendo però saldi i nostri valori e la
nostra visione.

Qual è, secondo voi, il ruolo dell’arte nella società
contemporanea e in che modo sentite che il vostro progetto artistico possa
contribuire a questo dialogo sociale e culturale?

Francesca:’’ Il ruolo dell’arte nella società contemporanea
è, a mio avviso, quello di essere uno spazio di riflessione, di critica e di
connessione. In un mondo sempre più frammentato e veloce, l’arte ha la capacità
unica di rallentare il tempo, di porre domande invece di offrire risposte
immediate, e di creare ponti tra persone, culture e visioni del mondo
differenti. È un linguaggio universale che può parlare anche quando le parole
falliscono, e che può accendere consapevolezze, emozioni e dialoghi profondi.

Il mio progetto artistico si inserisce in questo contesto
come un tentativo di esplorare le tensioni tra identità individuale e
collettiva, tra memoria e presente, tra intimo e politico.”

Alessandro:
’Attraverso la nostra ricerca artistica, cerchiamo di dare forma visiva a
domande che riguardano tutti noi: chi siamo? Cosa ci unisce? Come possiamo
ascoltarci davvero?

Credo che l’arte non debba solo essere osservata, ma vissuta
e condivisa. Per questo motivo, il mio lavoro mira a coinvolgere il pubblico in
modo attivo, stimolando una partecipazione emotiva e intellettuale che possa
generare nuove prospettive. In questo senso, il mio contributo al dialogo
sociale e culturale è quello di offrire uno spazio aperto, inclusivo e
sensibile, dove le differenze non siano barriere ma occasioni di arricchimento
reciproco.’’

Quali difficoltà avete incontrato lungo il vostro cammino
come duo artistico, e come siete riusciti a superarle insieme?

Una delle sfide più grandi che abbiamo affrontato come duo
artistico è stata farci riconoscere come duo. Alcuni sostenevano che lavorare
insieme fosse inappropriato;  ci siamo
scontrati con dinamiche poco trasparenti: organizzatori di mostre poco
professionali, promesse non mantenute da presunti manager dell’arte, e
situazioni in cui il nostro lavoro veniva sottovalutato o sfruttato.

Queste esperienze ci hanno messo alla prova, ma ci hanno
anche reso più consapevoli e determinati. Abbiamo imparato a selezionare con
più attenzione le collaborazioni, a proteggerci e a credere ancora di più nella
nostra visione. Il sostegno reciproco è stato fondamentale: nei momenti di
delusione, ci siamo ricordati a vicenda perché abbiamo iniziato questo percorso
e quanto valore ha ciò che creiamo insieme.

Oggi possiamo dire che ogni ostacolo ci ha resi più forti,
più uniti e più autentici nel nostro modo di fare arte.”

Recentemente avete partecipato a Everland Art Percorsi di
Ricerca, il premio internazionale dell’associazione culturale Athenae Artis.
Com’è stata questa esperienza per voi? Cosa vi ha lasciato, sia a livello
personale che artistico? 

Partecipare a Everland Art – Percorsi di Ricerca, il
premio internazionale promosso dall’associazione culturale Athenae Artis, è
stata un’esperienza profondamente arricchente, sia dal punto di vista umano che
artistico.

A livello personale, ci ha dato l’opportunità di
confrontarci con artisti provenienti da contesti e percorsi molto diversi dal
mio, creando un dialogo autentico e stimolante. L’atmosfera di condivisione e
apertura che si è respirata durante l’evento ha rafforzato in me la convinzione
che l’arte sia uno strumento potente per costruire ponti tra le persone e le
culture.

Dal punto di vista artistico, è stata un’occasione preziosa
per mettere alla prova la nostra ricerca, ricevere feedback qualificati e
riflettere sul mio percorso creativo. Il confronto con le opere degli altri
partecipanti ci ha spinto a interrogarci su ciò che voglio comunicare e su come
possiamo evolvere ulteriormente.

In sintesi, Everland Art ci ha lasciato un senso di
gratitudine e una rinnovata motivazione a proseguire nella nostra ricerca, con
maggiore consapevolezza e apertura. Tutto questo grazie a Maria di Stasio, il
critico d’arte Mariangela Bognolo e alla Galleria il Leone che ci ha ospitati
facendoci sentire a casa.

Guardando al futuro, quali progetti avete in cantiere? 

Abbiamo molte idee nuove, che riguardano realizzazioni di oggetti di design,
prodotti brandizzati ed esposizioni. Stiamo lavorando sul nostro Messaggio, che
lega l’arte e la creatività al sociale e siamo membri della Onlus dell’ordine
Militare ed Ospedaliero di San Lazzaro di Gerusalemme.

Contatti

Alessandro Rinaldoni

Email alraynos@gmail.com
Phone 371 319 27 96

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Il Cuore del MUPA

Conversazione con il Direttore 

Piero Giannuzzi

di Giuseppina Irene Groccia  |13|Maggio|2025|

Ho conosciuto Piero Giannuzzi, direttore del MUPA, in occasione della mostra Percorsi, un progetto espositivo tenutosi presso il suo museo, al quale ho avuto il piacere di partecipare e collaborare attraverso il mio blog L’ArteCheMiPiace.

Da subito, mi ha colpito la sua accoglienza sincera e la visione nitida con cui conduce ogni iniziativa culturale: uno sguardo aperto, motivato, inclusivo, in grado di trasformare l’arte in esperienza condivisa. La sua determinazione è palpabile, così come la cura con cui affronta ogni aspetto organizzativo, capace di dare forma a eventi di grande qualità.

Professionista dell’immagine, fotografo per mestiere ma soprattutto per passione, Piero Giannuzzi ha saputo portare il linguaggio fotografico, insieme a molteplici espressioni artistiche, dalla pittura alla scultura, dall’arte digitale alla grafica, fino all’installazione e alla videoarte, dentro una realtà museale viva e dinamica, perfettamente integrata in un contesto storico di rara bellezza.

Il MuPa, ospitato in un elegante palazzo settecentesco restaurato nel cuore di Ginosa (TA), è oggi un punto di riferimento per l’arte contemporanea e la sperimentazione culturale, dove tradizione e innovazione si fondono armoniosamente.

Ma il MuPa è anche qualcosa di più profondo: è un omaggio sentito a una figura cara, alla quale è dedicato l’intero progetto.

Questa radice personale ne alimenta lo spirito, rendendolo sì un luogo di esposizione, ma anche di connessione, dialogo e appartenenza. Qui la cultura non si contempla da lontano, ma si vive, si condivide, si costruisce insieme.

In questa intervista, Piero Giannuzzi ci racconta la nascita e l’anima del MuPa, i valori che lo ispirano, le difficoltà del suo ritorno nella terra d’origine, e la sua instancabile volontà di dare futuro alla bellezza. 

Un dialogo che è, prima di tutto, un atto d’amore verso l’arte, il territorio e le persone.

 

Puoi raccontarci la storia della nascita del MuPa? Qual è stata l’idea iniziale che ha dato vita a questo museo?

 

Tutto è nato da un desiderio semplice, ma ambizioso: creare uno spazio in cui la cultura potesse essere davvero di tutti, e per tutti. Il MuPa non nasce come un “museo tradizionale”, ma come un polo culturale vivo, aperto, capace di abbracciare l’arte, la storia, la creatività e il dialogo sociale in tutte le loro forme. Fin dall’inizio, l’idea fondante è stata quella di costruire un luogo che potesse diventare un punto di riferimento per la comunità: non un contenitore statico, ma un cuore pulsante di esperienze condivise.

 

Ciò che rende unico il MuPa è la sua vocazione inclusiva. Non è stato pensato solo per raccontare, ma per accogliere: persone, idee, prospettive diverse. Ogni attività del MuPa ha un obiettivo chiaro: generare connessioni, creare appartenenza. Siamo in questo senso, un crocevia di linguaggi e visioni. Un luogo dove l’arte incontra il territorio, dove la memoria si intreccia con il futuro, dove la cultura non si visita, ma si vive.

 

Il MuPa ha una dedica speciale, in onore di una persona a cui tieni moltissimo. Ci puoi raccontare chi era e quale legame speciale ti ha ispirato a creare questa realtà museale?

Il MuPa porta dentro di sé una dedica speciale, forse la più importante: è nato da un’idea di mio suocero, Fernando Ria, padre, suocero, fratello, amico, ogni cosa. Una figura che ha lasciato un’impronta indelebile nella nostra comunità e nella nostra vita personale. Era una mente brillante, sempre un passo avanti rispetto al suo tempo, capace di vedere possibilità e connessioni dove gli altri vedevano solo ostacoli. Adesso che lui non è più tra noi, andiamo avanti anche per onorare la sua memoria. Ma ciò che lo rendeva davvero straordinario era il suo modo di mettere sempre gli altri al centro. Non c’era ambizione personale che venisse prima del bene comune, non c’era idea che non includesse un pensiero per chi aveva meno, per chi era ai margini. Il suo senso profondo di giustizia sociale, la sua capacità di ascolto e la sua visione inclusiva del futuro sono stati per me e per noi tutti una guida silenziosa ma costante. A lui dobbiamo molto, è andato via maledettamente troppo presto, ed il vuoto lasciato è enorme ma non lo colmeremo, non si può. 

Il MuPa, con la sua vocazione culturale aperta e partecipativa, con il suo desiderio di costruire legami e generare bellezza condivisa, è anche un modo per continuare il suo pensiero, per renderlo ancora vivo. Ogni progetto, ogni incontro, ogni sguardo curioso che entra nel nostro spazio culturale è, in un certo senso, un piccolo omaggio a ciò che lui ha seminato.

 

 

 

 

 

 

Quanto è stato importante il legame con il territorio nella creazione di questa realtà museale?

 

Il legame con il territorio è stato, fin dall’inizio, il cuore pulsante del MuPa. Amiamo profondamente questa terra, le sue radici, le sue storie, e sentiamo una responsabilità autentica nel prendercene cura. È proprio da questo amore che è nata la spinta a creare qualcosa che potesse restituire valore, che potesse dare nuova linfa alla nostra città, troppo spesso dimenticata o sottovalutata. Il MuPa è la risposta a un bisogno profondo: quello di far ripartire la città culturalmente parlando, non con grandi proclami, ma con piccoli gesti significativi che riaccendano il senso di appartenenza, la partecipazione, l’orgoglio di essere parte di un luogo che ha ancora tanto da raccontare. Ginosa, con la sua storia millenaria e la nostra Gravina, ne sono testimoni silenziosi e potenti. Il nostro territorio è la nostra radice e il nostro orizzonte. E se oggi il MuPa esiste, è perché crediamo che la cultura sia uno dei modi più potenti per far germogliare un futuro migliore, a partire da qui

 

 

 

 

 

Qual è la missione principale del MuPa e come si distingue da altre realtà museali?

 

Mi piace dire che il MuPa è un po’ come una vecchia osteria a conduzione familiare: un luogo autentico, dove ci si conosce per nome, dove si entra con curiosità e si esce con il cuore un po’ più pieno. Non ci interessano le etichette o le formalità: vogliamo toccare per mano i nostri ospiti, guardarli negli occhi, farli sentire accolti, ascoltati, coinvolti.

 

La nostra missione principale è l’inclusione sociale. Quella vera, non di facciata. Crediamo in una cultura che non isola, ma unisce. In un’arte che non seleziona, ma abbraccia. Il MuPa si distingue perché non mette le persone davanti a un’opera d’arte e basta, ma le invita a farne parte, a dialogare, a costruire insieme. Non vogliamo essere un “museo da visitare”, ma uno spazio da vivere. Al MuPa, la cultura non ha un piedistallo, ma una tavola imbandita, pronta ad accogliere chiunque abbia voglia di condividere.

 

 

 

Hai affermato che viviamo in un’epoca di “distruzione culturale”. In che modo il MuPa si pone come risposta a questa crisi e come può contribuire a un cambiamento positivo?

 

Sì, credo davvero che stiamo vivendo un’epoca di distruzione culturale. Un tempo in cui si parla tanto, ma si ascolta poco. In cui si guarda tutto, ma si osserva niente. In questo contesto svuotato di contenuti e di profondità, il MuPa vuole essere una piccola, ma concreta risposta. Un luogo in cui risvegliare coscienze assopite, soprattutto nei più giovani.

Vogliamo vedere i nostri ragazzi lasciare per un momento il cellulare, raddrizzare quella schiena ormai curva su uno schermo, e scoprire il piacere di perdersi dentro un libro, di emozionarsi davanti a un dipinto, di lasciarsi attraversare da una melodia o da una fotografia che racconta più di mille parole. Non perché siamo nostalgici del passato, ma perché crediamo nel potere trasformativo della cultura, quella vera. Quella che accende scintille.

 

 

 

Il MuPa offre ai visitatori esperienze immersive attraverso visori VR e contenuti cinematografici in realtà virtuale. Come è nata l’idea di integrare queste tecnologie e qual è la risposta del pubblico?

 

L’idea di integrare la realtà virtuale all’interno del MuPa è nata dal desiderio di rendere la cultura ancora più accessibile, emozionante e coinvolgente, soprattutto per le nuove generazioni. Viviamo in un mondo dove la tecnologia è parte integrante della quotidianità: invece di combatterla, abbiamo deciso di abbracciarla e usarla come ponte, non come barriera. Ad esempio poter visionare un posto lontano, piuttosto che le nostre chiese rupestri, magari inaccessibili, anche solo posizionando un visore sul volto beh, credo sia pura poesia. Magari chi non può “fisicamente” o “economicamente” affrontare viaggi di un certo tipo, viene qui, si accomoda e li vive, si, in modo differente, ma li vive.

 

Ci piace pensare al VR non come un semplice strumento “tecnologico”, ma come una nuova forma di narrazione, un modo per entrare dentro le storie, per viaggiare nel tempo e nello spazio, per vivere l’arte e la memoria con tutti i sensi. La risposta del pubblico ad oggi è stata sorprendente. Dai bambini agli anziani, vediamo nei loro occhi la meraviglia di chi riscopre la cultura in modo nuovo, immersivo, quasi magico. Molti ci dicono che grazie ai visori hanno “sentito” davvero ciò che stavano guardando. E per noi, questo è il segnale più bello: significa che stiamo riuscendo a far passare emozioni, non solo informazioni.

 

 

 

Le sei sale del MuPa sono dedicate a icone dell’arte italiana come Caravaggio, Fellini e Morricone. Qual è stato il criterio di scelta e come dialogano questi nomi con l’identità del museo?

 

La scelta di dedicare le sei sale del MuPa a figure come Caravaggio, Fellini, Morricone, Alighieri, Fracci e De Filippo non è stata casuale, né puramente celebrativa. Al contrario, è nata da un bisogno profondo: quello di costruire un dialogo tra passato e presente, tra eccellenza e quotidianità, tra genio e umanità, utilizzando i nomi di chi con la propria arte ha fatto in modo che il nome della nostra nazione fosse presente ovunque e per sempre. Abbiamo scelto queste icone perché incarnano valori che ci stanno a cuore: l’audacia creativa, l’originalità, la capacità di raccontare l’animo umano in tutte le sue sfumature. Caravaggio con la sua luce che scava nell’ombra, Fellini con il suo sguardo visionario sull’uomo, Morricone con la musica che diventa emozione pura e cosi via.

 

 

Dopo la tua formazione fuori, hai scelto di tornare e investire nella tua terra. Cosa ti ha spinto a questa decisione e quali sono le difficoltà e le soddisfazioni maggiori che hai incontrato?

Ho scelto di tornare e investire nella mia terra perché credo profondamente che lasciare le proprie radici sia un errore che non deve mai accadere, né mentalmente né fisicamente. Ginosa è una terra ricca di potenzialità, di storia, di cultura: può crescere, può fiorire, ma solo se siamo noi a crederci e a impegnarci per costruirne il futuro. Se andiamo tutti via, non accadrà mai. La decisione di tornare non è stata semplice: le difficoltà sono tante, dalla burocrazia lenta alla mancanza di infrastrutture, dalle resistenze al cambiamento alle sfide economiche quotidiane. Ma le soddisfazioni ripagano ogni sforzo: vedere i frutti del proprio lavoro sul territorio, creare opportunità per altri giovani, ridare valore a tradizioni e risorse locali è una gioia che non ha prezzo. E sapere di contribuire, anche nel mio piccolo, al riscatto della mia terra è la motivazione che ogni giorno mi spinge ad andare avanti.

 

 

 

 

 

Opere fotografiche di Piero Giannuzzi

 

 

La tua carriera di fotografo è ricca di esperienze significative. Ci puoi raccontare come è iniziato il tuo viaggio nel mondo della fotografia?

 

La fotografia mi ha affascinato da sempre. Fin da piccolo ero incuriosito da come fosse possibile fermare un’immagine, catturare un attimo che altrimenti sarebbe svanito. Da questa meraviglia nasce anche il nome del mio studio fotografico: Kaleidoscopio. Ho scelto questo nome perché rappresenta il mio modo di vedere il mondo, fatto di infinite combinazioni di colori, forme, prospettive. Mi ha sempre colpito pensare a come, già secoli fa, qualcuno come Niépce sia riuscito a immaginare e realizzare un mezzo per fissare ciò che si osservava, per renderlo eterno. È proprio da questa curiosità e da questo stupore che è iniziato il mio viaggio nel mondo della fotografia.

 

 

 

Il MuPa ha dimostrato un forte impegno nel coinvolgere giovani artisti attraverso iniziative come open call e mostre collettive. Quali strategie specifiche avete adottato per attrarre e supportare i giovani talenti, e come vedi il ruolo del museo nel facilitare l’ingresso delle nuove generazioni nel panorama artistico contemporaneo?

 

 

 

Il MuPa ha sempre creduto che il futuro dell’arte passi attraverso il sostegno ai giovani talenti. Per questo abbiamo adottato strategie mirate per attrarre e supportare i giovani artisti, a partire dalle open call accessibili e trasparenti, che permettono una selezione inclusiva e meritocratica. Abbiamo creato spazi dedicati a mostre collettive o workshop, offrendo non solo luoghi espositivi ma anche momenti di confronto, formazione e networking con artisti affermati e professionisti del settore. Crediamo che il museo debba essere più di un contenitore: deve diventare un incubatore di idee e progetti, un ponte tra le nuove generazioni e il panorama artistico contemporaneo. Il nostro obiettivo è dare ai giovani artisti gli strumenti e le opportunità per esprimersi, crescere e posizionarsi all’interno di un mercato complesso, senza snaturare la propria voce creativa. È una sfida continua, ma anche una grande responsabilità e un privilegio.

 

 

 

 

 

Quali sono i progetti in cantiere per il futuro del MuPa?

 

Il nostro obiettivo per il futuro del MuPa è continuare a crescere, alzare sempre più l’asticella e consolidarci come un vero e proprio polo culturale di riferimento. Vogliamo ampliare la nostra offerta, coinvolgendo un pubblico sempre più grande e diversificato, attraverso nuove mostre, eventi multidisciplinari, collaborazioni con artisti nazionali e internazionali, e attività educative rivolte a tutte le fasce d’età. Stiamo lavorando per rendere il MuPa un luogo vivo e dinamico, dove l’arte si intreccia con il territorio e con la comunità, capace di generare dialogo, confronto e crescita. È una sfida ambiziosa, ma siamo determinati a portarla avanti con passione e visione.

 

Il MuPa è anche il frutto di una rete di persone, imprese e realtà che hanno creduto nel progetto sin dall’inizio. Vuoi dedicarci un pensiero per ringraziare chi ha scelto di camminare accanto a te in questo viaggio culturale?

 

Una dedica speciale va a tutti coloro che ci sostengono continuando a credere nella cultura come luce che guida e radice che unisce, il nostro più profondo grazie. Professionisti ed imprese della nostra terra siete il respiro vivo di un sogno condiviso. Con voi, ogni pagina scritta ha più voce. State tenendo la mano ai nostri ragazzi, al loro futuro, ai loro sogni. Ogni fiducia data alla cultura è un seme piantato nei cuori delle nuove generazioni. Qualcuno deve pur farlo e se ci uniamo, possiamo rendere le cose meravigliose. 

 

Grazie a: AbaBio, Agri Ionica Srl, Alima Cooperativa Onlus, Arco Antico Ristorante, Autoservice Sannelli, AVIS Ginosa, Biffy Ristorante, Caffè 25, Cemab Srl, Cienne Autoricambi, Clan Pub, ClimaSat di Sante Bracciale, Drink Planet, Eclipse, Eden Spazio Bellezza, EdilArt s.c., Edil Maggi SRL, EdilLux Tamburrano SRL, Eurospin F. Ribecco, Farmacia Sangiorgio, Festa Allianz, Future Center di Patremia Paolo, Galante Consulenza e sviluppo Commerciale, Genera Innova Srl, Global Service Impianti, Graficam, Humana Life&Joy, Il Piccolo Principe Casa Vacanza, Il Praedio della Reale – Bio Agriturismo, Intelligere Moda, Jonica Bio, KaleidoscopioLab, La Pescarella Ristorante, Le Tre Civette B&B, Lignea74013, Linea Uomo Accontiature, Loforese Group SRL, Lomax Assicurazioni, Massanè Casa Vacanze, MZ Service, Nuova Luce Cooperativa Sociale, Pavone Montaggi, Pratoplà, PrencipEdil, Cantine Domenico Russo, RoyalFin Servizi Immobiliari, Sabry Tende, Sinergy, Studio Ria Stp, Tecnica Diesel, Tenuta Orsanese, Tertiam Viaggi, Rag. Fernando Ria, Ing. Alessandro Leccese, Avv. Deborah Panettieri, Rag. Domenico Gigante, Avv. Carmen Carlucci, Ing. Vito Parisi, Geom. Maurizio Napoli, Dr. Luca Calabria, Dr. Vito De Palma, Rag. Rossella Ria, Dr.ssa Grazia Ria, Dr. Cosimo Ria, Rag. Domenico Cazzetta, Dr. Paolo Costantino, Dr. Piero Giannuzzi e il Comune di Ginosa.

 

Aspettiamo tutti coloro che vorranno aggiungersi alla nostra grande Famiglia.

 

 

 

 

Invece in ambito personale c’è un progetto o un sogno artistico che ancora desideri realizzare?

 

Il mio progetto? Ma io non ho un progetto, io ho un’avventura! Io non voglio scattare foto, io voglio scattare vita! Desidero che la mia agenzia di comunicazione sia un carnevale, una festa perenne.

 

Come direbbe Benigni: “La vita non si spiega, si vive”. Ed io la voglio vivere tutta, fotografare con le mani, con gli occhi, col cuore, con le lacrime, con le risate, con i piedi, ah no, con i piedi no, avrebbe un altro significato!

Il mio sogno per la mia terra? Che i ragazzi non se ne vadano. Che restino. Che dicano: ‘Ma guarda quante cose belle possiamo fare qua!’ Perché la bellezza non sta nei grattacieli, ma nel sorriso della signora che ti vende il pane, nei muri scrostati che raccontano storie, nei vecchietti seduti al bar che parlano del tempo da quarant’anni!

E poi io voglio vivere, SERENO, si SERENO. Voglio vedere crescere le mie bimbe, i miei nipoti, guardarli e dire: ‘Ma che miracolo siete!’ Voglio star bene con la mia famiglia, sedermi a tavola, ridere, voglio ridere… sempre, perchè la vita corre troppo veloce.

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