Giuseppina Irene Groccia, Autore presso L'ArteCheMiPiace

Dal patrimonio artistico alla dimensione digitale. Dubai celebra i 50 anni del DIAC

by Giuseppina Irene Groccia on 18 Aprile 2026

A Dubai, nell’aprile 2026, arte e innovazione si incontrano in un contesto che racconta una città in continua trasformazione. Il TheBlock Festival, in dialogo con il World Token Summit 3.0, accoglie le celebrazioni per il cinquantesimo anniversario del Dubai International Art Centre, una delle istituzioni più radicate nella storia culturale degli Emirati Arabi Uniti.

Fondato nel 1976, il Dubai International Art Centre ha accompagnato per decenni la crescita della scena artistica locale, diventando un punto di riferimento per artisti di diverse generazioni e provenienze. Il traguardo dei cinquant’anni assume oggi un valore simbolico che si estende oltre la memoria, aprendo una riflessione sul presente e sulle direzioni future della produzione artistica.

All’interno del festival e del summit, questa ricorrenza trova una nuova dimensione, inserendosi in un ecosistema dedicato alla trasformazione digitale e alla cultura degli asset virtuali. Il risultato è un dialogo tra linguaggi che appartengono a tempi diversi ma che condividono lo stesso spazio creativo. La pittura, il disegno e le pratiche tradizionali si confrontano con strumenti digitali, ambienti immersivi e logiche legate alla blockchain.

Il percorso espositivo ripercorre l’evoluzione dell’arte a Dubai dagli anni Settanta a oggi, offrendo uno sguardo stratificato su una scena in costante espansione. Accanto alle opere, trovano spazio momenti di pratica e confronto. Dimostrazioni dal vivo restituiscono il valore del gesto e della tecnica, mentre workshop collaborativi aprono a nuove possibilità, dove la dimensione fisica dell’opera entra in relazione con quella digitale e con i sistemi on chain.

In questo contesto si inserisce anche il Global Panorama Project, iniziativa legata al Climate Institute e promossa dall’UNESCO, che contribuisce a portare al centro il rapporto tra arte, tecnologia e sostenibilità. Il progetto amplia ulteriormente la prospettiva, suggerendo una visione in cui la produzione artistica si intreccia con le grandi questioni globali.

Il World Token Summit 3.0 fa da sfondo a questo scenario, riunendo figure provenienti dal mondo della tecnologia, della finanza e della cultura. Qui il tema della tokenizzazione delle opere introduce nuove riflessioni sulla proprietà, sulla tracciabilità e sulle forme di valorizzazione dell’arte contemporanea. Si tratta di dinamiche che stanno ridefinendo il mercato e il modo in cui le opere vengono concepite, scambiate e collezionate.

TheBlock, con sede a Dubai, si inserisce in questo processo come piattaforma capace di connettere attori diversi, facilitando l’incontro tra creatività e infrastrutture digitali. L’integrazione tra questi ambiti prende forma in un evento che unisce visione culturale e sviluppo tecnologico, offrendo uno spazio in cui osservare da vicino le trasformazioni in atto.

A completare l’esperienza contribuisce anche la collaborazione con Tripy, che accompagna i visitatori nella fruizione del summit e degli eventi collegati, rendendo più accessibile un programma articolato e internazionale.

Il cinquantesimo anniversario del Dubai International Art Centre diventa così un momento di passaggio, in cui la storia si intreccia con nuove prospettive. Dubai si conferma un luogo in cui linguaggi differenti trovano un punto di contatto, dando forma a una narrazione contemporanea che tiene insieme memoria, sperimentazione e visione.

Leggi Ancora

Arte Artisti

Willem ed Elaine de Kooning nelle dinamiche del sistema artistico del Novecento.

by Giuseppina Irene Groccia on 15 Aprile 2026

La storia di Willem de Kooning e Elaine de Kooning non si lascia raccontare facilmente secondo categorie lineari. Non è solo una vicenda sentimentale né esclusivamente un capitolo della storia dell’Espressionismo astratto, ma piuttosto un percorso condiviso tra vita e lavoro, in cui due individualità distinte si sono alimentate e spesso contraddette a vicenda.

Willem de Kooning costruisce la propria pittura attraverso un processo instabile fatto di cancellazioni, ripensamenti e ritorni continui. Nulla sembra mai definitivo ogni immagine resta aperta come se potesse essere nuovamente messa in discussione. Questa precarietà formale finisce per riflettersi anche nel suo modo di stare nel mondo segnato da un continuo equilibrio tra controllo e disordine.

Elaine de Kooning al contrario si muove con maggiore agilità sul piano intellettuale. Pittrice ma anche osservatrice attenta della scena artistica riesce a leggere e restituire ciò che la circonda con una lucidità che spesso supera in termini di riconoscimento la considerazione riservata alla sua stessa produzione pittorica.

Il loro rapporto aperto, discontinuo e a tratti violento non è un semplice sfondo biografico, ma qualcosa che agisce in modo diretto sulla loro vita e sul loro lavoro. Le relazioni parallele, le separazioni e i ritorni contribuiscono a creare un clima instabile che non rimane chiuso nella sfera privata. Si riflette invece nel modo in cui entrambi occupano la scena artistica, nelle alleanze che costruiscono, nei conflitti che emergono e nelle opportunità che si aprono o si chiudono nel tempo.

Eppure questa libertà non è stata senza squilibri. Con il tempo Willem de Kooning si è imposto sempre di più come figura centrale, quasi simbolica, della scena artistica. Elaine de Kooning invece è rimasta in una posizione più incerta, dove il riconoscimento arrivava in modo parziale e spesso attraverso mediazioni. Il fatto di muoversi dentro i circuiti critici e intellettuali le ha permesso di avere una certa influenza sul dibattito artistico, ma non è stato sufficiente a darle lo stesso peso e la stessa visibilità del marito.

Quando negli ultimi anni Elaine de Kooning torna accanto a Willem de Kooning ormai segnato dalla malattia, il loro rapporto si trasforma radicalmente. Non è più la relazione turbolenta degli inizi ma una forma più concreto, fatto di responsabilità e cura. In quel passaggio finale si concentra qualcosa che è difficile definire con precisione, non una riconciliazione in senso classico, ma piuttosto la consapevolezza di un legame che, pur tra distanze e fratture, non si è mai davvero interrotto.

Forse è proprio qui che la loro storia continua a mettere in discussione l’idea stessa di separazione tra opera e vita e tra autonomia e dipendenza reciproca. Non come un caso eccezionale, ma come qualcosa di più diffuso e ricorrente nell’arte del Novecento, dove i confini tra esperienza personale e produzione artistica restano spesso mobili e difficili da fissare.

Leggi Ancora

Segnalazione Eventi

Un successo per la mostra “Dei luoghi e dello sguardo”. Grande partecipazione alla CathArt Gallery di Varese

by Giuseppina Irene Groccia on 12 Aprile 2026

La serata inaugurale dell’11 aprile ha segnato l’apertura ufficiale di “Dei luoghi e dello sguardo – Geografia della memoria”, la nuova mostra bipersonale ospitata presso la CathArt Gallery di Varese e curata da Carla Pugliano.

Fin dalle prime ore, lo spazio espositivo ha accolto un pubblico numeroso e partecipe. L’affluenza ha confermato l’attenzione crescente verso una programmazione che, nel tempo, ha costruito un rapporto solido con il territorio e con gli appassionati d’arte contemporanea. L’atmosfera si è rivelata fin da subito molto animata, attraversata da un interesse autentico e da una qualità di ascolto capace di accompagnare ogni momento della serata.

Il percorso espositivo ha trovato una risposta immediata nei visitatori. Le opere di Irene Das Neves e Marco Verdelli hanno attivato un dialogo continuo, non solo tra i due linguaggi, ma anche con il pubblico presente. La fotografia e la pittura hanno restituito visioni complementari, capaci di aprire riflessioni e conversazioni spontanee. Gli artisti hanno condiviso il proprio lavoro con disponibilità, dando vita a uno scambio diretto, mai formale, che ha reso l’esperienza ancora più coinvolgente.

Particolarmente apprezzato l’intervento degli ospiti della serata, Samuele Corsalini e Francesco Gemmo. Il loro contributo ha introdotto il pubblico alla mostra con uno sguardo attento al legame tra identità territoriale e narrazione contemporanea. Le loro parole hanno offerto una chiave di lettura efficace, creando un ponte naturale tra le opere esposte e il contesto culturale di riferimento.

A guidare l’intera serata, Carla Pugliano, padrona di casa impeccabile, ha confermato ancora una volta la propria cifra professionale. La sua presenza si è distinta per misura, competenza e capacità di relazione. Ogni passaggio ha trovato un equilibrio preciso, ogni intervento si è inserito con coerenza all’interno di un progetto costruito con cura. La sua esperienza, unita a una visione curatoriale chiara, ha garantito una gestione fluida dell’inaugurazione e un dialogo costante tra artisti e pubblico.

“Dei luoghi e dello sguardo” si apre così sotto i migliori auspici. La mostra restituisce un confronto autentico tra due ricerche affini e autonome, capaci di trasformare paesaggi e scenari in tracce emotive e mappe interiori. Un progetto che trova nella relazione, nell’ascolto e nella qualità dello sguardo il proprio punto di forza, confermando la CathArt Gallery come uno spazio sempre più rilevante nel panorama artistico contemporaneo.

La mostra resta visitabile fino al 23 aprile 2026 presso la CathArt Gallery, a Varese, con ingresso da Via Salvo D’Acquisto. Apertura dal martedì al venerdì dalle 16:30 alle 18:30, il sabato dalle 10:30 alle 12:00 e dalle 15:30 alle 18:30, la domenica dalle 15:30 alle 18:30. L’ingresso è libero. Un’occasione concreta per entrare in contatto diretto con un progetto espositivo che merita tempo e attenzione, all’interno di uno spazio che si distingue per qualità e per una visione curatoriale sempre attenta e riconoscibile.

Leggi Ancora

ContempoArte Magazíne

ContempoArte Magazine Nr 20 – Aprile 2026

by Giuseppina Irene Groccia on 30 Marzo 2026

Modulo di Richiesta

Passo 1 di 3

ContempoArte Magazine

Copertina Flessibile

Prezzo: 18,00 €

Gli artisti presenti all’interno del magazine con contributi rilevanti che desiderano richiedere più copie possono farne richiesta via email all’indirizzo info@lartechemipiace.com, beneficiando di una scontistica esclusiva a loro riservata.

ContempoArte Magazine Nr. 20 – Aprile 2026
ISSN 3103-3628
EAN-13: 9773103362208

ContempoArte. Uno spazio di riflessione e confronto sulla scena artistica contemporanea

ContempoArte nasce come progetto editoriale e curatoriale indipendente, evoluzione naturale del blog L’ArteCheMiPiace, divenuto nel tempo un punto di riferimento per artisti, critici e operatori del settore. Si presenta oggi come un volume tematico di riflessione critica, concepito non solo come spazio di approfondimento, ma come strumento attivo di diffusione culturale, con particolare attenzione alla circolazione qualificata dei contenuti e alle dinamiche di distribuzione.

Dotato di codice ISSN, il progetto si inserisce nel panorama delle pubblicazioni periodiche riconosciute, garantendo tracciabilità, autorevolezza e una precisa collocazione all’interno del sistema editoriale internazionale. La distribuzione è mirata a professionisti del settore, istituzioni culturali e contesti strategici della scena artistica contemporanea, favorendo un dialogo diretto con un pubblico selezionato e competente.

Accanto all’edizione italiana, ContempoArte si sviluppa anche in una versione internazionale in lingua inglese, ampliando la portata delle pubblicazioni e consolidando la presenza all’interno di circuiti artistici globali, con distribuzione curata a Dubai in collaborazione con la APM Consulting di Alessio Musella e spazi di riferimento come The Bridge Art Gallery.

Ogni numero raccoglie una selezione dei contenuti più significativi sviluppati nel percorso editoriale del blog, affiancati da contributi originali e da una curata scelta di artisti contemporanei distintisi per la qualità e la coerenza della loro ricerca. ContempoArte assume così la forma di una realtà editoriale strutturata, capace di offrire approfondimenti critici, analisi teoriche e narrazioni artistiche di alto profilo.

Particolare rilievo è attribuito alla dimensione critica, attraverso contributi di studiosi, curatori e storici dell’arte, affiancati da interventi diretti degli artisti, in un confronto articolato tra differenti sensibilità, approcci espressivi e linee di ricerca. A completare l’insieme, la presenza della letteratura e della poesia contribuisce ad ampliare l’orizzonte espressivo della pubblicazione, creando un intreccio fertile tra linguaggi e sensibilità diverse e restituendo così una visione complessa e articolata del contemporaneo.

Ogni edizione si distingue per l’elevato livello qualitativo dei protagonisti e per la capacità di restituire uno spaccato autentico e critico delle ricerche artistiche attuali, confermando ContempoArte come uno spazio di confronto, valorizzazione e approfondimento nel panorama culturale odierno.

Responsabile Editoriale
Giuseppina Irene Groccia

Artisti e Collaboratori presenti in questa edizione:

Pier Toffoletti, Paolo Feroce, Andrea Bernabini, Alessio Musella, Opera Gallery Dubai, Darvish Fakhr, The Bridge Art Gallery Dubai, Alessandro Maio, Ilaria Pisciottani, Teresa Saviano, Max Callari, Emanuel Acciarito, Andrea Barretta, Olga Marciano, Mimmo Legato, Giuseppe Oliva, Marco Melchiorri, Mirella Bitetti, Giacomo Falcinelli, Maria Rosanna Cafolla, Francisco Soriano, Paolo Belloni, Willy Indiviglia, Davide Mauro, Serena Seri, Salvatore Grasso, Rocco Giuseppe Tassone, Assunta Scorpiniti, Anna Lina Grasso, Tommaso Marcello, Franco Emilio Carlino, Nicola Claudio Palermo, Angela Kosta, Vera Ivanaj, Anca Corut.

Cliccando sulla copertina è possibile sfogliare la versione digitale.

ContempoArte was born as an independent editorial and curatorial project, the natural evolution of the blog L’ArteCheMiPiace, which has become a point of reference for artists, critics, and cultural professionals. It presents itself as a thematic volume of critical reflection, conceived not only as a space for in-depth analysis but also as a tool for cultural dissemination, with particular attention to the qualified circulation of its content.

Equipped with an ISSN code, the project is positioned within the landscape of recognized publications, ensuring credibility and targeted distribution to sector professionals, cultural institutions, and strategic contexts of the contemporary art scene, fostering direct dialogue with a knowledgeable and selected audience.

Alongside the Italian edition, ContempoArte is also published in an international English-language version, expanding the reach of its publications and consolidating its presence within global artistic circuits, with distribution curated in Dubai in collaboration with APM Consulting by Alessio Musella and key spaces such as The Bridge Art Gallery.

Each issue gathers the most significant content from the blog, alongside original contributions and a carefully selected roster of contemporary artists distinguished for the quality and consistency of their research. ContempoArte thus takes the form of a structured editorial reality, capable of offering critical insights, theoretical analyses, and high-profile artistic narratives.

Special emphasis is placed on the critical dimension, with contributions from scholars, curators, and art historians, complemented by direct interventions from the artists themselves, creating a dialogue among different sensitivities, expressive approaches, and research lines. To complete the ensemble, literature and poetry broaden the publication’s expressive horizon, creating a fertile interplay of languages and offering a nuanced vision of contemporary art.

Each edition stands out for the high level of its contributors and for its ability to present an authentic and critical snapshot of current artistic research, confirming ContempoArte as a space for dialogue, valorization, and in-depth reflection within today’s cultural landscape.

Editorial Director
Giuseppina Irene Groccia

Artists and Contributors featured in this edition:

Click on the cover to browse the digital version.

Click HERE to request a hard copy in English

Leggi Ancora

Segnalazione Eventi

Grande successo a Dubai per l’inaugurazione di The Bridge Art Gallery

by Giuseppina Irene Groccia on 17 Marzo 2026

Si è svolta con grande partecipazione di pubblico l’inaugurazione ufficiale di The Bridge Art Gallery, il nuovo spazio dedicato all’arte contemporanea ideato da Alessio Paolo Musella, nel cuore di Dubai Hills, uno dei quartieri più dinamici e in espansione della città.

Fin dalle ore 19:00, un flusso costante di visitatori ha animato la galleria, con presenze distribuite lungo tutto l’arco della serata fino alle 23:00. La scelta di una fascia oraria ampia si è rivelata vincente, permettendo al pubblico di partecipare con flessibilità — prima o dopo cena — e favorendo un’esperienza più rilassata e un dialogo diretto e approfondito con le opere e i protagonisti della serata.

Numerosi gli ospiti intervenuti: collezionisti, artisti, professionisti del settore e conoscenze internazionali, insieme a operatori del mondo immobiliare e costruttori, con i quali sono stati avviati primi contatti per possibili collaborazioni. Tra le prospettive emerse, anche l’integrazione dell’arte nei progetti residenziali di alto livello, attraverso la proposta degli artisti rappresentati dalla galleria per l’allestimento di case e ville.

La serata è stata arricchita dalla presenza di una collettiva internazionale, concepita come elemento complementare all’inaugurazione della galleria. Gli artisti coinvolti, provenienti da contesti geografici diversi — tra cui Italia, India, Russia, Brasile, Porto Rico, Africa, Regno Unito ed Emirati Arabi Uniti — hanno contribuito a creare un dialogo multiculturale capace di rispecchiare il respiro globale della scena artistica contemporanea di Dubai.

Gli artisti presenti nella collettiva inaugurale sono:

Marco Host, Lorenzo Marini, Giuseppina Irene Groccia (GiGro), Lorenzo Malfatti, Lucrezia Coli (Margot), Serge Gauya, Suhtry Jhaveri, Carolina Sowa, Mariella Rinaldi, Giacomo Consigli, Carolina Curti, Valente Cancogni, The Materials (Alex Belli), Stefano Chiassai, Roberta Volpe, Kristel Bechara, Benito Macerata, Felipe Cardena e Ludmilla Radchenko

Particolarmente apprezzata dal pubblico è stata la scelta curatoriale di articolare lo spazio in due ambienti distinti, ciascuno con una propria identità visiva e narrativa.
Una sala luminosa, dominata dal bianco e da linguaggi più contemporanei e pop, e una sala più raccolta e scura, pensata come immersione nella memoria, nella materia e in una dimensione più introspettiva. Questa netta divisione ha facilitato la lettura delle opere, rendendo il percorso espositivo chiaro e coinvolgente.

Elemento distintivo dell’inaugurazione è stato anche l’approccio curatoriale, fortemente improntato al dialogo. Il pubblico ha mostrato particolare interesse per la modalità di racconto delle opere, caratterizzata da spiegazioni puntuali, aneddoti e approfondimenti capaci di avvicinare anche i non addetti ai lavori.

Si tratta di una pratica tipicamente italiana, ancora poco diffusa in molte realtà espositive locali, dove spesso l’esperienza si limita a una fruizione visiva in spazi ampi ma privi di mediazione. In questo contesto, l’approccio di Alessio Paolo Musella — basato su un racconto accessibile ma mai superficiale — è stato percepito come un valore aggiunto, contribuendo a rendere l’esperienza più coinvolgente e memorabile.

Con questa apertura, The Bridge Art Gallery si afferma fin da subito come un nuovo punto di riferimento per la scena artistica locale, capace di coniugare respiro internazionale e attenzione alla dinamica relazionale, ponendosi come un vero ponte tra artisti, pubblico e sempre nuove opportunità di collaborazione.

Leggi Ancora

Arte

Il mito eterno di Banksy è l’arte che vive oltre l’identità.

by Giuseppina Irene Groccia on 15 Marzo 2026

Per oltre vent’anni il nome di Banksy ha rappresentato uno dei più affascinanti enigmi dell’arte contemporanea. Un artista capace di comparire sui muri di mezzo mondo con immagini semplici ma potentissime, la bambina con il palloncino, il lanciatore di fiori, i topi ribelli, e sparire subito dopo, lasciando dietro di sé solo un messaggio politico e una firma. Senza volto.

Oggi però quel mistero sembra più vicino che mai a una possibile soluzione. Una recente inchiesta giornalistica ha rilanciato con forza una teoria che circola da anni, dietro lo pseudonimo Banksy ci sarebbe Robin Gunningham, artista nato a Bristol nel 1973. Non si tratta di una conferma ufficiale, l’artista e il suo entourage non hanno mai commentato, ma dell’indagine più articolata mai realizzata sull’identità del writer.

La ricostruzione si basa sull’incrocio di documenti pubblici, spostamenti, testimonianze e registri amministrativi. Secondo i giornalisti, Gunningham avrebbe addirittura cambiato legalmente nome in “David Jones”, uno dei più comuni nel Regno Unito, rendendo ancora più difficile seguirne le tracce.

Un elemento importante dell’inchiesta riguarda i murales comparsi in Ucraina nel 2022, alcune persone con identità compatibili con quelle legate a Gunningham sarebbero entrate nel paese proprio nei giorni in cui le opere apparivano sui muri delle città bombardate.

In tutto questo resta però un dato fondamentale, non c’è alcuna conferma ufficiale. L’organizzazione che autentica le opere di Banksy, Pest Control, non ha commentato e i suoi legali continuano a contestare ogni tentativo di rivelazione definitiva.

In altre parole, anche di fronte alla più solida delle indagini, il mistero non è completamente dissolto.

La pista di Bristol non è nuova. È nella città inglese che negli anni ’80 e ’90 nasce una delle scene creative più fertili del Regno Unito, dove musica, arte urbana e cultura underground si mescolano continuamente.

Qui entra in scena Robert Del Naja, musicista e membro dei Massive Attack, noto anche come “3D”. Prima di diventare una figura centrale del trip-hop mondiale, Del Naja era uno dei pionieri della stencil art nella città. Lo stesso Banksy ha raccontato più volte di aver iniziato ispirandosi proprio a lui.

Negli anni si è diffusa persino la teoria che Del Naja fosse Banksy. Alcune coincidenze, murales apparsi nelle stesse città in cui i Massive Attack erano in tour, hanno alimentato la leggenda. Le ricostruzioni più recenti tendono però a ridimensionare questa ipotesi. Del Naja sarebbe piuttosto un collaboratore o parte della rete creativa attorno al progetto Banksy, non l’autore principale.

La domanda “chi è Banksy?” è diventata negli anni quasi un genere giornalistico a sé. Ma dietro la curiosità c’erano anche motivazioni più concrete.

La prima è economica. Banksy è oggi uno degli artisti viventi più quotati al mondo, alcune sue opere superano facilmente il milione di dollari. Con cifre di questo livello, conoscere l’autore significa definire meglio diritti, autenticazioni e storia delle opere.

La seconda ragione è culturale. Banksy è diventato una voce politica globale, intervenendo con i suoi murales su temi come guerra, capitalismo, migrazioni e conflitto israelo-palestinese. Per alcuni osservatori un artista con un’influenza così forte non può restare completamente invisibile.

Infine c’è il semplice impulso umano verso il mistero, quando un enigma dura troppo a lungo, prima o poi qualcuno prova a risolverlo.

Eppure una parte consistente del mondo dell’arte ha sempre sostenuto che l’anonimato fosse parte integrante dell’opera.

Banksy ha costruito la propria forza proprio sull’assenza di identità. I suoi interventi comparivano improvvisamente nello spazio pubblico, senza conferenze stampa né inaugurazioni, quasi come atti di guerriglia visiva.

Senza un volto, il messaggio diventava più universale. L’opera non apparteneva a un artista celebre, ma sembrava emergere direttamente dalla città e dalle sue contraddizioni.

C’è anche un motivo molto pragmatico, molti dei lavori di Banksy sono tecnicamente illegali. L’anonimato è sempre stato per lui una forma di protezione legale e personale.

Ma cosa cambia davvero adesso? La risposta più sorprendente è che probabilmente non cambia quasi nulla.

Il sistema che regola il mercato di Banksy rimane lo stesso. Le opere autentiche sono certificate da Pest Control, l’unico organismo autorizzato. Finché questo meccanismo non cambia, la persona dietro lo pseudonimo conta relativamente poco per il mercato.

Anzi, spesso le rivelazioni alimentano ancora di più l’interesse mediatico e culturale attorno all’artista.

Il mito, ormai, è già costruito.

Le reazioni degli artisti e dei critici si dividono sostanzialmente in tre correnti.

La prima è quella dei romantici, per loro Banksy doveva restare anonimo per sempre. Il mistero faceva parte della poesia dell’opera e rappresentava una critica radicale al culto dell’artista-star.

La seconda è quella dei pragmatici, un fenomeno culturale di questa dimensione difficilmente può restare segreto per decenni. Era solo questione di tempo.

La terza è quella dei più cinici, conoscere il nome non cambia nulla. Banksy è ormai un linguaggio, un immaginario, quasi un marchio culturale globale.

Forse, in fondo, la domanda non è davvero chi sia Banksy. La domanda è se avremmo dovuto saperlo.

Per più di vent’anni i suoi lavori sono comparsi sui muri delle città come messaggi lasciati nella notte. Senza volto, senza conferenze stampa, senza una biografia da raccontare. Solo immagini capaci di parlare da sole. In un sistema dell’arte costruito spesso attorno alla figura dell’artista-star, quell’assenza era diventata parte dell’opera stessa.

L’anonimato non era soltanto una forma di protezione, ma un vero e proprio linguaggio che spostava l’attenzione dal nome al messaggio e dall’autore alla città.

In fondo, Banksy ha anche riportato al centro il significato originario della figura del writer, una presenza anonima, spesso incappucciata, che agisce nello spazio urbano come gesto di rottura e di denuncia verso il sistema. Nei suoi interventi questo aspetto non è mai stato secondario, ma anzi volutamente enfatizzato, quasi a ricordare che la street art nasce prima di tutto come atto di dissenso e appropriazione dello spazio pubblico, ben distante da quelle forme più decorative che oggi spesso vengono associate ai muri delle città.

Ma i miti contemporanei vivono dentro un ecosistema mediatico che prima o poi li costringe a mostrarsi. Più cresce la fama, più diventa difficile custodire il segreto. È una dinamica quasi inevitabile.

Eppure il paradosso di Banksy è proprio questo, il suo mistero non è mai stato davvero il suo nome. Il suo mistero era che, per anni, quel nome non fosse necessario.

Se un giorno l’identità dovesse emergere senza più dubbi, probabilmente cambierà poco. Perché il vero Banksy non è mai stato soltanto una persona. È un’idea che continua a comparire sui muri delle città, un’immagine semplice, improvvisa, capace di raccontare una storia senza bisogno di firmarsi.

Leggi Ancora

Segnalazione Eventi

A Dubai nasce The Bridge Art Gallery di Alessio Musella. Opening night con una grande mostra collettiva

by Giuseppina Irene Groccia on 12 Marzo 2026

Dubai, Emirati Arabi Uniti — 16 marzo 2025

Nel dinamico panorama artistico di Dubai apre le porte The Bridge Art Gallery, nuovo spazio dedicato all’arte contemporanea e al dialogo culturale internazionale.

L’inaugurazione ufficiale si terrà lunedì 16 marzo, dalle ore 19 alle 23, presso la sede della galleria in Acacia A, Dubai Hills Park.

La serata di apertura sarà accompagnata da una prima mostra collettiva che riunisce artisti provenienti da diversi contesti creativi e linguaggi espressivi, offrendo una panoramica eterogenea sulla ricerca artistica contemporanea.

Il progetto espositivo prende forma attorno al tema “Quando tutto sembra diventare buio, i colori dell’arte illuminano”, un concept che riflette sul ruolo dell’arte come spazio di luce e riflessione in un’epoca segnata da profonde trasformazioni e incertezze globali. Attraverso pittura, ricerca materica e sperimentazione visiva, la mostra mette in dialogo visioni e sensibilità differenti, trasformando la galleria in un vero e proprio ponte tra artisti e pubblico.

Gli artisti presenti nella collettiva inaugurale sono:

Il progetto della galleria nasce sotto la direzione artistica di Alessio Paolo Musella, che definisce l’apertura dello spazio come una scelta volutamente controcorrente. In un contesto in cui molte dinamiche contemporanee spingono verso l’isolamento, la creazione di un luogo fisico dedicato alla cultura rappresenta, secondo Musella, un gesto di fiducia nella funzione sociale dell’arte.

Richiamando il motto “Memento audere semper”, l’art director sottolinea come la galleria voglia configurarsi non solo come spazio espositivo, ma come luogo di osservazione e di incontro, capace di raccontare la genesi delle opere e costruire relazioni tra chi crea e chi guarda. In questa prospettiva, The Bridge Art Gallery nasce con l’obiettivo di diventare un punto di connessione tra esperienze artistiche e pubblico internazionale.

Opening Night
📍 The Bridge Art Gallery
Acacia A – Dubai Hills Park
📅 16 marzo 2025
🕖 19:00 – 23:00

RSVP: +971 56 847 7077

Leggi Ancora

Arte Artisti

Emanuel Acciarito. Architettura come scultura dello spazio

by Giuseppina Irene Groccia on 12 Marzo 2026

La vera arte non racconta semplicemente il mondo, ma spesso lo mette in discussione, lo esplora e lo ripensa attraverso la forma

In questa idea si può leggere con chiarezza il percorso di Emanuel Acciarito, là dove la disciplina architettonica incontra il pensiero e la materia smette di essere semplice presenza per farsi simbolo, denso di significato. Architetto per formazione e artista per necessità interiore, Acciarito attraversa linguaggi differenti mantenendo intatta la stessa intensità, che è quella di chi osserva lo spazio con l’attenzione analitica del progettista e, insieme, quella di chi sa sostare sul tempo con la sensibilità sottile del poeta.

La sua storia creativa nasce dentro la disciplina dello spazio. L’architettura ha insegnato ordine, misura, responsabilità verso il territorio. Da qui prende avvio una poetica che guarda alla rigenerazione urbana, alla memoria dei luoghi, alla relazione tra uomo e ambiente. Poi accade qualcosa di ulteriore. Il progetto smette di restare progetto e diventa domanda.

Proprio in questo passaggio si inserisce una delle ricerche più significative del suo percorso progettuale, lo studio di un grattacielo eco-sostenibile sviluppato durante il lavoro di tesi, premiato e presentato in diversi contesti di ricerca architettonica. L’intuizione nasce dall’osservazione dello zampillo d’acqua, un’immagine elementare e potente che diventa matrice formale e concettuale di un’architettura capace di svilupparsi verticalmente come una danza di forme nello spazio, trasformando un movimento naturale in struttura progettuale. Nel processo creativo la forma dell’acqua assume un valore simbolico e progettuale, diventando linguaggio formale e visione sociale. Prima scultura dello spazio, poi architettura, il progetto traduce nella dimensione costruita una riflessione sul valore dell’acqua come bene comune e sulla necessità di ristabilire un equilibrio tra l’uomo e l’ambiente.

In questo slittamento tra materia simbolica e costruzione reale emerge con chiarezza uno dei nuclei più autentici della ricerca di Acciarito, là dove la dimensione progettuale si apre a una riflessione poetica e la pratica artistica diventa luogo di elaborazione di visioni capaci di interrogare il futuro. È dentro questa prospettiva che la forma, nel lavoro dell’artista, supera la semplice funzione costruttiva per diventare codice espressivo.

Dietro la geometria rigorosa e la misura solo apparentemente neutra dello spazio, la struttura si trasforma in un vero e proprio linguaggio simbolico. La forma, sospesa in un equilibrio sottile tra rigore e intuizione, dischiude così varchi di senso che invitano a una lettura più ampia e articolata, là dove pensiero ed emozione finiscono naturalmente per incontrarsi.

Il bianco entra in scena come scelta radicale, il colore, certo, ma anche dichiarazione di intenti. Qui diventa superficie ricettiva, capace di accogliere la luce e di amplificarne la dimensione quasi spirituale; uno spazio mentale in cui ogni segno trova la propria risonanza. Nelle culture che la sua ricerca attraversa, il bianco conserva una forza sacrale, una presenza silenziosa che continua a parlare di purezza e trascendenza. L’artista assorbe queste sedimentazioni simboliche e le traduce in un linguaggio personale, prossimo a una grammatica essenziale con cui tornare a interrogare, con lucidità e misura, la materia stessa.

Le opere scultoree raccontano questo percorso con chiarezza. “Ambito” appare come un organismo armonico, una sfera che richiama il ciclo della vita e la centralità dell’essere umano nel cosmo. I cerchi sovrapposti suggeriscono movimento, equilibrio, continuità tra individuo e universo. Lo spettatore percepisce una calma apparente che nasconde una riflessione più ampia sul fragile rapporto tra uomo e natura.

“Aeternitas” introduce una dimensione diversa. Il tempo assume volto e verticalità, la figura si allunga verso l’alto attraverso anelli che evocano antiche tradizioni e miti lontani. Qui la scultura sembra custodire una memoria collettiva, un dialogo tra culture, spiritualità e desiderio di permanenza. La materia assume il ritmo di un rito, quasi una preghiera silenziosa affidata alla forma.

Anche quando si confronta con la pittura, come avviene in “Medusa”, la forza della ricerca resta intatta. Il corpo femminile emerge come luogo emotivo, in uno spazio sospeso dove la forza si intreccia con la fragilità, dando vita a una bellezza capace di evocare inquietudine. La tecnica mista utilizza la materia senza sottoporla a coercizione, restituendone il movimento e la densità espressiva. Essa sprigiona un’energia che affonda le radici nell’esperienza personale dell’artista e si estende oltre il confine della forma, coinvolgendo chi osserva in una percezione più ampia. Ogni segno trattiene un frammento di vita vissuta, lo trasforma in immagine autonoma, lo offre allo spettatore come testimonianza e come spazio di riflessione, luogo in cui l’introspezione si confronta con la presenza dell’opera.

Nelle sculture, la stessa energia torna a manifestarsi in forme archetipiche. Nella prima, la sfera e i cerchi sovrapposti evocano con chiarezza un’idea di ciclicità, di armonia e di centralità dell’uomo nel cosmo. Nella seconda, invece, la verticalità della figura e gli anelli che ne scandiscono il collo alludono al tempo come principio eterno e come traccia di un rituale ancestrale. L’opera si pone davanti allo sguardo dello spettatore, pronta a sollevare domande più che a fornire risposte, e invita a percepire spazio e tempo come esperienza, in cui simboli e materia si fanno strumenti attivi per una riflessione.

In continuità con questo percorso di sintesi tra forma, mito e significato, l’artista amplia recentemente il suo repertorio con “Nike”, scultura in cui il gesto celebrativo diventa cifra poetica. Concepita in omaggio alle trenta medaglie conquistate dalla spedizione italiana alle Olimpiadi invernali Milano Cortina 2026, la Dea delle Olimpiadi viene trasfigurata in un corpo architettonico, la cui “pelle” è costruita dai cerchi olimpici. Non semplice raffigurazione, ma architettura del gesto trionfale, “Nike” si erge come trofeo stilizzato, dove la mitologia si fonde con il linguaggio contemporaneo e la forma diventa veicolo di vittoria e potenza simbolica. La scultura testimonia come l’autore sappia traslare il mito in struttura, conferendo al gesto celebrativo una densità spaziale e un equilibrio compositivo che risuona con l’intero percorso creativo.

In questa prospettiva risuona con particolare precisione una riflessione di Paul Klee, artista che affermava che l’arte rende visibile ciò che già esiste oltre lo sguardo immediato. “Art does not reproduce the visible; rather, it makes visible” . La frase appare sorprendentemente vicina al pensiero poetico di Emanuel Acciarito, il cui lavoro non cerca la descrizione del mondo ma bensì una sua rivelazione interiore.

Tra controllo e sensibilità prende forma un linguaggio che intreccia questi due elementi in un equilibrio armonioso. L’architetto e l’artista convivono senza conflitto, come due voci dello stesso racconto. Da una parte la volontà di armonia, dall’altra la necessità di esplorare zone interiori dove il simbolo prende il posto della descrizione. La sua ricerca dialoga con il presente, con la città, con la responsabilità culturale di chi crea immagini capaci di parlare al futuro.

Resta, alla fine, una sensazione precisa. Le sue opere chiedono tempo, attenzione, silenzio. Invocano uno sguardo disposto a sostare, a lasciarsi attraversare da significati che emergono lentamente. In quella sospensione si riconosce la cifra più autentica del suo lavoro, un’arte che costruisce ponti tra materia e spirito, tra esperienza quotidiana e dimensione archetipica, tra la concretezza dell’architettura e la libertà della visione.

Emanuel Acciarito

Atelier Creativo Acciarito

Studio di arte & architettura

Emanuelacciarito@gmail.com

www.acciarito.com

Phone 3477719697

Scroll down for the English text:

True art does not simply narrate the world; more often, it questions it, explores it, and reimagines it through form.

This idea clearly frames the trajectory of Emanuel Acciarito, where architectural discipline intersects with thought, and matter ceases to be mere presence to become a symbol, rich with meaning. Trained as an architect and compelled to create as an artist, Acciarito moves across different languages while maintaining the same intensity—the analytical attention of a designer observing space, alongside the subtle sensitivity of a poet attuned to the flow of time.

His creative journey originates within the discipline of space. Architecture has taught order, proportion, and responsibility toward the territory. From this foundation emerges a poetic vision attentive to urban regeneration, the memory of places, and the relationship between humans and their environment. Yet something further occurs. The project ceases to remain merely a project and becomes a question.

It is precisely at this juncture that one of the most significant investigations of his design path unfolds: the study of an eco-sustainable skyscraper developed during his thesis, awarded and presented in various architectural research contexts. The inspiration arose from observing a water jet—an elemental, powerful image that becomes the formal and conceptual matrix of an architecture capable of growing vertically like a dance of forms in space, transforming a natural movement into a structural design. In the creative process, the shape of water assumes symbolic and design value, becoming a formal language and social vision. First a sculpture of space, then architecture, the project translates in the built dimension a reflection on water as a common good and on the necessity of reestablishing balance between humans and the environment.

In this transition between symbolic matter and real construction, one of the most authentic cores of Acciarito’s research emerges, where the design dimension opens to poetic reflection and artistic practice becomes a site for developing visions capable of interrogating the future. It is within this perspective that form, in the artist’s work, transcends mere constructive function to become expressive code.

Behind the rigorous geometry and the seemingly neutral measure of space, the structure transforms into a truly symbolic language. Suspended in a subtle equilibrium between precision and intuition, the form opens pathways of meaning, inviting a broader and more articulated reading, where thought and emotion naturally converge.

White enters the scene as a radical choice—a color, certainly, but also a declaration of intent. Here it becomes a receptive surface, capable of embracing light and amplifying its almost spiritual dimension; a mental space where every mark finds resonance. In the cultures Acciarito’s research traverses, white retains a sacred power, a silent presence that continues to speak of purity and transcendence. The artist absorbs these symbolic sedimentations and translates them into a personal language, close to an essential grammar through which he interrogates matter itself with clarity and measure.

The sculptural works clearly narrate this journey. “Ambito” appears as a harmonious organism, a sphere evoking the cycle of life and the centrality of the human being in the cosmos. The overlapping circles suggest movement, balance, and continuity between individual and universe. The viewer perceives an apparent calm that conceals a broader reflection on the fragile relationship between humans and nature.

“Aeternitas” introduces a different dimension. Time assumes form and verticality, the figure stretching upward through rings that evoke ancient traditions and distant myths. Here the sculpture seems to hold a collective memory, a dialogue between cultures, spirituality, and the desire for permanence. Matter takes on the rhythm of a ritual, almost a silent prayer entrusted to form.

Even when engaging with painting, as in “Medusa”, the strength of the research remains intact. The female body emerges as an emotional locus, within a suspended space where strength intertwines with fragility, giving rise to a beauty capable of evoking unease. Mixed media employs matter without coercion, restoring its movement and expressive density. It radiates an energy rooted in the personal experience of the artist and extending beyond the boundary of form, engaging the viewer in a wider perception. Every mark retains a fragment of lived life, transforms it into an autonomous image, and offers it to the observer as testimony and space for reflection, where introspection confronts the presence of the work.

In the sculptures, the same energy manifests in archetypal forms. In “Ambito”, the sphere and overlapping circles clearly evoke cyclicality, harmony, and the centrality of humankind in the cosmos. In “Aeternitas”, the verticality of the figure and the rings marking the neck allude to time as an eternal principle and as the trace of an ancestral ritual. The work presents itself to the viewer, ready to pose questions rather than offer answers, inviting perception of space and time as experience, where symbols and matter become active instruments for reflection.

Continuing this path of synthesis between form, myth, and meaning, the artist recently expanded his repertoire with “Nike”, a sculpture in which the celebratory gesture becomes a poetic motif. Conceived in homage to the thirty medals won by the Italian team at the 2026 Milan-Cortina Winter Olympics, the Olympian goddess is transfigured into an architectural body, whose “skin” is constructed from the Olympic rings. Not mere representation, but architecture of the triumphant gesture, “Nike” rises as a stylized trophy, where mythology merges with contemporary language, and form becomes a vehicle of victory and symbolic power. The sculpture demonstrates how the artist translates myth into structure, endowing the celebratory act with spatial density and compositional balance that resonates across his entire creative trajectory.

In this perspective, a reflection by Paul Klee resonates with particular precision: the artist asserted that art makes visible what already exists beyond immediate sight. “Art does not reproduce the visible; rather, it makes visible.” The statement appears surprisingly close to Emanuel Acciarito’s poetic thought, whose work does not seek to describe the world but rather to reveal its inner truth.

Between control and sensitivity emerges a language that weaves these elements in harmonious balance. The architect and the artist coexist without conflict, like two voices of the same narrative. On one side, the desire for harmony; on the other, the need to explore interior territories where symbol replaces description. His research engages with the present, with the city, with the cultural responsibility of those who create images capable of speaking to the future.

In the end, a precise sensation remains. His works demand time, attention, and silence. They invoke a gaze willing to linger, to be penetrated by meanings that emerge slowly. In that suspension, the most authentic signature of his work is recognized—an art that builds bridges between matter and spirit, between daily experience and archetypal dimension, between the concreteness of architecture and the freedom of vision.

Leggi Ancora

Arte Segnalazione Eventi

ANDY WARHOL Ladies and Gentlemen ritorna dopo 50 anni

by Giuseppina Irene Groccia on 10 Marzo 2026

Ferrara si prepara ad accogliere tra qualche giorno un evento espositivo che si delinea al tempo stesso come celebrazione e rilettura critica di un momento fondamentale della storia dell’arte contemporanea. A cinquant’anni dalla storica mostra Ladies and Gentlemen, la città rende omaggio a Andy Warhol riproponendo, nelle sale di Palazzo dei Diamanti, dal 14 marzo al 19 luglio 2026, una rievocazione di quel progetto espositivo che negli anni Settanta aveva segnato un passaggio decisivo nella poetica dell’artista.

La mostra Andy Warhol. Ladies and Gentlemen, ideata e organizzata da Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea del Comune di Ferrara, con il prestigioso sostegno dell’Andy Warhol Museum, propone una ricostruzione immersiva della celebre esposizione presentata dall’artista tra il 1975 e il 1976. Il progetto, curato da Chiara Vorrasi, riunisce oltre centocinquanta opere tra acrilici su tela, disegni, serigrafie e fotografie Polaroid provenienti da importanti musei e collezioni private europee e americane, offrendo al pubblico un viaggio articolato nell’universo della ritrattistica warholiana.

Se la stagione più nota della ricerca warholiana era stata dominata dall’immaginario della celebrità — dalle icone cinematografiche come Marilyn Monroe alle figure pubbliche della politica e della cultura di massa — la serie Ladies and Gentlemen rappresenta un significativo spostamento di prospettiva. In questi lavori Warhol abbandona temporaneamente il pantheon delle star internazionali per rivolgere lo sguardo verso una realtà marginale ma carica di vitalità espressiva: quella delle drag queen afroamericane e portoricane della scena underground newyorkese

Il gesto non è soltanto iconografico, ma profondamente concettuale. Attraverso la consueta grammatica visiva fatta di colori acidi, contrasti grafici e reiterazioni seriali, l’artista conferisce monumentalità a figure fino ad allora rimaste ai margini della rappresentazione ufficiale. I volti truccati, le pose teatrali e la sensualità ostentata diventano così strumenti di una nuova narrazione dell’identità, in cui il confine tra autenticità e costruzione performativa appare volutamente instabile.

Ne emerge una galleria di effigi vibranti e seducenti, sospese tra glamour e provocazione, che sembrano anticipare molte delle sensibilità estetiche e culturali del nostro tempo. In queste immagini Warhol coglie infatti il potenziale simbolico della performance di genere e della contaminazione culturale, temi che oggi occupano una posizione centrale nel dibattito artistico e sociale.

La mostra ferrarese non si limita tuttavia a ricostruire l’atmosfera della storica esposizione degli anni Settanta. Accanto al nucleo dedicato alla serie Ladies and Gentlemen, il percorso propone una più ampia ricognizione nell’universo della ritrattistica warholiana, mettendo in dialogo alcune delle immagini più emblematiche prodotte tra gli anni Sessanta e Ottanta. Dalle celebri effigi di Mao Zedong, nelle quali l’iconografia politica viene trasfigurata in oggetto pop, fino ai ritratti di protagonisti della scena musicale e dello spettacolo come Mick Jagger, Liza Minnelli e Grace Jones, emerge con chiarezza la capacità dell’artista di trasformare il volto umano in un potente dispositivo visivo.

Attraverso la serigrafia, la fotografia istantanea e l’uso sperimentale di tecnologie allora emergenti — come la celebre Polaroid — Warhol reinventa infatti il ritratto tradizionale, appropriandosi dei codici della comunicazione di massa e traducendoli in linguaggio artistico. Il risultato è un’immagine che non si limita a rappresentare il soggetto, ma ne amplifica la dimensione simbolica, trasformandolo in icona.

In questa prospettiva, anche gli autoritratti che chiudono il percorso assumono un valore emblematico. L’artista applica a se stesso lo stesso processo di costruzione visiva riservato alle celebrità, mettendo in scena la propria immagine come un simulacro mediatico. Il volto di Warhol diventa così maschera, superficie, segno riproducibile all’infinito.

La rievocazione ferrarese di Ladies and Gentlemen si propone quindi non solo come un omaggio a uno dei protagonisti più influenti del Novecento, ma come un’occasione per interrogare l’attualità della sua ricerca. Le immagini concepite da Warhol negli anni Settanta — tra artificio, spettacolo e identità fluida — sembrano infatti anticipare la cultura visiva contemporanea, in cui la costruzione pubblica del sé e la circolazione globale delle immagini sono diventate elementi centrali dell’esperienza sociale.

Informazioni e prenotazioni

tel. 0532 244949 | diamanti@comune.fe.it

Leggi Ancora

Arte

Un ponte tra Italia e Dubai. Gli spazi espositivi di Alessio Musella tra Home Gallery e galleria esterna

by Giuseppina Irene Groccia on 9 Marzo 2026

Alessio Musella, art dealer nonché referente e caporedattore per l’area degli Emirati del nostro magazine ContempoArte, ci apre le porte degli spazi che ha progettato e realizzato con passione nel corso degli ultimi cinque mesi. Un progetto articolato che comprende la Home Gallery e una galleria esterna, ambienti destinati a diventare luoghi di incontro e di dialogo per artisti, collezionisti e operatori del settore.

Questi spazi ospiteranno anche il nostro prossimo numero di ContempoArte Magazine , che sarà presentato e diffuso a Dubai attraverso una rete di autorevoli professionisti e protagonisti della scena artistica locale. L’impegno di Musella sta dando vita, con grande determinazione a un vero e proprio ponte culturale tra la scena artistica italiana e quella emiratina. I risultati ottenuti fino ad oggi sono sorprendenti e seguiranno con grande interesse sia il primo allestimento della galleria esterna sia gli incontri e i talk che prenderanno forma all’interno della Home Gallery.

Dubai, osservata da questa prospettiva, rivela per noi una dualità particolarmente affascinante, soprattutto nel confronto tra l’approccio intimo e narrativo della Home Gallery nel Dubai International Financial Centre e quello più istituzionale e museale delle gallerie situate nell’area di Dubai Hills.

Nel cuore del distretto finanziario, la Home Gallery rompe idealmente la “quarta parete” del sistema dell’arte. Non si configura soltanto come spazio espositivo, ma come un vero ecosistema narrativo, dove l’arte diventa esperienza condivisa. L’ambiente è caldo, accogliente e domestico, arredi ricercati, luci soffuse e tappeti selezionati costruiscono un’atmosfera nella quale il visitatore non è più semplice osservatore, ma ospite. In questo contesto l’incontro con l’opera si trasforma in un dialogo personale, un caffè sorseggiato su un divano, una conversazione informale, il racconto intimo del percorso dell’artista che prende forma in un contatto diretto e autentico.

Accanto a questa dimensione raccolta e relazionale, la galleria esterna si presenta invece come un vero tempio della creatività, ispirato ai canoni del White Cube contemporaneo e arricchito dalla forte dimensione di community tipica del contesto di Dubai Hills. Gli ambienti sono ampi, essenziali e quasi eterei. Soffitti alti, una stanza bianca e una stanza nera, illuminate da un sistema tecnico di grande precisione che isola l’opera dal resto dello spazio. Qui il vuoto diventa elemento progettuale, capace di dare respiro al lavoro esposto e di sottolinearne il valore quasi museale, amplificando l’impatto visivo e la forza espressiva di ogni singolo pezzo.

È proprio in questa dialettica tra la dimensione intima dell’abitare e la solennità dello spazio espositivo che si articola una nuova piattaforma culturale, capace di consolidare il dialogo tra la scena artistica italiana e quella mediorientale, aprendo traiettorie inedite di scambio e collaborazione per artisti, curatori e collezionisti.

Leggi Ancora