Un Viaggio nel Linguaggio Visivo di Sandra Sciommarello

di Giuseppina Irene Groccia |14|Aprile|2025|

Sandra Sciommarello, conosciuta nel mondo dell’arte con il nome d’arte Sandy Art, è un’artista calabrese che, nonostante il suo percorso relativamente recente nel campo artistico, ha già delineato una propria poetica e un linguaggio distintivo. Nata a Rossano (CS), la sua formazione è avvenuta attraverso studi scientifici, con una laurea in Scienze Infermieristiche conseguita all’Università di Firenze, ma la sua passione per l’arte e la creatività l’ha sempre accompagnata. La sua carriera artistica è un cammino che si è aperto solo nel 2024, quando ha deciso di frequentare il Centro Studi Artistici Angel Rose, dove ha avuto modo di esplorare diverse tecniche e materiali.

Ciò che contraddistingue il lavoro di questa artista è l’approccio sperimentale che guida ogni sua creazione. Non si pone limiti né sulle tecniche né sui temi, esplorando un ampio ventaglio di possibilità espressive. La sua arte è un continuo processo di ricerca, nel quale l’intuizione e l’emozione giocano un ruolo fondamentale. La sua preferenza per l’arte figurativa, in particolare per la figura femminile, è evidente: il corpo della donna diventa il suo soggetto privilegiato, usato come veicolo per esplorare temi profondi e contemporanei, come la riflessione sull’identità, la lotta contro la violenza di genere, l’inclusività e l’amore per sé.

Le opere di Sandra Sciommarello, pur mantenendo un forte legame con la pittura tradizionale, si arricchiscono di elementi materici, che rompono la bidimensionalità delle tele e creano un’interazione più profonda con lo spettatore. Dettagli come gioielli, stoffe, sabbia, legno e conchiglie arricchiscono le sue composizioni, donando loro una dimensione tattile che invita il pubblico a un coinvolgimento emotivo e sensoriale. Questo gioco di materiali e texture è per l’artista una necessità creativa, un modo per allontanarsi dalla pura estetica e puntare a un’esperienza che stimoli riflessioni e sentimenti.

Tra le opere più significative del suo percorso c’è La Dea Arsi, una figura femminile che invita lo spettatore a riflettere sulla propria immagine riflessa, sulla bellezza e sulla valorizzazione del sé. Quest’opera ha riscosso ampio consenso, tanto da essere selezionata per mostre internazionali e ricevere una Segnalazione di Merito al Premio d’Arte Internazionale Visioni. La sua arte, che si nutre di un costante confronto con il pubblico e gli altri artisti, non è solo un atto di creazione, ma un gesto di comunicazione profonda, destinato a suscitare emozioni, a stimolare pensieri e ad aprire uno spazio di riflessione su temi universali.

Il percorso di Sandra è appena all’inizio, ma la sua visione è chiara: l’arte è un linguaggio senza confini, un mezzo potente per parlare del mondo e delle sue contraddizioni. È un dono che deve essere condiviso, come lei stessa sottolinea, per contribuire alla bellezza e alla crescita collettiva. Guardando al futuro, l’artista intende espandere il suo orizzonte, esplorando nuove tecniche e collaborando con altri creativi, come nel caso del progetto di body art in collaborazione con altre donne, incentrato sull’empowerment femminile e sulla valorizzazione del corpo.

Per comprendere meglio la sua visione artistica e il suo percorso, abbiamo avuto il piacere di intervistare Sandra Sciommarello, che ci racconta il suo approccio all’arte, le sue sperimentazioni e le emozioni che animano le sue opere.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso
artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso
l’arte?

Salve a tutti, mi chiamo Sandra Sciommarello in arte SANDY
ART , sono calabrese e vivo a Corigliano-Rossano (CS).

Sono una persona poliedrica, determinata e molto curiosa, mi
piace sperimentare e mettermi alla prova in più ambiti; ogni esperienza mi
arricchisce e stimola, cerco da spettatrice di pormi  senza pregiudizio e cogliere la bellezza
intrinseca ed estrinseca in ogni creazione.

Una delle mie qualità è quella di non pormi limiti auto
sabotanti, di affidarmi con fiducia al flusso naturale della vita e pensare che
ognuno di noi ha doti nascoste da sviluppare.

Nel mondo dell’arte sono una neofita ma anche e soprattutto
una ricercatrice.

Ho sempre amato
l’arte, cosi come amo viaggiare, e ho avuto modo di vedere varie mostre in giro
per il mondo.

Una  mia
ritualità a fine di ogni anno è  stilare
una lista di desideri per l’anno che verrà.

A fine 2023 nella mia lista
scrissi: “cimentarmi in una nuova attività che mi permetta di esprimermi a 360
gradi” ed ecco che infatti nel gennaio 2024 ho iniziato a frequentare il Centro
Studi Artistici ANGEL ROSE di Emanuela Bosco, sito nel mio paese di residenza.
Dopo alcune lezioni tecniche e nozionistiche ho preso finalmente in mano i
pennelli è in quel momento mi si è aperto un mondo nuovo fatto di colori e
nuove opportunità di comunicazione.

Terminata la prima opera olio su tela, ho capito, io per
prima, che avevo delle ottime potenzialità, e da allora non mi sono più fermata,
anzi le mie sperimentazioni artistiche sono diventate man mano sempre più elaborate e personalizzate.

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Amo l’arte figurativa e soprattutto l’immagine femminile.

Fin da subito l’immagine della donna mi ha affascinato per
le sue mille declinazioni.

Sono una donna, amo le donne e credo che l’universo
femminile si presti a disparate narrazioni in modo elegante ma profondo.

Uso  la figura
femminile in modo versatile, attraverso le mie donne riesco a  comunicare il mio punto di vista sia su temi
legati ad aspetti specifici della sfera femminile sia a comunicare temi sociali
e  di attualità

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo?

Le mie creazioni amo
definirle SPERIMENTAZIONI ARTISTICHE, proprio perché non mi pongo limiti nè
sulla tecnica ne sulla tematica.

Sono aperta a nuove scoperte e guardo al mondo dell’arte
come un ambiente in cui ognuno può raccontare di se e del mondo, senza
limitazioni, ecco perché lo trovo un ambito molto affascinante e mai statico.

Ami arricchire le tue opere con dettagli che rompono la
bidimensionalità dell’opera, creando un gioco di profondità. Cosa ti spinge a
integrare questi elementi tridimensionali nelle tue tele?

Fin dalla mia  prima
creazione ho avvertito la necessità di creare qualcosa di personalizzato e con
caratteristiche riconoscibile.

Lo stile SANDY art è
proprio  il connubio tra la classica
pittura a olio o acrilico con aggiunta di dettagli materici.

Credo che questa unione esalti le mie creazioni e
incuriosisca lo spettatore.

L’obiettivo futuro
che mi prefiggo è che proprio attraverso questa particolare costruzione, le
creazioni SANDY ART  siano riconoscibili.

In un mondo in cui la pittura è spesso vista come un’arte
puramente visiva, cosa cerchi di comunicare ai tuoi spettatori attraverso l’uso
di texture e materiali che emergono dalla superficie?

Aggiungo a i miei
quadri  materiali che emergono dalla tela
proprio per rompere la bidimensionalità
e creare una interazione maggiore con lo spettatore.

Credo che l’arte in genere non può essere ridotta a qualcosa
che è solo bella da vedere, l’arte deve emozionare!

L’arte è uno strumento potentissimo per comunicare, a volte
è intuitivo altre volte è concettuale o astratto. Certo è, che alcune creazioni
comunicano allo spettatore non solo per la bellezza puramente estetica ma
proprio perché rievocano sentimenti, emozioni profonde e  inducono alla riflessione…ecco io tento di
fare questo, di incuriosire e indurre a uno spunto riflessivo.

Quando crei, come scegli i soggetti da raffigurare? C’è
un legame tra il tema delle tue opere e la scelta dei materiali che utilizzi
per arricchirle?

Il mio processo
creativo non è ancora definito e standardizzato.

A volte parto da un
idea, da una tematica che voglio rappresentare e una volta dipinta decido di
arricchirla con del materiale materico, altre volte invece parto dal dettaglio, dal materiale. Per
esempio mi è capitato di passeggiare in spiaggia e trovare dei legnetti o
cortecce o conchiglie o sassolini e da quel dettaglio immaginare come e dove
inserirla.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo
lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato
particolarmente la tua visione?

Da  sperimentatrice, non metto paletti alla
creatività.

Amo frequentare mostre e esposizioni di ogni tipo, guardo al
mondo con curiosità alla ricerca della bellezza a volte nascosta, a volte ben
evidente.

Seguo, anche grazie ai social, diversi artisti
contemporanei per confrontare stili differenti, e prendere spunti generici.

Credo che ogni persona che crea sia un artista, ogni
creazione sia un dono per l’umanità e un modo di esprimere prima di tutto la
nostra complessa interiorità.

Siamo abituati a conoscere soprattutto i  grandi maestri dell’arte, viviamo in un paese, l’italia che è sempre stata culla di
cultura e arte… ma anche chi lavora a
maglia o produce piccoli oggetti è per me un artista e un creatore e ha qualcosa da insegnare.

Definisco artista chiunque dedichi il suo tempo a creare
qualcosa.

Che importanza attribuisci al colore nel tuo lavoro? Come
scegli la tua palette e che significato ha per te il colore?

Per quanto riguarda l’uso del colore, ammetto che è un
aspetto su cui sto ancora studiando.

So bene che in arte ogni
singolo colore ha il suo significato e esprimesuscita  determinate emozioni ma  con estrema umiltà dichiaro che sono una
artista in formazione e evoluzione, ho tanto da approfondire e questo è uno
degli aspetti su cui attualmente sto studiando.

Preferisci lavorare su tela in solitudine o trovi
ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Attualmente faccio sperimentazioni in solitaria che
alterno a momenti di creatività guidata appoggiandomi appunto al centro studi
artistici.

Sento la necessità di condividere le mie ispirazioni ma
anche di apprendere dalle sperimentazioni altrui, il centro studi che frequento
è un ambiente stimolante che frequento con piacere.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che
modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Per ogni essere umano la validazione esterna è un aspetto
fondamentale.

All’inizio della mia avventura è stato molto gratificante
ricevere tanti feedback positivi, un ottimo incoraggiamento per andare avanti.

Poi con estrema caparbietà
e senza farmi condizionare da specifiche aspettative  ho iniziato a visionare dei bandi per  partecipare a delle  mostre.

Cosi con la mia opera “LA DEA ARSI” nell’ottobre 2024 ho
preso parte alla mia prima Mostra Internazionale presso Casa Cava di Matera,
ricordo bene la sensazione di quel momento, tanto entusiasmo e tanta emozione

Entusiasmo perché non
ero più una spettatrice, un visitatore ma ero passata dall’altra parte, ero tra
gli Artisti in esposizione, leggere il mio nome sulla locandina mi ha fatto
concretizzare che questo sogno si stava avverando. ero riuscita a creare
qualcosa degno di concorrere insieme a opere straordinarie in una mostra
internazionale.

Il confronto con gli altri partecipanti nn mi ha spaventato,
chiaramente erano tutte persone o che svolgevano lavori legati al mondo
artistico (accademici, professori d’arte) o artisti che dipingevano da anni,
alcuni fin da bambini, quindi qualcosa di molto distante dalla mia esperienza
personale.

Nonostante questa fosse la mia prima esperienza, l’opera da
me presentata  aveva tutte le
potenzialità, di fatto  sia il critico d’arte che ha recensito, sia tutti gli altri
partecipanti e visitatori hanno elargito complimenti a iosa sulla mia creazione
e sull’idea da me proposta.

Da lì ho capito che nonostante la mia inesperienza, la mia
creazione veicolava un messaggio potente, e che non è mai troppo tardi per approcciarsi
a un hobby, per avere sogni e per reinventarsi ogni giorno fino alla versione
migliore di noi.

Spero che la mia esperienza sia da ispirazione ad altre
persone che si autolimitano. Non ci sono limiti ai nostri sogni, non è ne una
questione di età, ne di possibilità, ne di mancanza di tempo, ne altro, siamo
noi a imporci dei limiti e a sabotare spesso le nostre esistenze.

La vita ci da opportunità infinite, ci vuole solo un pò di
coraggio per crederci e credere in noi stessi

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che
consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

A essere onesta io
amo ogni opera che creo.

Chiaramente essendo il mio un percorso appena iniziato  ci sono alcune che sono delle prove da
studio,  altre, quelle che preferisco,
sono Racconti di qualcosa che voglio trasmettere.

Un  opera a cui tengo
particolarmente è la NASCITA DI SANDY, ossia il mio primo quadro in assoluto ,
(da li il nome), perché con Lei nasco anche io in un nuovo aspetto di me, nasce
la SANDRA artista.

Mentre l’opera a cui sono maggiormente affezionata è LA DEA ARSI, quest’opera nasce per indurre alla riflessione, trattasi di una donna
bellissima che ci invita con lo sguardo a guardare la vera opera d’arte, ossia
l’immagine riflessa nello specchio alla sua sinistra.

Il nome _ARSI è rappresentativo appunto del punto di vista
personale ed emozionale dello spettatore, che di fronte a Lei, specchiandosi,
ha modo di far emergere sentimenti ed emozioni puramente introspettive e
soggettive.

Chi si porrà di fronte all’opera potrà ad esempio

Am -ARSI

Paragon _ARSI

Ignor _ARSI

Osserv _ARSI

Ispir _ARSI

Critic  _ARSI

Celebr_ARSI

E così via

Pertanto, l’opera può ritenersi duttile e mutevole come lo
sono gli stati d’animo umani.

Vado molto fiera di questa creazione, che nasce dall’idea di
comunicare allo spettatore (e alle donne in modo particolare) di darsi sempre
un valore, di specchiarsi in se stessi e trovare le risposte, di vedersi
realmente per quello che sono e di volersi bene perché ogni persona  è un opera d’arte.

Con la DEA Arsi ho partecipato a 2 Mostre Internazionali,

–   
-WOMAN RASSEGNA D’ARTE CONTEPORANEA “WOMAN” 4
EDIZIONE PRESSO CASA CAVA MATERA A CURA DI ANTONIETTA D’ECCLESIIS ART PROMOTER
TOP ARTIST DAL 12 AL 19 OTTOBRE 2024

–
PREMIO D’ARTE INTERNAZIONALE “VISIONI” 1
EDIZIONEPRESSO TEMPIO DI POMONA (SA) DAL 7 AL 14 DICEMBRE 2024.

LA MIA
OPERA LA DEA ARSI HA RICEVUTO UNA SEGNALAZIONE DI MERITO E IL CATALOGO DI
VISIONI (CONTENENTE LA MIA OPERA) SARA’ ARCHIVIATO NELLA BIBLIOTECA THOMAS
WATSON DEL METROPOLITAN MUSEUM DI NEW YORK

Ad oggi è la mia opera di punta, e anche per l’anno 2025, ho
inviato la mia candidatura a bandi di selezione ancora in fase di svolgimento.

Vorrei esporla in contesti europei, in merito aspetto
l’esito delle selezione per una Galleria di prestigio di Parigi e per l’Ateneo
di MADRID.

Stay tuned…

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea?
Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

 Nella società odierna in cui la
bruttezza spesso dilaga, l’arte è uno strumento estremamente potente per
veicolare invece bellezza.

L’arte contemporanea soprattutto svincolandosi da rigidi canoni
accademici permette agli artisti di spaziare negli stile e nell’uso dei
materiali.

Ho sempre creduto che se nella nostra mente nasce un idea di certo c’è un
modo per farla venire alla luce.

Il mio lavoro ha lo scopo di
veicolare messaggi quali l’inclusione, la lotta alla violenza sulle
donne, l’amore per se stessi , celebrare la forza delle donne  nella loro complessità.

Spero che avrò modo di creare opere sempre più elaborate e deduttive.

Vorrei che il mio messaggio sia comprensibile e intuitivo, perché l’arte
è un dono per tutti.

io sono una donna di 45 anni, non ho  avuto figli ma le mie sperimentazioni
artistiche sono metaforicamente il prodotto  non del mio utero, ma della mia mente, delle
mie mani, del mio cuore  e della mia
anima.

 Recentemente hai partecipato a Visioni, il premio d’arte internazionale organizzato dall’associazione culturale AthenaeArtis di Maria Di Stasio. Che esperienza è stata per te? C’è qualcosa di particolare che hai apprezzato o che ha arricchito il tuo percorso artistico?

L’evento VISIONI ha attirato molto
la mia attenzione soprattutto per la location, il Tempio di Pomona è un complesso
bellissimo nel cuore di Salerno e si presta molto bene a esposizioni di vario
genere.

Maria di Stasio è una grande professionista ma anche e soprattutto una
donna speciale.

Ricordo che prima di inviare la mia candidatura le feci una telefonata e lei
mi mise subito a mio agio,  credo sia una
donna con una spiccata sensibilità.

Poi ci siamo conosciute dal vivo e posso confermare che è una persona
attenta, comprensiva affidabile e di una dolcezza infinita.

L’evento è stato impeccabile, gli artisti selezionati di un livello
davvero alto e le opere davvero molto innovative e interessanti.

Quindi sono onorata di aver preso parte a un evento cosi esclusivo, e di
essermi confrontata con artisti straordinari.

LtLa tua opera presentata a Visioni, è stata tra le protagoniste
dell’evento, distinguendosi al punto da farti ottenere una Segnalazione di
Merito. Puoi raccontarci il processo creativo che ti ha portato a realizzarle?
C’è una storia, un significato o un messaggio particolare che volevi
trasmettere attraverso di esse?

Il fatto che tra piu di 100 opere
e 60 artisti la mia DEA ARSI si sia distinta e abbia ottenuto una segnalazione
di merito nn solo mi riempie il cuore di gioia ma mi conferma che se si fa
qualcosa con amore questo verrà riconosciuto.

Come ho già detto in precedenza la DEA ARSI è un opera semplice nella sua
parte puramente stilistica ma veicola un messaggio potente e questa la
caratteristica vincente secondo me.

È un quadro che dialoga con lo spettatore, il quale ponendosi dinnanzi
allo specchio si ritrova a fare i conti con se stesso. Vorrei che tutti
specchiandosi provassero sensazioni di benessere e amore per se stessi, ma in
un mondo che ci vuole performanti e sempre di corsa a volte non ci prendiamo il
tempo nemmeno di guadare la nostra immagine riflessa in uno specchio e cogliere
la meraviglia che siamo. Tutti , indistintamente speciali.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi ambiti o
tematiche che vorresti esplorare?

Spero che nel mio prossimo futuro possa avere la possibilità di esporre
in contesti prestigiosi europei.

Ho in cantiere diverse nuove idee, non solo di pittura ma vorrei
cimentarmi in qualcosa di più complesso che mixi un po’ i generi e i materiali.

Ho in lavorazione una installazione per una mostra specifica che ci sarà
a novembre 2025

Tra pochi  giorni partirò per il
Marocco una metà che vado a esplorare per vagliare l’uso di alcune loro tinture
e spezie , che mi piacerebbe integrare nelle mie creazioni. Inoltre  parteciparò a dei laboratori di ceramica.

Di recente ho conosciuto una donna, un’artista che si occupa di body
artherapy , un progetto davvero valido  che
coinvolge donne operate di tumore al seno e tecniche miste di pittura e  body painting
e insieme vorremmo ampliare questo progetto.

Quindi che dire, il mondo SANDY ART è una fucina di idee in continuo
aggiornamento,

idee sempre nuove, sperimentazioni senza limitazioni.

Non so dove mi porterà questo percorso ma il fatto che sia duttile e che
dipenda esclusivamente da me mi fa andare avanti con il sorriso e con la
certezza che grandi cose possono venire alla luce, affidandoci alla vita con
fiducia.

Contatti

Email s.sandra1980@libero.it

Facebook Sandra Sciommariello

MI CHIAMO SANDRA SCIOMMARELLO , NATA A ROSSANO (CS) IL
28/5/1980

DOPO I TRADIZIONALI STUDI SCOLASTICI , HO CONSEGUITO IL
DIPLOMA PRESSO IL LICEO SCIENTIFICO E L’ISTITUTO MAGISTRALE,  HO FREQUENTATO L’UNIVERSITA’ DEGLI STUDI DI
FIRENZE CONSEGUENDO LA LAUREA TRIENNALE IN SCIENZE INFERMIERISTICHE.

DAL 1.3.2005 LAVORO PRESSO IL CENTRO MEDICO LEGALE  INAIL , SEDE DI CORIGLIANO ROSSANO.

HO SEMPRE SEGUITO LA MIA PASSIONE NELLO SPERIMENTARE DIVERSE
E VARIE DISCIPLINE, TRA CUI EQUITAZIONE, PILATES, TEATRO, GINNASTICA AEREA,
CUCITO, COMPOSIZIONE DI POESIE E PITTURA

DAL GENNAIO 2024 HO INIZIATO A FREQUENTARE IL CENTRO STUDI
ARTISTICI ANGEL ROSE DI BOSCO EMANUELA PRESSO LA CITTA’ DI CORIGLIANO ROSSANO.

IN QUESTO BREVE MA PROFICUO PERCORSO HO SPERIMENTATO DIVERSE
TECNICHE TRA CUI PITTURA CON AQUERELLO, COLORI A OLIO, STUDI MATERICI CON  MATERIALI ALTERNATI TIPO LEGNO E STUCCO,
CARBONCINO , ECC

LA MIA TENDENZA PERSONALE E’ VERSO IL MATERICO MI PIACE
AGGIUNGERE ALLE MIE CREAZIONI DETTAGLI IN RILIEVO , TIPO GIOIELLI, STOFFE ,
FOGLIE ,SABBIA, ECC

PREDILIGO LA FIGURA FEMMINILE E I NUDI ARTISTICI E IL
FIGURATIVO

SONO I DETTAGLI A RENDERE UNICI LE CREAZIONI SANDY

LE MIE OPERE SONO STATE IN MOSTRA PRESSO :

–
MOSTRA COLLETTIVA ORGANIZZATA
DA SCUOLA D’ARTE ANGELROSE  PRESSO CENTRO
STORICO DI ROSSANO DAL 13 AL 15 AGOSTO 2024

–
41° PREMIO NAZIONALE DI
PITTURA FIGHILLEARTE PRESSO FIGHILLE (PG) 5-6- OTTOBRE 2024

–
RASSEGNA D’ARTE CONTEPORANEA
“WOMAN” 4 EDIZIONE PRESSO CASA CAVA MATERA A CURA DI ANTONIETTA D’ECCLESIIS ART
PROMOTER TOP ARTIST DAL 12 AL 19 OTTOBRE 2024

–
PREMIO D’ARTE INTERNAZIONALE
“VISIONI” 1 EDIZIONEPRESSO TEMPIO DI POMONA (SA) DAL 7 AL 14 DICEMBRE 2024

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

 

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

 

 

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Tra la soglia del reale e il respiro del sogno

L’universo visivo di Christine Selzer

di Giuseppina Irene Groccia |11|Aprile|2025|

Nel lavoro di Christine Selzer, la fotografia si fa alchimia silenziosa. Le sue immagini nascono come istanti catturati ma si espandono, si trasformano, si sfumano in visioni che non appartengono né pienamente al reale né del tutto all’immaginario. C’è un confine sottile che Selzer percorre con maestria: quello tra la fotografia intesa come documento del reale e la fotografia come apertura a un altrove sensibile e concettuale. Un confine che lei lambisce, ma non oltrepassa mai con prepotenza.

Le sue elaborazioni digitali non gridano, non cancellano la natura dell’immagine. Semmai la avvolgono, come una nebbia che lascia intravedere l’ossatura della realtà mentre la trasfigura in qualcosa di profondamente altro. In questo spazio sospeso, le sue opere diventano materia del sogno: colori che sembrano trattenere un respiro, sfumature che galleggiano nel silenzio, e sempre – immancabile – la figura umana, presenza meditata e mai casuale. L’essere umano nei suoi scatti è concetto, non semplice soggetto: è riflesso, simbolo, a volte totemico, a volte effimero.

C’è un senso di mistero, ma mai di caos. Ogni immagine è costruita con attenzione, con una poetica visiva che parla di visioni interiori, di narrazioni non dette ma suggerite. Selzer non racconta storie lineari, ma evoca stati dell’anima. Le sue fotografie sono luoghi abitati da silenzi eloquenti, da intuizioni visive che richiamano l’inconscio, forse anche il suo passato da studiosa di psicologia.

Eppure, il suo stile è anche profondamente contemporaneo, audace, e innovativo. Non cede a cliché né a formule riconoscibili. L’estetica che propone non cerca l’approvazione ma l’evocazione. C’è qualcosa di profondamente personale nel suo modo di vedere e reinterpretare il mondo – un tocco che riconduce sempre a lei, anche quando i volti sono altri, anche quando i corpi si fanno ombre, simboli, presenze astratte.

L’artista si fa portavoce di esperienze visive che non si esauriscono nello sguardo, ma lo superano, lo espandono. Le sue immagini non chiedono solo di essere osservate: chiedono di essere abitate, ascoltate, respirate. Ci invita a guardare, sì, ma anche a sostare — nel silenzio e nella sospensione — a sentire con gli occhi e con la pelle. A rimanere in equilibrio, come lei, su quella soglia sottile e incantata dove la fotografia smette di essere semplice rappresentazione e si fa pensiero incarnato, visione poetica, materia viva che pulsa al ritmo del non detto.

In Christine Selzer’s work, photography becomes silent alchemy. Her images are born as captured moments but expand, transform, fade into visions that belong neither fully to the real nor entirely to the imaginary. There is a thin line that Christine Selzer masterfully travels: that between photography understood as a document of the real and photography as an opening to a sensitive and conceptual elsewhere. A line that she grazes, but never oversteps forcefully.

Her digital processing does not shout, does not erase the nature of the image. If anything, it envelops it, like a fog that allows a glimpse of the skeleton of reality while transfiguring it into something profoundly different. In this suspended space, her works become the stuff of dreams: colors that seem to hold a breath, shades that float in silence, and always – unfailingly – the human figure, a thoughtful and never casual presence. The human being in her shots is a concept, not a simple subject: it is a reflection, a symbol, sometimes totemic, sometimes ephemeral.

There is a sense of mystery, but never of chaos. Each image is carefully constructed, with a visual poetics that speaks of interior visions, of unspoken but suggested narratives. Selzer does not tell linear stories, but evokes states of the soul. Her photographs are places inhabited by eloquent silences, by visual intuitions that recall the unconscious, perhaps even her past as a psychology scholar.

Yet, her style is also profoundly contemporary, bold, and innovative. It does not give in to clichés or recognizable formulas. The aesthetics she proposes do not seek approval but evocation. There is something deeply personal in her way of seeing and reinterpreting the world – a touch that always leads back to her, even when the faces are others, even when the bodies become shadows, symbols, abstract presences.

Christine Selzer becomes the spokesperson of visual experiences that are not exhausted in the gaze, but surpass it, expand it. Her images do not only ask to be observed: they ask to be inhabited, listened to, breathed. She invites us to look, yes, but also to pause — in silence and suspension — to feel with our eyes and skin. To remain in balance, like her, on that thin and enchanted threshold where photography ceases to be simple representation and becomes embodied thought, poetic vision, living matter that pulsates to the rhythm of the unsaid.

Di seguito, l’intervista all’artista, che ci permette di approfondire il suo percorso e comprendere meglio la visione che guida il suo lavoro fotografico.

Puoi raccontarci come hai
iniziato il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento
particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Nessun evento
particolare. Il mio percorso nell’arte è iniziato quando avevo circa cinque
anni. Essendo figlia unica, mi chiudevo nella mia stanza impegnata in attività
che andavano dal truccare le mie bambole, alla creazione di manufatti con
plastilina o carta, alla pittura e al disegno.

Qual è il tema o il
messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue opere?

Non cerco di fare nulla.
Cosa emerge inconsciamente dal mio lavoro, di solito è un trauma infantile, una
sensazione di soffocamento, un’intensa femminilità e un amore per i colori
intensi, che spesso assumono una sensazione tridimensionale, anche nella
creazione di immagini bidimensionali.

Come descriveresti il
tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

Posso dire che il mio
stile artistico si esprime attraverso la tecnica mista. Nel corso del tempo si
è evoluto nell’imaging digitale. Tuttavia, di tanto in tanto disegno o dipingo.

La tua esperienza
spazia dalla fotografia alla psicologia, passando per il trucco e lo styling.
Come queste diverse discipline influenzano il tuo approccio alla creazione di
immagini digitali e alla fotografia?

Il mio lavoro è
influenzato dalla fotografia, dalla pittura, dalla scultura, dalla moda, dalla
make-up art, così come dalla psicologia, dalla filosofia e dalla spiritualità.
Insomma tutto ciò che mi definisce nel suo insieme, come personalità.

Hai lavorato in
diversi paesi e contesti artistici. In che modo il trasferimento a New Orleans
ha influenzato la tua visione artistica e la tua sperimentazione creativa?

New Orleans è quella che
si potrebbe descrivere come la città senza età. Gran parte della vita di New
Orleans si esprime nel jazz, nel blues e nella musica rock. E i colori! Gente
colorata, sfilate e architetture. Ci si può sentire senza età lì. La musica, i
colori e il senso di libertà hanno influenzato il mio lavoro.

Essendo anche
un’insegnante certificata di Kundalini Yoga, trovi connessioni tra la pratica
dello yoga e il tuo processo creativo nella fotografia e nell’arte digitale?

Certamente. Lo yoga e la
meditazione richiedono una sorta di concentrazione. La stessa attenzione è
richiesta da tutto ciò che è creativo. Dal cucinare e dal giardinaggio a quella
che chiamiamo arte. Impegnarsi in queste attività è vivere il momento presente.
È una meditazione attiva.

Quali sono le
principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o
esperienze personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione?

Tutta l’arte
contemporanea, ma anche artisti come J.M.W Turner, agli impressionisti,
fotografi come Man Ray, Walker Evans, Irving Penn così come la Pop art di
Warhol e l’arte Kitsch di Jeff Coons e molti altri, sono fonte di ispirazione.
Trovo confuso descrivere la mia visione. È quello che è…. Immagino
un’amatalizzazione di tutta l’arte sperimentata in tutte le forme.

Qual è il
processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o
rituali a cui sei particolarmente affezionata?

Non credo ci sia un
processo particolare. È un bisogno. Non appena ne sento il bisogno, creo. Per
quanto riguarda le tecniche, tutti i media mi interessano e possono essere
incorporati nel mio lavoro.

Come scegli i soggetti
o le scene da immortalare? Segui un’intuizione momentanea o c’è sempre una
pianificazione dietro ogni scatto?

Quando mi dedico alla
fotografia pura, c’è un concetto non ancora formato che guida la mia macchina
fotografica. Questo concetto si realizza quanto la foto è presa. A volte, è solo
bellezza. Bellezza del paesaggio, bellezza degli animali, bellezza umana.
Quando mi dedico alla creazione di immagini digitali o al collage, inizio con
un’immagine che suona un campanello nella mia mente subconscia, e poi inizio a
costruire attorno ad essa. Niente è premeditato. È un processo in evoluzione.

Come vivi il rapporto
tra l’arte e il pubblico? In che modo il feedback o le reazioni delle persone
influenzano il tuo lavoro?

Quando le persone vedono
qualcosa nel mio lavoro che risuona con loro, si crea un legame umano. Emerge
qualcosa che ho in comune con gli altri. Questo rende la vita meno solitaria. È
il modo in cui mi connetto principalmente con le altre persone.

Che ruolo ha la
tecnologia (fotocamere, software di post-produzione) nel tuo processo creativo
e nella creazione delle tue opere fotografiche?

Una buona machina
fotografica è ovviamente molto importante, ma per il tipo di lavoro in cui mi
impegno, il software di post-produzione è ancora più importante. Poiché il mio
lavoro si basa spesso sulla stratificazione di immagini per creare compositi o
sul taglio di parti di una o più immagini per creare collage, ho bisogno di un
buon programma software su cui lavorare. Il fatto che non mi interessi
principalmente rappresentare la realtà ma rappresenti una realtà che creo,
anche gli effetti e i filtri sono significativi. In breve, saper utilizzare
questi strumenti è di grande importanza.

Come vedi il ruolo
dell’arte nella società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in
qualche modo a questo ruolo?

Il ruolo dell’arte nella
società contemporanea è importante come lo è sempre stato. Soprattutto quando
gli artisti hanno smesso di aver bisogno dell’arte per rappresentare la realtà
a causa dell’invenzione della fotografia, l’arte contemporanea è significativa
nel rappresentare i nostri sogni, i nostri stati d’animo psicologici, le nostre
convinzioni e nell’aumentare la coscienza in questioni sociologiche, politiche,
filosofiche e tutto ciò che ci riguarda come esseri umani.Vorrei credere che il
mio lavoro contribuisca in qualche modo.

Quali sono le maggiori
difficoltà che hai affrontato come artista e come le hai superate?

La difficoltà più grande
è stata me stessa. La mancanza di fiducia e la paura di essere rifiutata ai
primi passi, hanno contribuito a non essere disposta a mostrare il mio lavoro a
un vasto pubblico. Il modo in cui li ho superati è stato attraverso la
conoscenza di me stessa e la perseveranza nelle mie convinzioni. Il mio
percorso spirituale, però, potrebbe aver il ruolo più grande.

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

La descrizione di Maria
Di Stasio della portata di questa mostra mi esprime totalmente, ed è quello che
mi aspetto da essa. La profondità dell’arte,
la sua universalità, la sua varietà di espressione sensoriale, i temi toccanti
che indagano in profondità nelle nostre emozioni, trasformando l’esperienza
negativa e il trauma in qualcosa di bello, il coraggio e il rifugio che l’arte
dà ai suoi creatori, l’importanza dell’autenticità che ci definisce veramente,
comprese le nostre emozioni oscure e il coraggio di affrontarle, l’interscambio
di varie realtà che uniscono gli artisti che è in accordo con la mia
convinzione che la condivisione dell’arte può rendere la vita meno solitaria,
mi hanno spinto a partecipare a questa mostra. Credo davvero che stare tra
artisti che esprimono la loro verità, contribuisca alla nostra crescita
personale.

Quali progetti o
obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti
esplorare?

C’è sempre un percorso
che gli artisti dovrebbero seguire, essendo in un processo in continua
evoluzione. Man mano che maturiamo, ci aspettano nuove sfide. Qualunque siano
queste sfide, definirò gli ambiti e le temiche che voglio esplorare.

Can you tell us how you started your
artistic journey? Was there a particular moment or event that pushed you
towards art?

-No particular event. My journey in art
started when I was about five years old. Being an only child, I used to lock
myself up in my room engaging in activities from putting make up on my dolls,
to creating artifacts with plasticine or paper, painting and drawing.

 

What is the main theme or message that
you try to communicate through your work?

I do not try to do anything. What emerges subconsciously
from my work, is usually childhood trauma, a feel of suffocation, intense
femininity, and a love for intense colors, often taking a three-dimensional
feel, even in two dimensional image making.

 

How would you describe your art style
and how it has evolved over time?

I can say that my artistic style is
expressed by mixed media. Over time it evolved into digital imaging. However, I
still occasionally draw or paint.

 

Your experience ranges from photography
to psychology, through makeup and styling. How do these different disciplines
influence your approach to digital image-making and photography?

My work is influenced by photography,
painting, sculpture, fashion, make-up art, as well as from psychology,
philosophy and spirituality. In short all that defines me as a personality.

 

You have worked in different countries
and artistic contexts. How has moving to New Orleans influenced your artistic
vision and creative experimentation?

New Orleans is what one could describe the
city of no ages. So much of New Orleans life is expressed in jazz, the blues,
and rock music. And colors! Colorful people, parades and architecture. One can
feel ageless there. Music, colors and a sense of freedom influenced my work.

 

 

 

 

Being also a certified Kundalini Yoga
teacher, do you find connections between yoga practice and your creative
process in photography and digital art?

 

Certainly. Yoga and meditation require a certain focus. The same
focus is required by everything creative. From cooking and gardening to what we
call art. Engaging in these activities is living in the present moment. It is
active meditation.

 

What are the main sources of inspiration
for your work? Are there any artists, movements or personal experiences that
have particularly influenced your vision?

All contemporary art, but also artists
like J.M.W Turner to the impressionists, photographers like Man Ray, Walker
Evans, Irving Penn as well as Warhol’s Pop art and Jeff Coon’s Kitsch art plus
many others, are a source of inspiration. I find it confusing to describe my
own vision. It is what it is…. I guess an amalgamation of all experienced art
of all forms.

 

What is the creative process you follow
to create your works? Are there any techniques or rituals you are particularly
fond of?

I don’t think there is a particular
process. It is a need. As soon as I feel the need, I create. As far as
techniques are concerned, all media interest me and can be incorporated into my
work.

 

How do you choose the subjects or scenes
to be immortalized? Do you follow a momentary intuition or is there always a plan
behind every shot?

When I engage in pure photography, there
is some unformed concept that leads my camera. Sometimes, it is just beauty.
Landscape beauty, animal beauty, human beauty. When I engage in digital image
making or collage, I start with an image that rings a bell to my subconscious
mind, and then I start constructing around it. Nothing is premeditated. It is
an evolving process.

 

How do you experience the relationship
between art and the public? How do people’s feedback or reactions affect your
work?

 

When people see something in my work that
resonates with them, there is a human bond created. Something that I have in common
with others emerges. This makes life less lonely. It is how I mainly connect
with other people.

 

What role does technology (cameras,
post-production software) play in your creative process and in the creation of
your photographic works?

A good camera is of course very
important, but for the kind of work I engage in, the post-production software
is even more important. As my work is often based on layering images to create composites
or cutting parts of one or more than one image to create collages, I need a
good software program to work on. The fact that I am not mainly interested in
depicting reality but to represent a reality that I create, effects and filters
are also significant. In short, knowing how to use these tools is of great
importance.

 

How do you see the role of art in
contemporary society? Do you think your work contributes in any way to this
role?

The role of art in contemporary society is
as important as it always was. Especially when artists stopped needing art to
represent reality because of the invention of photography, contemporary art is
significant in representing our dreams, our psychological states of mind, our
beliefs as well as raising consciousness in sociological, political,
philosophical matters and all that concerns us as humans. I would like to
believe that my work contributes in some way.

 

What are the biggest difficulties you
have faced as an artist and how did you overcome them?

The biggest difficulty has been my own
self. A lack of confidence and a fear of rejection at my first steps,
contributed to my not being willing to show my work in a large audience. The
way I overcame them was through self-knowledge and perseverance in my beliefs.
My spiritual path though, may have played the greatest role.

 

 

Currently you are one of the artists
selected for Everland Art – Research Paths, the event organized by Maria Di
Stasio’s cultural association Athenae Artis, which will be held from April 26
to May 3 at the ‘IL LEONE’ Art Gallery. What prompted you to participate in
this exhibition and what are your expectations regarding this experience? What
aspects do you think can enrich your artistic path and contribute to your
creative growth?

Maria Di Stasio’s description of the
scope of this exhibition expresses me totally and is what I expect from it. The
depth of art, its universality, it’s variety of sensory expression, touching
themes that search deep into our emotions, transforming  negative experience and trauma into
something  beautiful, the courage and
refuge art gives to its creators, the importance of authenticity that truly
defines us, including our obscure emotions and the courage to face them, the
interchange of various realities that bring artists together which is in
accordance to my belief that sharing art can make us feel less lonely, prompted
me to participate to this exhibition. I truly believe that being among artists
that express their truth, adds to our personal growth.

 

What projects or goals do you have for
the future? Are there any new areas or themes you would like to explore?

There is always a path that artists should
pursue, being in an ever-evolving process. As we mature, new challenges are to
be faced. Whatever these challenges will be, they will define the areas and
themes I want to explore.

 

Christine Selzer è nata ad Atene, Grecia. Dopo aver conseguito il diploma presso il Lycée Français Orsoline di Atene, ha frequentato il Deree, l’American College of Atene, dove ha studiato psicologia per quattro anni. Tuttavia, la sua vera vocazione era orientata verso le arti, quindi si è trasferita a Londra, Regno Unito, per studiare trucco professionale per teatro, TV e cinema alla Makeup Academy. Successivamente, ha frequentato il Croydon College, dove ha studiato belle arti per quattro anni.

Dopo gli studi, Christine è tornata in Grecia, dove ha preso in gestione l’azienda di famiglia specializzata in moda maschile su misura, importando prodotti dall’Italia per 22 anni. Allo stesso tempo, ha lavorato come truccatrice, stilista e fotografa per gruppi musicali e attori. Tuttavia, con l’arrivo della crisi economica in Grecia, ha chiuso lentamente l’attività.

Nel 2011, Christine si è sposata con il fotografo Louis Selzer e si sono trasferiti negli Stati Uniti. Prima a New Orleans, dove ha ripreso la sua carriera artistica e fotografica, diventando artista multimediale. Nel 2013 ha ottenuto la certificazione come insegnante di yoga e suonatrice di gong nel New Mexico, e, al suo ritorno a New Orleans, ha aperto il suo studio di yoga, dove ha insegnato per cinque anni. Nel 2016, i Selzer si sono trasferiti a Washington, DC, dove vivono attualmente, continuando a realizzare immagini digitali.

Christine parla correntemente inglese, francese, italiano e greco.

 

 

 

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

 

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

 

 

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Tracce d’anima su tela

Conversazione con Roberta Baldassano

di Giuseppina Irene Groccia |09|Aprile|2025|

Con un passato nel mondo della moda e una lunga esperienza come educatrice, Roberta Baldassano ha trasformato la sua sensibilità artistica in un percorso ricco di sperimentazione, libertà espressiva e profonda introspezione. 

La sua ricerca, maturata nel tempo tra colori, materiali e visioni interiori, è una continua oscillazione tra rigore e impulso, tra la precisione del figurativo e la potenza liberatoria dell’astratto. 

Dai murales per l’infanzia alle opere più recenti, cariche di stratificazioni emotive e tensioni gestuali, la pittura di questa artista racconta un’anima in costante movimento, alla ricerca di un linguaggio autentico e personale. In questa intervista ci accompagna nel suo universo fatto di intuizioni notturne, esperienze trasformative e colore vissuto come mezzo per dare forma all’invisibile. Ogni opera diventa così uno spazio aperto, un invito a lasciarsi attraversare, un dialogo silenzioso tra artista e spettatore.

Per approfondire il suo linguaggio visivo e il rapporto tra arte e vita, le abbiamo chiesto di raccontarsi.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo
percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha
spinto verso l’arte? 

Il mio percorso artistico, in senso stretto, è cominciato
due anni fa, ma in realtà è da quando ero piccola che amo l’arte: mi è sempre
piaciuto disegnare, sia a casa che a scuola, dove ad educazione artistica avevo
voti alti. All’età di circa 20 anni, dopo le scuole superiori, mi iscrivo ad un
corso triennale di stilismo di moda, conseguendo l’attestato di stilista, ma la
vita mi porterà ad intraprendere altre strade. Una di queste è quella legata al
mondo del sociale e, dopo un corso triennale, conseguo l’attestato di educatore
professionale. Comincia così una lunga carriera (di circa 20 anni) di
educatrice negli asili nido, presso i quali oltre ad occuparmi dei bambini,
creerò murales con tematiche legate al mondo dell’infanzia. Nella mia vita ci
sarà un altro cambiamento e, dopo aver fatto il corso di operatore socio
sanitario, comincerò a lavorare in ospedale, dove tutt’ora lavoro. Il passaggio
dagli asili nido all’ ospedale, mi ha portato un po’ ad accantonare l’arte; poi
tra il 2019 e il 2020 conosco l’artista Valerio Toninelli (pittore, scultore di Pistoia) e si riaccende l’amore, mai sopito, per l’arte. Comincio a fare
qualche quadro, prediligendo lo stile astratto. Nel 2023 partecipo alle colonie
artistiche in Serbia e Romania, dove, in cambio di vitto e alloggio,
l’associazione culturale che ti ospita, ti fornisce tele e colori; le opere che
vengono create dagli artisti rimangono di proprietà della suddetta
associazione. Dal 2024 ad oggi ho partecipato a diverse mostre e concorsi
nazionali ed internazionali e prossimamente ci saranno altri eventi artistici
ai quali parteciperò.

Qual’è il tema o il messaggio principale che
cerchi di comunicare attraverso le tue opere? 

Attraverso le mie opere
(principalmente astratte) vorrei che l’osservatore proiettasse le proprie
emozioni, più che comunicare qualcosa io, ma in realtà è impossibile la non
comunicazione. Inconsciamente, anche con l’astrattismo, si esprime gli stati
d’animo: si esprime l’inesprimibile e si rende visibile l’invisibile. Sovente
l’essere umano tende all’astrazione e, l’astratto, quindi, rappresenta una
chiave capace di aprire le porte dell’anima e della psiche.

Come descriveresti il tuo stile artistico e come
si è evoluto nel corso del tempo? 

Il mio stile artistico lo paragonerei ad un
animale che, per molto tempo, è stato in cattività, ristretto in degli spazi,
ma che oggi vuole uscire fuori dalle righe; in passato, con i murales, il mio
stile era quello figurativo, dove i temi da me disegnati, richiedevano
precisione e proporzione… oggi vivrei tutto ciò come una costrizione e cerco
di “fuggire” da tutto ciò, ma, a volte, in alcuni momenti, ricado nei
vecchi schemi, senza volere. Ciò mi disturba, perché vorrei vivere l’arte come
un momento di libertà, senza tensione. Il paragone, forse è un po’ azzardato,
ma paragono la mia voglia di fare arte ad un ballo costituito da movimenti
liberi, non come quei balli dove ti insegnano i passi e quelli devi fare. Oggi
vorrei dipingere, per il mero gusto di spargere il colore su una tela o un
foglio, come un bambino…

Il tuo percorso artistico è partito dal mondo
della moda per poi evolversi verso l’espressionismo astratto. Come pensi che la
tua esperienza nel campo della moda abbia influenzato il tuo approccio alla
pittura, soprattutto per quanto riguarda l’uso del colore e della forma? 

Ogni
nuova esperienza che facciamo, ci arricchisce, anche se non sempre avviene a
livello conscio. L’esperienza nel campo della moda, mi è servita, soprattutto,
quando creavo i murales negli asili nido, per le proporzioni delle figure umane
e non che ricreavo sulle pareti dei muri.

Nelle tue opere emerge una continua tensione tra
l’impulso emotivo e la necessità di ordine. Come riesci a coniugare queste due
forze apparentemente opposte nel processo creativo? È un equilibrio che si
sviluppa durante il lavoro o è qualcosa di premeditato? 

Confermo ciò che
emerge, ovvero la continua tensione tra l’impulso emotivo e la necessità di
ordine. La coniugazione di queste due forze apparentemente opposte, non è, per
me, di facile gestione nel processo creativo. Di premeditato non c’è molto e,
quindi, questo equilibrio si sviluppa, principalmente, durante il lavoro.

Sembri avvertire una forte ambivalenza tra
ordine e caos, che si riflette nel tuo lavoro. Come descriveresti la tua
visione dell’arte in relazione alla vita e alla tua evoluzione personale? Pensi
che l’arte sia per te un mezzo di auto-esplorazione, di comprensione del mondo,
o entrambe le cose? 

Diciamo che l’ambivalenza tra ordine e caos non si riflette
solo nell’arte, ma anche nella mia vita quotidiana. In realtà non sempre riesco
a coniugare queste due forze, apparentemente opposte nel processo creativo. È
una lotta interna continua. In merito al secondo punto di questa domanda, io
penso che l’arte sia uno strumento per esplorare se stessi, sia uno strumento
per comprendere il mondo.

Quali sono le principali fonti di ispirazione
per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno
influenzato particolarmente la tua visione? 

Non ci sono delle precise fonti di
ispirazione, anche se mi piace molto Kandinsky e Pollock. L’astrattismo mi
attrae particolarmente, perché non ci sono dei vincoli stretti, ai quali
attenersi, già ce ne sono abbastanza nella vita quotidiana. L’ispirazione può
venire vedendo un colore, oppure, durante il dormiveglia della notte, può
nascere un’idea da realizzare sulla tela.

Qual’è il processo creativo che segui per
realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente
affezionato? 

Non seguo un processo creativo vero e proprio per realizzare le
mie opere e neppure delle tecniche precise; mi piace sperimentare e quando non
riesco ad ottenere l’effetto voluto, cerco altre strade e può capitare che
stravolga tutto.

Preferisci lavorare su tela in solitudine o
trovi ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Preferisco di gran lunga lavorare su tela in solitudine, ma mi è piaciuto,
anche, lavorare in contesti collettivi come è accaduto nelle colonie artistiche
in Serbia e Romania.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico?
In che modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

L’arte rappresenta uno strumento di comunicazione, rappresenta un ponte tra
artista e pubblico. Sicuramente il feedback positivo del pubblico fa sempre
piacere, ma, anche le eventuali critiche non positive, fanno riflettere,
crescere… fanno da stimolo.

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che
consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia? 

L’opera più significativa, per me, è una tra le prime realizzate, dal titolo
“Arcobaleno“, con la quale ho partecipato alla mostra
“Visioni“, presso il tempio di Pomona, a Salerno, nel dicembre 2024.
È un’opera realizzata su tela, con acrilico e misura 80×70. Con quest’opera ho
ricevuto il “Premio radio retetop95”. Prossimamente sarò ospite della
suddetta radio, dove verrò intervistata dal critico e storico dell’arte Mariangela Bognolo.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società
contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo
ruolo? 

L’arte nella società contemporanea, come nel passato, ha sempre avuto
una rilevante importanza. Guai se non esistesse l’arte: l’arte è vita ed è
importante per lo spirito; attraverso di essa l’artista esprime e l’osservatore
proietta se stesso guardandole. L’arte è terapeutica, sia per l’artista che
offre l’opera, sia per chi fruisce di quell’opera. Il pittore Edgar Degas (nato
nel 1834, morto nel 1917) indagava sul potere che suscitava l’arte sulle
persone e lui diceva che “l’arte non è ciò che vedi, ma ciò che fai vedere
agli altri”. Quello che io vedo in un quadro, non è detto che sia la
stessa cosa che stai vedendo te. Questo succede, particolarmente, con l’arte
astratta. L’arte smuove qualcosa nella nostra anima e ci può rivelare dei
segreti che, da soli, non siamo in grado di cogliere. Per quanto riguarda il
secondo punto della domanda, spero che, anche la mia arte, contribuisca in
qualche modo, a far sì che ciò di cui abbiamo parlato prima, avvenga… certo
non sta a me dirlo.

Quali sono le maggiori difficoltà che hai
affrontato come artista e come le hai superate? 

Le difficoltà fanno parte della
vita e l’arte è una parte della mia vita e quindi, anche in questo ambito, ci
sono delle sfide da affrontare. Ad esempio, qualche volta mi è capitato di
accettare di partecipare ad ad alcune mostre dove, all’artista, viene imposto
un tema e a quello si deve attenere e non sempre è facile trovare l’ispirazione
e, quindi, lo sforzo richiesto è maggiore.

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

Ciò che mi ha spinto a partecipare a questa mostra, oltre che per
soddisfare un mio personale piacere, è stata la professionalità che ho
riscontrato nell’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio. Le
mie aspettative, riguardo a questa esperienza, è che la mia opera possa
piacere, suscitando emozioni e stupore.

In che modo hai deciso di presentare la tua arte
all’interno di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre?
Ci puoi raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro
realizzazione e se c’è un significato o un messaggio particolare che volevi
trasmettere attraverso di esse? 

Ho deciso di presentare, all’interno di questo
percorso espositivo, l’opera dal titolo “Cadono gocce d’acqua, come perle di
vita sul vetro della finestra“. Questa è un’opera che ho già presentato,
qualche mese fa, in occasione del progetto artistico internazionale (tema:
“goccia d’acqua, goccia di vita”) inserito nel Festival Internazionale Letterario Pilf, promosso dalla Writers Capital International Foundation. Per quanto riguarda il processo creativo che mi ha guidato per
realizzare quest’opera è stato quello della sperimentazione, che mi ha portato
ad usare tecniche e materiali particolari, come la china, pigmenti in polvere, ecc.
Quello che vorrei trasmettere attraverso quest’opera è la preziosità
dell’acqua, rappresentandola in maniera un po’ originale e alternativa.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci
sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare? 

Per il futuro spero di
migliorare come artista, spero che la mia creatività e l’ispirazione siano
sempre accese come una fiamma viva. I nuovi ambiti che vorrei esplorare sono
legati alle varie tecniche: adoro la sperimentazione e mi piacerebbe usare
nuovi materiali come gli acquarelli, i colori ad olio, ecc.

Contatti

Email roby.b1371@gmail.com

Facebook Roberta Baldassano

Roberta Baldassano nasce a Siena il 13 gennaio 1971. Fin da giovane manifesta un forte interesse per le arti visive, che la porta a frequentare un corso triennale di moda, conseguendo l’attestato di stilista. Parallelamente, coltiva una profonda sensibilità educativa, lavorando per vent’anni come educatrice in asili nido, dove unisce creatività e impegno pedagogico, decorando gli spazi con murales ispirati all’immaginario infantile.

Alla fine del 2020 entra in contatto, tramite i social, con il maestro Valerio Toninelli, che incontra di persona nel maggio 2021 nella sua casa-museo di Pistoia. Da quel momento nasce un intenso rapporto di confronto e apprendimento, durante il quale Toninelli le trasmette varie tecniche pittoriche e scultoree, contribuendo alla sua evoluzione artistica.

Nel luglio 2023 partecipa alle “Colonie artistiche” in Serbia e Romania, esperienza che apre una nuova fase nel suo percorso. A partire dal 2024, la sua attività espositiva si intensifica con numerose partecipazioni a mostre collettive: “Donna” presso il Museo Tuscolano delle Scuderie Aldobrandini di Frascati, “Premio Internazionale Arti Visive Barcellona” a Casa Milà – La Pedrera, “Una Mostra da Paura” e la mostra natalizia presso la galleria “Art Saloon” di Ariccia, e “Pigmenti”, sempre alle Scuderie Aldobrandini.

A dicembre 2024 espone a “VISIONI” presso il Tempio di Pomona di Salerno, dove il suo quadro Arcobaleno le vale il Premio Radio ReteTop95. Nel 2025 partecipa al Progetto Artistico Internazionale Jalam – Goccia d’acqua, goccia di vita, inserito nel Festival Internazionale Letterario PILF promosso dalla Writers Capital International Foundation. In futuro è prevista la sua presenza nella mostra “Percorsi di ricerca” presso la Galleria “Il Leone”, organizzata dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria di Stasio.

Attraverso una pittura fatta di emozione, intuizione e sperimentazione, Roberta Baldassano continua a tracciare un percorso personale e autentico nel panorama dell’arte contemporanea.

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

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L’arte del piccolo che incanta

Entrare nel mondo di Vanni Vano significa lasciarsi trasportare in una dimensione in cui il reale si fonde con la fantasia, dove il piccolo diventa protagonista e l’arte si manifesta nella minuziosa creazione di opere uniche e sorprendenti. Giovanni Vano, in arte Vanni Vano, non è solo un modellista, ma un vero e proprio artigiano della meraviglia, capace di trasformare una scatola di montaggio in una storia, un’emozione, un universo in miniatura.

Dopo una vita frenetica dedicata al lavoro, il pensionamento per lui non è stato un punto d’arrivo, ma un nuovo inizio. Un ritorno alle radici della sua creatività, un’occasione per dare spazio a quella vena artistica che lo accompagna fin dall’infanzia. Il modellismo, per Vanni, non è un semplice passatempo, ma una vera e propria arte, che richiede dedizione, manualità e una costante ricerca del dettaglio perfetto. Le sue opere, lontane dalla produzione seriale, sono pezzi unici, frutto di intuizioni estrose e di un’immaginazione senza confini.

In un’epoca in cui l’arte spesso si piega alla velocità e all’immediatezza, il lavoro di questo artista si distingue per la sua autenticità. Qui, il tempo si dilata, l’attenzione ai dettagli diventa fondamentale e ogni creazione ha una storia da raccontare. Non cerca la perfezione accademica, ma l’emozione sincera. Se un adulto, osservando una sua miniatura, sorride con la spontaneità di un bambino, allora la sua missione può dirsi compiuta.

Selezionato per “EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca”, evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis, Vanni Vano porta la sua arte oltre i confini del laboratorio per condividerla con il pubblico. Un’occasione per esplorare nuove strade, per raccontare e per lasciarsi sorprendere. Perché, come dice lui stesso, la ricerca della perfezione e dell’originalità non si ferma mai.

Qual è stato il momento in cui hai capito
che l’arte sarebbe stata il tuo percorso di vita?

Ho sempre avuto una vena artistica che ha caratterizzato la mia
vita, fin dalla tenera età di dieci anni. Creavo bigliettini augurali a Pasqua
e Natale, con polverine luccicanti, ovatta, e pennerelli colorati, per poi

“ venderli” in Famiglia a 50 lire cadauno, non so se li
apprezzavano o se li acquistavano per accontentarmi…..!

Nel 2020 ero da poco entrato nel mondo dei pensionati, ed avendo
lasciato un’attività che mi vedeva sempre impegnato freneticamente, non
riuscivo a star fermo oziando. Acquistai una piccola scatola di montaggio in
miniatura da assemblare e da lì….si è aperto un mondo, Avendo poi sempre avuto,
estro, fantasia e manualità il percorso è stato tutto in discesa

Se dovessi descrivere la tua arte con tre
parole, quali sceglieresti e perché?

Estro : perché
bizzarro, Eccentrico, Geniale, Originale, Stravagante, Lunatico, Ispirato,
Creativo,

Fantasia: perché riesco ad immaginare ancor prima di
realizzare una mini opera un oggetto o un particolare che mi colpisce da subito.

Manualità: perché se non hai questa basilare capacità
tutto diventa impossibile.

Quali emozioni o sensazioni speri di suscitare
nel pubblico attraverso le tue opere?

Dietro questi piccoli oggetti c’è passione, impegno, voglia di
piacere e far piacere, desiderio di estorcere un sorriso, per portarci a
dimenticare per un attimo tutte le difficoltà quotidiane che viviamo. Ecco io
mi sento appagato quando un adulto nel guardare una mia miniatura, mi elargisce
un sorriso a trentadue denti, ritornando bambino per un nanosecondo !

E’ Meraviglioso

Le tue miniature sono mondi in miniatura
che raccontano storie senza parole. Qual è l’elemento più importante per te
nella creazione di queste opere: la perfezione tecnica, l’emozione che
suscitano o il messaggio che trasmettono?

Bella domanda….anche io a volte me lo
chiedo !

Forse rischio di diventare antipatico ed
impopolare, ma io non creo sperando di suscitare emozione nel pubblico, quello
che faccio deve innanzitutto emozionare me, se ci riesco forse posso
trasferirlo, diversamente sarebbe un freddo soprammobile. A proposito ma a Lei
ho suscitato emozione ?

Hai scelto di dedicarti alla dollhouse art, evitando però di entrare nel filone
tradizionale dell’arte presepiale napoletana. Cosa rappresenta per te questa
distinzione e in che modo le tue radici napoletane influenzano comunque il tuo
lavoro?

Sono Napoletano e spesso mi chiedono se faccio anche presepi, li
ho fatti più di trenta anni fa, ma sono troppo inflazionati e facilmente
replicabili, soprattutto dagli Asiatici o dagli stampi di gesso…..ecco io amo
fare cose rare, pensate, e difficilmente replicabili. Come tutti i Napoletani
sono un passionale, un estroso, un emotivo e spesso umorale….e le mie opere a
volte lo trasmettono.

In un’epoca in cui l’arte è spesso
sinonimo di immediatezza e spettacolarità, il tuo lavoro richiede invece
pazienza, precisione e contemplazione. Credi che il valore del “piccolo”,
dell’attenzione ai dettagli, possa essere una risposta artistica alla frenesia
del mondo contemporaneo?

Assolutamente NO ! Oggi vogliamo tutto e
subito, il tempo oramai è diventato una sfida! Pensateci ! Se un computer o
internet non ti da la risposta immediata ci infastidiamo, ci irritiamo, ci
agitiamo. L’arte oggi si crea con intelligenza artificiale….io oramai sono OUT!

C’è un aspetto della tua ricerca artistica
che senti ancora in continua evoluzione?

La perfezione, la rarità, la ricercatezza
del particolare e soprattutto l’amore che metto nel creare è sempre in
evoluzione. MAI BANALE

Ti è mai capitato di sperimentare con
materiali o tecniche insolite? Se sì, quali sono state le scoperte più
sorprendenti?

Beh più che tecniche, sperimento
materiali. Il mio laboratorio è tipico di un accumulatore seriale

L’arte può essere un linguaggio
universale. Qual è il tuo rapporto con il simbolismo e le metafore visive?

Se non ci fosse interazione tra
colui che osserva un oggetto e l’oggetto stesso, non si potrebbe parlare di
linguaggio universale o di comunicazione. Un oggetto artistico è una forma di
linguaggio, ma non sempre sono artistici o comunicano qualcosa a colui che
osserva. Questa è una delle mie grandi preoccupazioni. Disse un saggio
linguista,…” il linguaggio e la comunicazione si attua tra colui che produce
l’oggetto (l’opera d’Arte nello specifico), tra colui che la osserva e il
sistema di segni che è incarnato nell’opera d’Arte stessa.

Quanto spazio lasci all’improvvisazione e quanto
alla pianificazione quando lavori su un’opera?

E’ solo improvvisazione ! Ho
pianificato la mia vita per quarant’anni, e parlo del lavoro. Oggi quando creo
devo avere innanzitutto, voglia, estro ed improvvisazione. Altrimenti diventa
stress

Secondo te, in che modo i social media e
le piattaforme digitali hanno influenzato la diffusione dell’arte
contemporanea?

E’ ancora poco quello che
arriva al Pubblico ! Anzi mi correggo: al GIOVANE PUBBLICO.

Su Tiktok su Instagram su
Facebook vedo poca cultura Artistica…ma tanta violenza, ignoranza e bullismo
gratutio.

Quali sono stati i momenti più
gratificanti del tuo percorso artistico fino ad oggi?

Sicuramente l’incontro con
Athenea Artis in primis, e la sua Presidentessa Maria Di Stasio. Grazie a Lei
ho conosciuto La Dottoressa Bognolo e Lei, Giuseppina Irene Groccia ) che mi
sta intervistando. Anche EffettoArte mi ha dato un po’ visibilità. Ma ho fatto
una pessima esperienza in una Galleria a Napoli….che preferisco dimenticare

Se potessi collaborare con un artista del
passato o del presente, chi sceglieresti e perché?

Beh….porterei volentieri la
scatola degli attrezzi a Leonardo da Vinci. Un genio, un pittore un inventore
uno scenziato….un uomo che vedeva il futuro.

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

Innanzitutto essere stati
scelti da Athenae Artis di Maria Di Stasio per essere a Roma tra talentuosi
Artisti Internazionali, è un onore.

Farmi notare da turisti che
transitano nella capitale, non capita tutti i giorni, sicuramente il mio
curriculum si arricchirà di quest’altra opportunità.

In che modo hai deciso di presentare la
tua arte all’interno di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di
esporre? Ci puoi raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro
realizzazione e se c’è un significato o un messaggio particolare che volevi
trasmettere attraverso di esse?

Le opere sono state scelte
dalla commissione, e questo per me è un vanto non da poco, anche perchè credo
di essere l’unico a proporre questo tipo di “Arte“

Hai in mente nuovi progetti o direzioni
artistiche che vorresti esplorare nel prossimo futuro?

Assolutamente si, ho un progetto sogno che vorrei realizzare, in
collaborazione con Athenae Artis, ma come tutti i Napoletani scaramantici…..Ve
ne parlerò il giorno in cui lo attualizzeremo.

Contatti

Email  giannivano@msn.com

Facebook Vanni Vano

Salve,

mi chiamo GioVanni Vano , sono  nato a Napoli , il 9 Luglio di sessantasei anni fa, ed  esattamente a San Domenico Maggiore, nel cuore della famosa spacca Napoli, per cui a chi mi domanda:  

“ ma sei di Napoli-Napoli ? ”     La risposta è:  Assolutamente SI ! 

A 12 anni fui premiato in Applicazione Tecnica alle scuole medie con un 10 , per aver creato un porta  riviste in legno con materiali riciclati e, così, da allora, cominciai a capire di avere una certa predisposizione per la creatività, l’ingegno e la manualità, doti nel  nostro DNA ( anche mio fratello è un artista! ) a mio avviso ereditate da mio Padre, che aveva il dono di saper riparare tutto ed  il culto degli attrezzi da lavoro.

Col tempo sviluppai  la passione per l’aeromodellismo statico e dinamico per poi approcciarmi a quello navale. Nel 1975 nacque un’altra passione artistica:  il teatro, che ancora oggi a distanza di 50 anni pratico a livello amatoriale, pur avendo partecipato a fiction televisive. Diplomato in costruzioni aeronautiche, abbandonai la facoltà di ingegneria aeronautica per vicissitudini familiari, e, successivamente, riuscii nel 1995, a diventare manager in quella che fu l’Azienda che mi fece   crescere professionalmente:  Michelin.

Da circa tre anni, mi sono riavvicinato al modellismo….anzi alle miniature, definite dollhouse, e   ho cominciato a creare “delle piccole opere”, stando ben attento a non entrare nel vortice dell’arte presepiale che contraddistingue la maggior parte di noi Napoletani , a parer mio,  troppo inflazionato. La mia più grande gratificazione è appropriarmi di quei sorrisi  a bocca aperta o di quegli sguardi che fanno le persone nell’osservare i miei piccolissimi dettagli , che mi ripagano di tutto il tempo impiegato  e della pazienza che mi è occorsa.

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

 

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

 

 

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

 

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   L’ArteCheMiPiace Interviste

il viaggio creativo di un’anima libera

Khanh Nguyen

di Giuseppina Irene Groccia |27|Marzo|2025|

Artista autodidatta nata in Vietnam nel 1947, la sua produzione si configura come un dialogo tra struttura e libertà espressiva, tra razionalità ed emozione. Nonostante una formazione accademica in economia, la pittura ha sempre rappresentato per Khanh Nguyen un linguaggio necessario, una ricerca intima capace di dare forma a emozioni e riflessioni profonde. Il suo stile si muove tra il rigore compositivo di Piero della Francesca e la gestualità dell’Espressionismo Astratto, in un equilibrio dinamico tra classicità e modernità. Rifiutando il caos costruito e la distorsione fine a sé stessa, la sua arte si distingue per una ricerca di armonia, dove colore e forma diventano strumenti di un’espressione sincera e meditata. Il suo lavoro è un diario visivo in cui convergono musica, letteratura, natura e stati d’animo, testimoniando un percorso artistico autonomo e profondamente radicato nella necessità di comunicare oltre le parole.

Per approfondire il suo percorso artistico e le sue ispirazioni, lasciamo spazio alle parole dell’artista in questa intervista.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso
artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso
l’arte?

Sono un’artista autodidatta nata nel 1947 in Vietnam, con
formazione artistica ottenuta durante il liceo francese a Saigon. Appassionata
di arte, avrei voluto proseguire una formazione artistica, alla quale ho dovuto
rinunciare, scoraggiata dalla famiglia perché tale percorso era considerato
troppo free spirit e non rispettabile per una giovane donna nell’ambito sociale
vietnamita del tempo. Così ho studiato l’economia in America dal 1967 fino al
Dottorato in Economia nel 1976. Ma non ho mai lasciato il sogno artistico: ho
sempre studiato la storia dell’arte, e ho continuato a dipingere tutta la mia
vita seguendo la mia propria passione di sperimentare, il mio istinto di creare
ed esprimere le miei proprie emozioni e idee.

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

La pittura per me, con le forme ed i colori, è disegnare
sentieri attraverso foresti di emozioni, di feeling che le parole non bastano
per esprimere. Per me dipingere è comunicare emozioni. Così i miei dipinti
hanno sempre dei temi specifici ispirati dalla letteratura, dalla storia, dalla
musica, dalla natura, e sopratutto dagli stati d’animo. Sono come i miei diari
visivi, riflettono la musica che sento, le cose che leggo e vedo, le cose che
mi commuovono e mi fanno riflettere.

Foto di Khanh Nguyen in studio.  

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo?

Amo particolarmente Piero della Francesca per la semplicità
del suo disegno che armonizza razionalità ed estetica, per la sua capacità di
catturare un istante nel tempo e di comunicare tante emozioni attraverso il
silenzio (invece di limitarsi a mostrarle in silenzio). In pratica come artista
preferisco uno stile semplice per esprimere e comunicare emozioni e idee, con
un approccio più moderno, con più spontaneità e libertà, con i colori e con le
forme, ispirandomi alle tendenze artistiche contemporanee, soprattutto
l’Espressionismo astratto, Futurismo e Color Field. Tuttavia, i miei dipinti
hanno sempre dei temi specifici ispirati dagli stati d’animo, dalla
letteratura, musica e natura. Non dipingo per solo giocare con i colori e le
forme.

La tua ricerca artistica sembra muoversi tra un profondo
interesse per la storia dell’arte italiana e l’influenza di correnti moderne
come l’Astrattismo e il Color Field. Come riesci a bilanciare la struttura e il
rigore compositivo di artisti come Piero della Francesca con la libertà
espressiva e cromatica delle avanguardie contemporanee?

Per me la principale differenza tra la pittura nello stile
di Piero (a) e nello stile dell’espressionismo astratto (b) sta nel modo in cui
la realtà è rappresentata nella pittura. In (a) il dipinto è figurativo nel
senso classico, e presenta le cose come una foto della realtà: cioè i soggetti,
siano persone o scenari, sono rappresentati con dettagli realistici in modo più
riconoscibile possibile. In (b) c’è più immaginazione, più creatività, più
metafora coinvolta in quanto puoi rappresentare persone e scenari in varie
forme e/o colori, cioè non necessariamente riconoscibili come sono in realtà.
Al di là di questa differenza, credo che le questioni di struttura e
composizione, di semplicità e di eleganza nel design si applichino ugualmente
sia a (a) che a (b). Aggiungerei un altro aspetto comune sia a (a) che a (b):
il lirismo, l’espressione lirica del messaggio o dell’emozione che viene
trasmessa attraverso il dipinto. Credo che in termini assoluti tutti i dipinti
siano basati più o meno su una idea di struttura/composizione, da cui gli
artisti improvvisano e creerebbero le loro visioni. Dove potrebbe non esserci
una tale base comune potrebbero essere i movimenti artistici attualmente
emergenti come Art Brut, Outsider Art, Urban/Graffiti Art e forse alcune
interpretazioni dell’Arte Etnica. Perché secondo me queste tendenze di design
mirano essenzialmente a creare caos, a negare e distorcere le realtà, a
ripetere più e più dettagli che vengono definiti come spontaneità istintiva.
Devo dire che anche lì c’è la possibilità di mantenere una certa ‘eleganza nel
chaos’, cosa che purtroppo non tutti cercano di fare.  In questo contesto citerei anche alcune opere
di Picasso in cui i disegni sono così distorti che non le penserei come arte
Naif, e sicuramente non come arte spontanea che è stata così elogiata da
Picasso come vera creatività che è istintiva nei bambini. Ma anche in quelle
realtà distorte di Picasso, vedo la sua composizione e struttura di fondo, se
queste decisioni sono state prese prima e/o durante il suo processo di pittura,
dipende dall’artista e dai momenti pittorici.

Non sto dicendo che non apprezzo queste tendenze artistiche
di oggi. Ho provato più volte questi stili, ma alla fine ho cancellato il
dipinto e ho ricominciato la tela da capo. Perché? semplicemente non è il mio
stile, non mi identifico con esso perché il mio messaggio nella pittura non è
quello di trasmettere del caos “fabbricato”, disordine, distorsione e
tensione sovraccarica, e sicuramente non voglio usare l’arte per cercare
appositamente un’antitesi alla semplicità e all’eleganza. Certamente l’arte può
essere usata per descrivere gli aspetti ‘brutti’ che naturalmente esistono
nella realtà del mondo (esempio: Caravaggio), ma usare l’arte per creare
intenzionalmente della “bruttezza” non è una chiamata artistica per
me.

Gli elementi dell’arte sono colore, forma, linea, spazio e
consistenza. I principi dell’arte sono scala, proporzione, unità, varietà,
ritmo, massa, forma, spazio, equilibrio, volume, prospettiva e profondità.
Secondo la narrativa generale dipingere un dipinto astratto è un atto
spontaneo. Secondo me può essere un atto spontaneo nell’esecuzione, nel
processo di dipingere; ma in fondo fare un dipinto astratto richiede una
conoscenza del colore e del design e dei contrasti tonali, e sopratutto come
creare interesse. Per questo ultimo, ci vuole un’idea davvero chiara di ciò che
vuoi dire tramite il dipinto. Un dipinto astratto non può riguardare nulla.

In breve per me le decisioni sulla composizione e la
struttura di un dipinto (decisioni fatti prima o durante il processo di
pittura) non inibiscono la mia spontaneità artistica e creatività. In effetti
per me è una parte necessaria del processo estetico della pittura (soprattutto
se dovessi decidere su una composizione che intendo essere sbilanciata). È qui,
nella composizione e nell’espressione semplice di sentimenti senza cadere nella
sentimentalità, che trovo ispirazione da Piero della Francesco sebbene faccio
l’astratto figurativo.

Lavori con molte forme d’arte e materiali diversi, dalla
pittura alla fotografia, dalla scultura alla ceramica raku. C’è un filo
conduttore che lega queste pratiche nel tuo percorso creativo, o ogni mezzo
rappresenta per te un’esplorazione autonoma e distinta?

Queste diverse pratiche artistiche non sono azioni autonomi
e distinti per me. Sono esplorazioni legati ad un filo conduttore: la ricerca
della libertà, la spontaneità dell’espressione in piena consapevolezza che
spesso la forza comunicativa e l’eleganza visuale è nella semplicità del
disegno e della sua cromatica.

La tua esperienza nella viticoltura ha influenzato il tuo
percorso artistico, portandoti a esplorare il mondo del branding e della
comunicazione visiva per il vino. In che modo questo legame tra arte e vino ha
plasmato il tuo approccio alla creazione, sia in termini di materiali che di
tematiche?

 In effetti la mia
vita col vino e il conseguente bisogno di creare un marchio attraverso la
narrativa visiva mi hanno portato a fare molti progetti fotografici e video.
Anche qui ho applicato lo stesso approccio che uso per la pittura, vale a dire
esprimere emozioni con semplicità tenendo presente i principi estetici della
composizione delle immagini e la loro relazione reciproca con il narrativo.
Ovviamente è molto più facile e divertente scattare delle foto per catturare
rapidamente e istantaneamente lo spirito di un momento dell’azione. Per questo
motivo accetto volentieri di sacrificare i dettagli di precisione e la
perfezione di una posa, e preferisco usare un iPhone invece di una fotocamera
professionale tradizionale. La spontaneità di questa esperienza visiva mi ha
anche portato ad evolvere dalle idee puriste originali dell’ espressionismo
astratto che puntano sopratutto sulle forme e colori. Ho trovato che non
bisogna separare schiettamente l’arte astratto dall’arte figurativa, che i
dipinti astratti e figurativi non sono completamente disconnessi, perché anche
le forme astratte e i colori possono esser interpretati come rappresentazioni
figurativi della realtà. Con tale re-definizione dell’estratto mi sono
avvicinata agli approcci utilizzati nel movimento dell’arte concettuale
contemporanea, anche se non abbraccio pienamente l’importanza primordiale di
un’idea o di un concetto rispetto alla tecnica e all’estetica artistica. Così
per me è stata un’evoluzione naturale verso la pittura figurativa astratta usando
alcune idee dell’arte concettuale per esprimere i miei sentimenti sulla musica
e la natura, pensieri e domande sulla società o sull’esistenza. Basta esser
cosciente di non andare con il sentimento verso la sentimentalità eccessiva. 

Ecco 1 esempio di foto fatti durante la mia vita di vino.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionata?

Il mio processo di lavoro varia da pittura a pittura.
Generalmente tengo una lista di diversi temi, essenzialmente cose, musica e
idee che mi hanno commosso. Posso passare mesi a riflettere su diversi approcci
per esprimere le idee o emozioni provate. Poi, quando mi sento pronta, mi metto
a dipingere. Spesso finisco il dipinto in 1-2 giorni. Non mi piace ritoccare
troppo dopo, ma è successo che ho obliterato il dipinto per ricominciare la
tela da capo.

Preferisci lavorare in solitudine o trovi ispirazione anche
da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Lavoro sempre in solitudine.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo
il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Ho sempre visto i miei dipinti come i miei diari visivi e
così trovo importante dare loro un titolo appropriato. In questo senso sento il
bisogno di condividere con chi sta guardando il mio dipinto le emozioni che mi
hanno motivato a fare il dipinto nel modo in cui l’ho fatto. Così sto cercando
anche un feedback preciso e autentico dal pubblico, sopratutto dagli amici e
colleghi artisti, nel l’obiettivo di migliorare il mio processo creativo.
D’altra parte mi rendo conto che senza spiegare il perché e come ho fatto il
mio dipinto, e anche nonostante ciò, le altre persone possono guardare il
dipinto con una visione o un’interpretazione completamente diversa che può
anche riflettere delle intuizioni molto diverse e interessanti. La mia
osservazione dai musei, dalle art festival, dalle gallerie e mostre che ho
visitato e quelle in cui ho participato, è che in questi tempi di fretta e di
‘cortesia sociale’, il feedback all’arte esposta è riservato, consiste
generalmente di un silenzio o al massimo di un timido ‘mi piace’, cioè
l’equivalente del ‘like’ sul Facebook, e che sembra raro ricevere dei commenti
genuini dal pubblico.

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri
particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Si, si tratta di “Scintille”, o “Ascoltando Sonata No.22 di Beethoven/ Sparks”  127cm x 152cm, mixed media su tela.

Questo dipinto è ispirato alla Sonata di Beethoven n. 22.
Con solo 2 movimenti, non è una sonata come le altri. Fino a recente, fu
considerata come una oddity, una stranezza. È una delle mie favorite. Per me
ascoltando la musica, il primo movimento (invece dell’ apertura lenta di
tradizione) è immediatamente tutto energia e fantasie, che illustro con delle
scintille dorate e rosse, insieme con i cerchi rossi, per un effetto di
improvvisato, quasi esplosivo. Il secondo movimento consiste di una composizione
moto perpetuo, cioè di flussi continui di note musicali che secondo me
suggeriscono la determinazione, la perseveranza che sono necessari per
mantenere il fuoco, la creatività in corso. Questo implacabile moto perpetuo
scelto da Beethoven è simbolizzato qui dalle colonne nere, disegni spontanei
con le forme e il nero persistente. È stato detto che la Sonata n. 22 era la
sfida di Beethoven contro la conformità alle regole, e anche contro i critici
negativi ricevuti sul suo approccio insolito. È come se ha detto: faccio la mia
musica a mio modo e non mi interessa se ti piace.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea?
Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

Ho diversi pensieri sul ruolo dell’arte nella società di
oggi.

1) mi sembra che oggi c’è una convinzione molto diffusa per
una maggiore libertà nell’arte creativa, mentre forse c’è meno attenzione
all’educazione artistica, specialmente all’arte moderna, e il risultato è una
maggiore tolleranza per qualsiasi cosa, quindi uno sguardo più generoso, meno
critico dell’arte, specialmente per gli stili contemporanei. Forse anche perché
l’arte astratto moderno non è convenzionalmente figurativa, e dunque
sembrerebbe tutto uguale se uno non parte da una piccola conoscenza di base? Se
questo è vero, si potrebbe rintracciare il problema alla ‘mancanza’ di
educazione artistica offerte o ancora di ‘qualità’ nelle opere

2) L’arte potrebbe servire allo scopo di evidenziare alcune
questioni nella società e/o nella politica, ma qui ho la preoccupazione che con
i rapidi progressi della tecnologia e del social network, le generazioni più
giovani stiano cercando dei riferimenti altrove. Sembrano non molto interessati
alla storia dell’arte, o tendono ad avere un apprezzamento più casuale e più
superficiale dell’arte, anche dell’arte classica.

3) Così dal punto di vista di un artista sento che l’arte di
oggi è diventata molto commercializzata, e la tendenza sembra essere piuttosto
per l’arte tipo poster, più pronte con impatto immediato e messaggio tipico ed
accettabile sul social (ref. urban art, art brut, graffiti art), che si
manifesta anche tramite la popolarità del tattoo.

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come
artista e come le hai superate?

Nessuno problema finora 

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. In che modo hai deciso di presentare la tua arte
all’interno di questo percorso espositivo.

Ho scelto di presentare la mia arte all’Expò EVERLAND
ART” – PERCORSI DI RICERCA perché l’evento si presenta come “un viaggio
nell’intimità dell’animo, una scoperta dell’arte in costante evoluzione che
invita l’essere umano a esplorare il proprio sé più profondo.” Questo percorso
di ricerca, questo viaggio nell’intimità dell’animo, l’ho fatto in una vita che
si estende su 2 secoli, 2 millenni. In effetti ho vissuto diverse vite, andando
da nord a sud, da est a ovest e ritorno, senza lasciarmi condizionata nello
spazio, nello spirito o nel tempo. Durante quelle vite sono stato in continua
ricerca di quella parte di me che è autentica e creativa, la mia individualità.
Credo fermamente che tutti debbano trovare ed esprimere il proprio sé creativo,
e se l’espressione di questa creatività è arte, è tanto meglio. Ma non è
semplice: la società, con le sue regole e aspettative, spesso spinge verso la
conformità e la razionalità, dimenticando l’importanza della creatività. (A
proposito, sto scrivendo tutto quanto sopra nella mia autobiografia che sarà
pubblicata entro la fine dell’anno.)

Quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi raccontare il processo
creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se c’è un significato o
un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso di esse?

Il dipinto che participa all Everland Art Expò si chiama Il
Rifiuto: 70cm X 50cm, mixed media su tela.

Questo dipinto è ispirato al libro ‘L’uomo a una dimensione’
dal sociologo Herbert Marcuse, un libro scritto nel 1964 che parla dell’
attualità sociale e umana di oggi. Sto cercando qui di evocare un mondo in cui
il progresso tecnologico, anziché liberare l’uomo, lo imprigiona in una gabbia
dorata di falsi bisogni e desideri manipolati. E l’uomo, in una
rappresentazione quasi unidimensionale, sembra essere contento, anche se
arreso; ma allo stesso tempo sembra sognare qualcosa di diverso, forse la
libertà di volare via come l’uccello blu, e di evolvere e creare, qui
simbolizzato nel free disegno del fiore/nuvola rossi. In altre parole sto
cercando di dire che possiamo, proprio dobbiamo ripensare il nostro modo di
vivere per liberarci dal sistema in cui viviamo. Dobbiamo cercare il modo di
dire no alla società consumistica moderna che ci sta confondendo, chiudendoci
in un stato di ‘falsa’ felicità (Marcuse parlava di “euforia nella
infelicità”), e di dire no al progresso tecnologico e digitale che sta
ridefinendo cosa significa essere umano e vivere se stesso. E tutto questo
ognuno di noi può fare, a modo suo, senza drammatizzare o allarmare, ma con
consapevolezza, calma e determinazione. Il primo passo verso un mondo
alternativo deve essere un rifiuto delle immagini impiantati nella nostra mente
ma che non sono nostri. Poi, dobbiamo riscoprire il proprio sé e la capacità di
sognare, creare nuove immagini per un nuovo orizzonte.

Il secondo dipinto che sarà presente su video all’Everland Art
Expò si chiama Rema La Tua Barca (Row your boat): 127 x 229cm, mixed media su
tela.

Il dipinto è ispirato da una canzone in inglese per bambini
che si chiama Row Row your boat, Rema Rema la tua barca, con il testo come
segue:

“Rema, Rema, Rema La Tua Barca,

Delicatamente giù per il fiume,

Allegramente, Allegramente,

La vita non è che un sogno.”

L’idea è che la barca è tutto ciò che ti occorre per guidare
la tua propria vita. E la vita non è che un sogno, basta sognare e vogare la
tua barca. Continua a sognare e osa vivere più di una vita. In effetti la vita
può essere molti sogni che verrebbero fuori nel tempo SE solo tu osi continuare
a sognare e realizzare i sogni. I sogni sono le idee e le passioni che hai nel
tuo cuore e nella tua mente che formano una sorta di linea rossa che ti spinge
e ti tira verso i prossimi passi.

Ogni sogno è come una barca: ci sali, la remi sull’acqua,
che sia fiume o mare, andando dove vuoi e il destino vuole, guidato da una
linea rossa di obiettivi, desideri. A volte ti arrendi lungo la strada. Ma
finché continui a sognare sali su un’altra barca e remi…Alla fine la vita
stessa è una barca, ognuno di noi è più o meno attrezzato per remarla sulle
acque. Con i tuoi sogni e con i tuoi viaggi in giro incontri altre barche,
altre persone (famiglia, amici, conoscenti o persone che si sono incontrate
solo una volta), e alcune di queste barche potrebbero viaggiare insieme a te
parte della strada o tutta la strada sul fiume della vita.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Un progetto particolare su cui sto lavorando è di trovare il
mio modo di raccontare la storia millenaria di Roma, la città dove ho la
fortuna di abitare, oramai per quasi 10 anni in totale (che non mi bastano per
conoscere tutte le sue storie e culture). 

Ecco un esempio:

Ercole tra le rovine/Hercules among the ruins, 177 x 130cm,
olio su tela.

Contatti

Email  knguyen47@yahoo.com

 Khanh Nguyen

Nata in Vietnam nel 1947, è un’artista autodidatta con una formazione artistica iniziale presso il liceo francese di Saigon. Nonostante una profonda passione per l’arte, le convenzioni sociali dell’epoca l’hanno indirizzata verso un percorso accademico differente, portandola a conseguire una laurea e successivamente un Dottorato in Economia negli Stati Uniti tra il 1967 e il 1976. Tuttavia, l’arte è sempre rimasta una componente essenziale della sua vita. Ha continuato a studiare la storia dell’arte e a dipingere con costante dedizione, guidata dalla volontà di sperimentare e dall’istinto creativo che la spinge a esprimere emozioni e idee attraverso il colore e la forma.

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

 

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

 

 

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

 

Oppure contattaci attraverso questo Form

 

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Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

 

 

 

 

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L’ArteCheMiPiace – Interviste

 

Puoi raccontarci come hai iniziato
il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti
ha spinto verso l’arte?

 

L’ arte mi ha sempre accompagnato nella mia formazione,
poi come docente di disegno e storia dell’arte e come costumista teatrale.

 

Qual è il
tema o il messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue
opere?

 

Prevalentemente
le mie opere tendono a far emergere e conoscere, attraverso una realtà iconica,
il senso più profondo del rappresentato …… l’oltre dell’ immagine, l’essenza.

 

Come
descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

 

La mia opera
è “Figurazione simbolica” dove l’immagine, il dato oggettivo è il pretesto
estetico per raccontarmi. Amo entrare dentro l’immagine per interpretarla,
cambiarla e assemblarla con altri contenuti visivi: il risultato è una EMOZIONE
VISIVO-DIGITALE.

 

 

 

La tua tecnica prevede un
meticoloso lavoro di post-produzione che trasforma la fotografia in qualcosa di
unico. Qual è il momento in cui senti che un’opera è davvero completa? Hai mai
la sensazione che potresti continuare a modificarla all’infinito?

 

Succede spesso che le mie opere
siano soggette a interventi di ampliamento espressivo; per questo inserisco
elementi materici per la loro valenza comunicativa.

Le mie opere sono un continuo
divenire di espressioni aggiunte.

 

 

 

Dopo anni come costumista e
docente, sei tornata alla fotografia con un linguaggio tutto tuo. Come è stato
questo passaggio e in che modo le tue esperienze precedenti hanno influenzato
il tuo modo di creare oggi?

 

L’accostamento alla dimensione
della fotografia ha avuto origine nella frequentazione di un corso fotografico
base. La mia curiosità innata, la fantasia compositiva e la cultura artistica
hanno fatto il resto.

 

 

 

Il tuo lavoro richiede una grande
fusione tra pensiero concettuale e abilità tecnica. C’è un aspetto che trovi
più stimolante e uno che, invece, ti mette alla prova ogni volta che inizi un
nuovo progetto?

 

Il
pensiero concettuale, che da significato ad ogni mia scelta del rappresentato,
fluisce in maniera spontanea e costruttiva dietro un semplice stimolo di
ricerca. L’aspetto che più mi mette alla prova, è la scelta tecnologica da
applicare.

 

 

Quali sono le principali fonti di
ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze
personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione?

 

Fonte di ispirazione
sono i personaggi storici in generale, la mitologia greca e le principali
correnti artistiche.

 

Qual è il processo creativo che
segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei
particolarmente affezionato?

 

Sento di dire che il processo
creativo delle mie opere si allinea con la visione aristotelica del divenire.
Il punto di partenza è la realtà tangibile che si eleva a concetto, ad un
perché, che determina le scelte successive delineando un contenuto.

 

 

Preferisci lavorare su tela in
solitudine o trovi ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o
eventi d’arte?

 

Sicuramente i contesti collettivi
arricchiscono di impulsi creativi non trascurabili e appaganti. La
realizzazione, invece, del prodotto artistico, richiede concentrazione, ricerca
di informazioni e dettagli che preferisco svolgere in maniera autonoma.

 

Come vivi il rapporto tra l’arte e
il pubblico? In che modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il
tuo lavoro?

 

Il pubblico riveste un ruolo molto
importante perché ogni osservazione e commento, mi restituisce l’esattezza
della mia proposta comunicativa.

 

 

 

C’è un’opera, tra quelle che hai
realizzato, che consideri particolarmente significativa per te? Puoi
raccontarci la sua storia?

 

“Bellezza negata” (2016) fa
riferimento al problema sociale del femminicidio. Ho costruito uno spazio
prospettico, ho inserito come simbolo femminile il volto di una scultura
“spaccato a metà” (la realtà). Il pavimento in basso è attraversato da una
striscia rossa come il sangue. Il prospetto, è una serie di quinte, dove quella
a destra contiene l’immagine dalla scultura intera il cui messaggio è: “è
possibile uccidere una donna, ma il suo ricordo rimane vivo nella memoria”.

L’opera è stata pubblicata in
“l’èlite” selezione d’arte 2019.

 

 

Come vedi il ruolo dell’arte nella
società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo
ruolo?

 

Penso che ogni forma di arte
contribuisca in maniera efficace e soggettiva a risvegliare e sollecitare
emozioni. Anche la mia, ho il piacere di constatare che sollecita emozioni,
risveglia competenze culturali passate, attualizzandole e ricollocandole nel
contesto odierno.

 

 

Quali sono le maggiori difficoltà
che hai affrontato come artista e come le hai superate?

 

La mia attività artistica è
partita da un bisogno intrinseco della mia persona a livello espressivo.
Sentivo la necessità di rappresentare ed esprimere i miei saperi e le mie
sensibilità. Non ho avuto alcuna difficoltà.

 

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

 

La
partecipazione a mostre collettive permette e apre ad un confronto e
arricchimento reciproco.

 

 

In che modo hai deciso di
presentare la tua arte all’interno di questo percorso espositivo e quali opere
hai scelto di esporre? Ci puoi raccontare il processo creativo che ti ha
guidato nella loro realizzazione e se c’è un significato o un messaggio
particolare che volevi trasmettere attraverso di esse?

 

Il
titolo del percorso espositivo “EverlandArt” ha sollecitato in me il concetto
della difesa dell’ambiente e della custodia del creato. L’opera si intitola
“Delicato equilibrio” tra sviluppo e conservazione. L’oggi ci mostra come il
progresso dell’uomo, sicuramente positivo, deve comunque, tenere conto
dell’ambiente. Per la realizzazione dell’opera, mi sono ispirata a delle
sculture (realizzate in occasione di un evento artistico, “Icastica” ad Arezzo)
rappresentanti tronchi di albero con inseriti dei volumi realizzati in gesso
bianco. Una volta fotografati, li ho riportati, attraverso interventi
fotografici, al loro aspetto naturale; successivamente li ho collocati in un
prato che, con aggiunte di elementi materici quali cortecce, muschio etc.
contribuiscono a conferire all’opera un aspetto realistico con sottolineature
luminose personali.

 

Quali progetti o obiettivi hai per
il futuro? Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

 

Il progetto a cui sto lavorando, riguarda
la figura femminile nella storia: la donna dal punto di vista estetico-formale,
sociale-antropologico, psicologico-domestico etc. la mia indagine parte
dall’Antico Testamento fino ai giorni nostri. Di ogni epoca ho scelto una
figura femminile che ha suscitato in me interesse, approfondito poi, da ricerca
e letture. La tecnica utilizzata è fotografia in post-produzione con
inserimenti materici.

 

 

 

 

 

 

Contatti

 

Email maria.cocchi@libero.it

 

 

 

 

 

 

 

Maria Flora Cocchi nasce e vive ad Arezzo. Docente di Disegno e Storia dell’Arte, ha ottenuto l’abilitazione anche in arredamento, scenografia e scenotecnica. La sua esperienza nel teatro, in qualità di costumista, l’ha portata alla pubblicazione de L’Abbigliamento nel volume Storia Comparata dell’Oreficeria, edito dal Centro Affari di Arezzo.

Nel corso della sua carriera, ha affinato la tecnica fotografica e ha esplorato nuovi linguaggi espressivi attraverso l’uso del digitale. L’incontro tra fotografia e computer ha rappresentato per lei una svolta creativa, aprendo nuove prospettive artistiche.

Questa passione l’ha condotta alla realizzazione di opere esposte con successo, ma soprattutto le ha permesso di confrontarsi con altre realtà artistiche, arricchendo il suo percorso e ampliando la sua visione figurativa.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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