L’ArteCheMiPiace – Interviste

Riki Krea

l’arte come ribellione e risveglio

di Giuseppina Irene Groccia |06|Aprile|2025|

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso artistico?
C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Il mio percorso non è iniziato, è sempre stato. Fin da piccolo,
ho sentito l’urgenza di reinventare il mondo con le mie mani, di piegare la
materia al mio bisogno estetico e funzionale. Nessuna forma preconfezionata
poteva soddisfarmi. Poi è arrivato il COVID, non solo come pandemia, ma come
rivelazione. Ha squarciato il velo, ha mostrato gli ingranaggi nascosti della
società. Da quel momento, la mia arte ha smesso di essere solo creazione: è
diventata contestazione.

 

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Questa collezione è una lama sottile tra ironia e denuncia. Un
riflesso scomodo della nostra epoca, un mondo che corre, consuma, ingoia e
dimentica. Io non offro risposte, ma pongo domande. Ogni opera è un
cortocircuito visivo, un invito a guardare oltre il velo dell’ovvio e
interrogarsi sull’assurdità che chiamiamo “normalità”.

 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto
nel corso del tempo?

Non parlerei di stile, perché lo stile è un recinto, una
categoria, un’etichetta che imprigiona. Il mio percorso è libero, in costante
metamorfosi. Mi muovo per istinto, passando da fiore in fiore come una
farfalla, esplorando forme, materiali e significati senza mai inchiodarmi a una
sola direzione. Ogni opera è un esperimento, una domanda aperta, un gioco serio
con la realtà.

L’evoluzione? È semplicemente il movimento naturale del mio essere, un viaggio
senza meta ma con un’incessante sete di scoprire e sovvertire.

 

Affermi che non inventi, ma trai ispirazione dalla natura,
cambiandone la prospettiva. Qual è stato il momento in cui hai realizzato che
questa visione poteva diventare il filo conduttore del tuo lavoro?

Non c’è stato un momento preciso, ma un lento risveglio. La
natura non ha bisogno di essere inventata, è già perfetta. Noi siamo solo
interpreti, traduttori di un linguaggio antico che spesso ignoriamo. Ho
iniziato a osservarla con occhi nuovi, a catturare le sue geometrie, i suoi
ritmi nascosti, la sua logica invisibile, e da lì ho capito: non serve creare
dal nulla, basta cambiare prospettiva. Il mio lavoro è questo: prendere l’ovvio
e renderlo straordinario, svelare il codice segreto che ci circonda e
trasformarlo in una nuova esperienza visiva e concettuale.

 

Le tue opere mostrano una forte matrice di design: come riesci a
bilanciare la funzionalità propria del design con l’espressività dell’arte,
senza che una sovrasti l’altra?

Non le vedo in conflitto, perché funzionalità ed espressività
sono solo due facce della stessa medaglia. Il design cerca l’equilibrio tra
estetica e utilità, mentre l’arte esprime un concetto, un’emozione, una
provocazione. Io lascio che si intreccino, che dialoghino, che si contaminino a
vicenda. La forma non è mai solo decorativa, il messaggio non è mai fine a sé
stesso. L’arte deve avere un’anima, il design un senso. Il vero bilanciamento
sta nel non separare questi due mondi, ma nel fonderli in qualcosa di nuovo,
dove il bello non è solo da guardare, ma anche da vivere.

 

Se la natura è la tua fonte primaria di ispirazione, quali sono
gli elementi o i fenomeni naturali che più di altri continuano a sorprenderti e
influenzare le tue creazioni?

Mi affascinano le geometrie frattali, dove il piccolo riflette
il grande, e l’armonia del caos, che nasconde un ordine invisibile. Mi ispirano
la trasformazione continua della natura e la sua capacità di creare forme
perfette senza spreco. Osservo, assorbo, e traduco tutto questo nel mio lavoro.

 

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro?
Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato
particolarmente la tua visione?

La mia ispirazione viene dalla vita vissuta, dall’attimo
presente, dal saper vedere l’immenso nel minuscolo. Non cerco influenze, non mi
lascio contaminare da tendenze. Preferisco le suggestioni pure, quelle che
emergono dall’essenza stessa delle cose, senza filtri né compromessi.

 

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Il mio processo creativo è istintivo e diretto: idea, azione,
creazione. Non mi perdo in attese o troppi schemi, il vero rituale è fare,
lasciare che l’intuizione guidi la mano senza troppe sovrastrutture. Creare è
un atto immediato, un dialogo tra visione e materia.

 

Preferisci lavorare su tela in solitudine o trovi ispirazione
anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Non faccio distinzioni: il contesto è solo un’altra sfumatura
della creazione. La solitudine affina la visione, il collettivo amplifica lo
stimolo. Ogni spazio, ogni momento, ogni influenza è parte del tutto.

 

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo il
feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

L’arte è un riflesso, ma il primo specchio è sempre il mio. Creo
per necessità, per espressione, senza cercare conferme. Il pubblico osserva,
interpreta, reagisce e va bene così.

---

Ogni sguardo aggiunge un livello di lettura, ma il punto di
partenza resta sempre lo stesso: il mio.

 

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi
che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

L’arte è passione pura, un modo per esprimere e condividere ciò
che ci muove. Nella società contemporanea, ci ricorda che tutti possiamo
creare, in ogni forma. Il mio lavoro nasce da questa meraviglia: l’arte è in
ognuno di noi e può trasformare ogni gesto in qualcosa di unico.

 

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come
artista e come le hai superate?

Spesso ciò che esprimo non viene immediatamente compreso o
apprezzato, ma ho imparato a vedere queste sfide come opportunità di crescita.
Con il tempo, ho imparato a restare fedele alla mia visione, sapendo che l’arte
non deve essere per tutti, ma che ha il potere di connettere chi è pronto a
vedere oltre.

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

La trovo un’opportunità unica di confronto e di crescita. Mi ha spinto
il desiderio di condividere la mia ricerca artistica con un pubblico più ampio
e di confrontarmi con altri artisti, ognuno con la propria visione e
sensibilità. Le aspettative sono di apprendere, di essere stimolato da nuove
prospettive e di ampliare il mio linguaggio espressivo.

 

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno di
questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi
raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se
c’è un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso
di esse?

Ho scelto opere che esplorano i piccoli dettagli quotidiani
spesso ignorati, ma ricchi di significato. Il mio processo creativo si è
concentrato sull’osservazione attenta e sull’importanza di fermarsi a vedere
ciò che normalmente sfugge. Volevo trasmettere l’idea che la bellezza e il
valore si trovano nei particolari più semplici.

 

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Da un paio d’anni sto studiando la geometria sacra basata
sull’ottava, un concetto senza fine che connette tutto. Non so dove mi porterà,
ma sicuramente offrirà un grande slancio per qualsiasi altra esplorazione
futura.

Chi sono?

Sono me stesso, senza etichette né definizioni. L’io è già un’illusione dell’ego, e io non voglio rinchiudermi in

un ruolo. Non sono solo un artista, un designer, un sognatore o un rivoluzionario. Sono un creativo, uno spirito libero. Creare è il mio linguaggio, il mio modo di esistere. Non ho mai trovato poesia nei prodotti preconfezionati, strumenti di un consumismo senz’anima. Così ho iniziato a dare

forma alle mie idee fin da bambino, lasciandole emergere con naturalezza.

Questa, parte di una collezione, non è nata da un progetto, ma da un impulso, da un’ispirazione che ha preso vita prima dentro di me e poi nel mondo.

Riccardo Furlanetto

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  L’ArteCheMiPiace – Interviste

Tra Pois e Linee

Le Rivisitazioni Visionarie di Mariella Rinaldi

di Giuseppina Irene Groccia |04|Aprile|2025|

Nel panorama dell’arte contemporanea, l’opera che sfida il
tempo e le convenzioni assume forme sempre più diversificate e imprevedibili.
Tra questi percorsi, uno in particolare si distingue per la sua capacità di
dialogare con il passato mentre rinnova la visione del presente, offrendo nuove
prospettive visive che raccontano storie di donne e mondi altamente rappresentativi. Questo
linguaggio, che unisce il rigore dell’astrazione a una potenza simbolica, supera il semplice atto di rappresentare per diventare una continua rielaborazione
del vissuto, un atto di rivisitazione e rinascita. Di questa visione potente e
trasformativa è protagonista Mariella Rinaldi.

La sua arte si costruisce su un linguaggio visivo che
mescola simbolismi, colori e forme, spingendosi aldilà della figurazione per
esplorare le profondità di un’astrazione intrisa di significati. Il suo stile è
un punto di incontro tra la potenza della Pop Art e una riflessione
personale sulla contemporaneità. Ma se nel Neo Pop l’eco del consumismo e della
cultura dei mass media si fa sentire forte e chiara, nel lavoro di questa
artista è la figura femminile a risplendere. Le sue opere sono più che semplici
rappresentazioni: sono omaggi, tributi visivi che, attraverso l’uso di simboli
iconici e una tavolozza di colori vividi e carichi di simbolismo, danno nuova
vita a volti e storie di donne che hanno segnato la storia, ma che rischiano di
essere dimenticate. Il centro delle sue creazioni è proprio l’idea di
rivisitare il passato per non farlo cadere nell’oblio, un atto di resistenza
contro la marginalizzazione delle figure femminili, anche nel panorama storico
e artistico.

Il viola, il verde, l’arancione da semplici colori, si
trasformano in attivatori di sensazioni e emozioni: la calma mista a energia,
la stabilità che sfocia nella rinascita, la pace interiore che scaturisce
dall’azione. Ognuno di questi colori, insieme ai motivi ricorrenti dei pois e
dei cuori rossi, arricchisce l’opera, conferendole una dimensione emozionale e
simbolica che valica l’apparenza estetica. Le linee bianche e nere, in particolare,
parlano di contraddizioni universali, come quella tra luce e oscurità, e di una
tensione che pervade l’intero mondo artistico della Rinaldi.

In questa costante evoluzione creativa, Mariella, oltre a
riproporre i canoni del Neo Pop, li reinventa con una forza prorompente,
esplorando il connubio tra cultura popolare e alta arte, tra visione personale
e storia collettiva. Con ogni serie, la sua ricerca si fa più profonda e
avvincente, come quella dedicata alle Olimpiadi invernali Milano-Cortina 2026,
dove l’artista infonde il dinamismo degli sportivi in un linguaggio visivo che
fonde tradizione e innovazione. La sua arte non ha paura di sfidare i limiti e
di mescolare riferimenti storici e contemporanei, rendendo ogni opera un
frammento di memoria viva.

Mariella Rinaldi è un’artista che sa osservare il mondo e lo
ricrea, modellandolo attraverso la sua visione personale, elevando la pittura a
mezzo di trasformazione e rendendo ogni dipinto un atto di restituzione e
innovazione. Il suo percorso è una ricerca incessante che non si accontenta di
emulare o ripetere, ma che ogni volta reinventa, sempre attenta a restituire
nuova vitalità a quello che, nel tempo, potrebbe essere dimenticato. Con un
linguaggio che è tanto estetico quanto emotivo, l’artista ci invita a guardare
il mondo attraverso una lente diversa, a riscoprire il valore intrinseco di ciò
che spesso diamo per scontato.

In questa intervista, Mariella ci accompagna nel suo affascinante viaggio creativo, rivelandoci come le sue rivisitazioni artistiche trasformano simboli e immagini, dando vita a nuove visioni e riflessioni sulla realtà contemporanea.

Ricordi il momento esatto in cui hai capito che l’arte
sarebbe stata una parte fondamentale della tua vita?

Ogni volta che mi pongono questa domanda riesco solo a
rispondere che il mio rapporto con la pittura ed il disegno sono nati con me:
non ricordo esattamente quando, poiché i miei giochi da bambina consistevano
per lo più nei disegni. Naturalmente mi dedicavo anche ai giochi tradizionali,
ma ogni occasione era per me stimolo di esprimermi attraverso matite, pastelli
e acquarelli. Mi divertivano molto i personaggi di Walt Disney. Questo mio
“amore”, con il passare degli anni, ha migliorato anche altre mie abilità
manuali, che mi hanno spinto a voler conoscere l’arte sempre di più e portato a
sperimentare in mondi, per me, allora, nuovi e sconosciuti.

Certo è che la pittura, mi ha sempre aiutata ad esplorare e
comprendere le mie emozioni e a sviluppare della mia intelligenza emotiva.

Ci hai raccontato che fin da piccola trovavi conforto nel
disegnare mentre i tuoi compagni riposavano. Come descriveresti quel senso di
protezione che l’arte ti ha sempre donato?

Interagire con i colori, fin da piccola, mi ha sempre
portato a migliorare il mio umore e nei “miei momenti artistici” ho sempre
ritrovato un benessere psico-fisico generale…difficile da spiegare a parole!

In quegli istanti, tenere in mano un pennarello, avere il
banco cosparso di colori ed un foglio bianco davanti ai miei occhi, mi faceva
sentire al sicuro, in un mondo (anche se per pochi attimi) tutto mio, dove
tutto diventava possibile, perché ciò che immaginavo si proiettava magicamente
in un disegno. Ricordo la meraviglia negli occhi dei “grandi” che, guardando i
miei disegni, rimanevano stupiti.

Quali sono state le prime influenze artistiche che hanno
segnato il tuo cammino?

I miei primissimi dipinti a olio su tela sono stati paesaggi
naif e nature morte.

All’inizio del mio percorso mi sono avvicinata all’arte
classica e neoclassica, per lo studio delle forme, della luce, delle
prospettive e delle proporzioni; con il trascorrere degli anni mi sono poi
ritrovata ad ammirare opere più moderne e contemporanee che mi hanno fatto
avvicinare alla Pop Art.

Dopo i tuoi primi approcci con il disegno e la pittura, hai
avuto momenti di incertezza o hai sempre sentito che questa era la tua strada?

MAI! E’ stato amore a prima vista … Non ricordo un solo
istante in cui io abbia dubitato di quello che desideravo dalla pittura e di
ciò che la Lei (la pittura) ricercava da me!

Hai frequentato corsi di pittura e decorazione su ceramica:
quanto questi studi hanno influito sul tuo stile e sulla tua tecnica?

No, pochissimo direi: I corsi di pittura e decorazione che
ho frequentato mi hanno fornito solo alcune basi e fondamenta della pittura.

Nella tua evoluzione artistica, hai sperimentato diverse
tecniche pittoriche. Ce n’è una che senti più tua rispetto alle altre?

Decisamente l’Acrilico.

Un indubbio vantaggio della pittura acrilica è la sua
nitidezza data dalla solidità della struttura. Una linea dritta, un contorno
appaiono perfettamente delineati! L’ asciugatura è molto rapida e per una
persona come me, a cui non piace aspettare… è l’ideale!

Sei stata definita “Pittrice della Luce, del
Possibilismo e della Resilienza”. Cosa significano per te queste
espressioni?

Luce: il Bianco, cosparso di pois (ottimismo) o righe nere
(contrapposizione tra il bene e il male)

Possibilismo (il Viola): dentro ad ogni mio dipinto si
percepisce la speranza di dimostrare che è possibile aggirare o neutralizzare
ostacoli ritenuti insormontabili, cercando vie d’uscita basate sul desiderio di
Cambiamento e di Rinascita, facendo leva sul protagonismo attuale e potenziale
delle persone, spingendole ad elevarsi, per essere più utili a sé e agli altri.

Resilienza (il Verde) la Speranza che ognuno possa trovare
la forza di far fronte in maniera positiva a eventi traumatici e la capacità di
saper riorganizzare la propria vita davanti alle difficoltà.

In effetti mi sento di affermare che Ognuno a suo modo è
resiliente, anche se non lo sa!

Siamo tutti resilienti! nostro malgrado. Per esempio,
resistiamo allo stress senza spezzarci… fronteggiamo venti contrari… e ci
rimbocchiamo le maniche ogni volta che la vita ce lo richiede!

Vorrei che chiunque osservi le mie opere possa coglierne il
tema della Vita, della Speranza, della Possibilità di Cambiamento, della Gioia
e della Meraviglia e della Luce: quella Luce in fondo al tunnel che non è poi
così lontana!!

Il tuo stile viene associato all’arte pop e, in particolare,
all’influenza di Roy Lichtenstein. Come vivi questo confronto e quanto ti
ispira il movimento Hip Hop nel tuo lavoro?

Roy Lichtenstein, come sappiamo, è stato uno dei principali
artisti della pop art americana insieme ad Andy Warhol. Essere associata ad un
Grande come lui non può essere per me che un onore.

La Pop Art, caratterizzata da colori vivaci, immagini audaci
e un approccio ironico, ha sfidato le convenzioni dell’arte tradizionale,
trasformando oggetti quotidiani e icone della cultura pop in opere d’arte. Il
mio intento è proprio questo: attirare lo sguardo degli spettatori, anche di
coloro che non fanno parte del mondo vero e proprio dell’Arte, e stupirli
creando curiosità e interesse.

Le tue opere creano assonanze e dissonanze cromatiche,
allegoriche ed empatiche. Come scegli le palette di colori e le forme che
caratterizzano i tuoi dipinti?

Ogni volta che mi appresto a comporre e/o rivisitare
un’opera, nella mia mente si creano automaticamente immagini e forme che io
“vedo” ben chiare e che poi vengono proiettate tramite il pennello sulla tela.

Non ho una schema che vale per tutto, agisco molto d’
istinto: è un impulso naturale, che mi fa accostare i colori (verde, viola,
arancione), le forme (i pois e righe bianco/nere) e i miei simboli (cuore/fiori
pop), presenti nella maggior parte delle mie ultime opere.

Nel tuo percorso artistico, hai spesso rielaborato
capolavori classici dell’arte, trasformandoli con una prospettiva contemporanea
e neopop. Cosa ti spinge a reinterpretare queste opere storiche, e quale
messaggio intendi trasmettere attraverso questa fusione tra passato e presente?

Nella maggior parte delle mie opere, i colori forti e i miei
simboli si miscelano con immagini di donne che hanno fatto la storia dell’arte
e non solo. La mia rivisitazione in chiave neo pop tende a voler non far
dimenticare, a ridare vita a volti e immagini che troppo spesso rischiano di
venir dimenticate, o semplicemente date per scontate, come se ormai avessero
perso il loro potere iconico nel celebrare le Donne. Questa dovrebbe essere la
chiave di lettura per interpretare i miei dipinti: rivisitare per non
dimenticare, LE DONNE NON HANNO BISOGNO DI UN GIORNO A LORO DEDICATO, MA DI UNA
VITA!

In altre opere, diventa predominante il desiderio di
dialogare con il passato per proiettarlo verso il futuro. E anche l’invito a
riconsiderare i nostri simboli culturali e religiosi in una luce nuova,
ricordando che l’arte, come il nostro rapporto con il Divino, sono in costante
evoluzione.

Uno dei tuoi lavori più sorprendenti parte dall’opera di
Picasso, “Guernica”. Cosa ti ha spinto a rielaborare questo
capolavoro?

L’idea è nata insieme al mio Curatore Alessio Musella.

Ho reinterpretato l’Opera di Picasso con l’intento di
sorprendere i fruitori, cercando di realizzare una rivoluzione visiva,
concettuale ed emozionale: colui che osserva l ‘opera dovrebbe coglierne il
tema della vita ed decollare per un Viaggio ricco di suggestione e
piacevolezza, acquisendo una sensazione di benessere.

La tua reinterpretazione crea una rivoluzione visiva ed
emotiva. Come hai deciso di affrontare un tema così potente e drammatico
trasformandolo in un messaggio di speranza e rinascita?

Partendo dal presupposto che Picasso nella sua opera  Guernica ha voluto esprimere una denuncia
contro la violenza cieca del bombardamento e di tutte le guerre, che colpiscono
allo stesso modo donne, uomini, bambini e animali, distruggendo ogni forma di
vita, uno degli elementi linguistici più evidenti è l’assenza di colore,
l’impiego esclusivo di toni di grigio e colori molto spenti  (il colore grigio è stato scelto da Lui anche
perché disegnato sulla base di fotografie in bianco e nero che gli erano
arrivate dai bombardamenti di Guernica). Ovviamente questo incupisce maggiormente
perché si parla proprio di guerra… oltre tutto la colorazione per Lui non
avrebbe avuto senso perché voleva raccontare le macerie, per cui anime senza
colore; IO sono in netta contrapposizione con il monocromo di Picasso
stesso,  poiché nella mia opera voglio
dare un senso di speranza, per cui ripercorro questa disgrazia avvenuta a
Guernica, attraverso i miei i miei simboli e la mia colorazione proprio perché,
a differenza di Picasso (che, ricordiamolo, è stato COSTRETTO dal governo a
creare questo dipinto, tra l’altro utilizzando dei bozzetti che aveva già usato
per altri dipinti), la mia è, invece, UNA 
SCELTA, soprattutto in questo momento, per dare SPERANZA:  rivisitare uno dei capolavori mondiali che
parla proprio della bruttezza della guerra dandogli, invece, una colorazione…
per cui RESILIENZA.

In questa opera ho delineato i volti Umani nelle cui
espressioni si può scorgere il DOLORE, LA RABBIA, LA FRUSTAZIONE, L’ANGOSCIA E
IL FALLIMENTO e le sagome degli animali, anch’essi colpiti – loro malgrado –
inconsapevoli (a differenza dell’UOMO) ed inermi, dalle conseguenze crudeli
della guerra che come sempre INIZIA PER VOLONTA’ dell’UOMO.

Nella mia opera si notano subito: il Verde, il Viola e il
Cuore Rosso.

-le varie tonalità di VERDE per esprimere il mio desiderio
che nel mondo non ci sia più guerra, cercando di dare SPERANZA per le
generazioni future.

– il colore VIOLA che, solitamente, associo al mistero, alla
mistica, all’inconscio, alla malinconia, ma anche al fascino, al sogno e alla
magia, QUI lo associo alla PENITENZA: che l’essere umano deve subire ogni volta
che DECIDE di iniziare una guerra.

-L’ARANCIONE che simboleggia da sempre la PACE interiore

– il CUORE ROSSO: la passione e l’amore che ci vuole per la
vita e per l’arte, QUI è un RICORDO DELLA VITA.

Il mio messaggio vuole essere di SPERANZA per una VISIONE DI
UN MONDO MIGLIORE!

Lo spettatore delle tue opere viene immerso in un’esperienza
multisensoriale. Quanto è importante per te coinvolgere non solo la vista, ma
anche le emozioni e persino i sensi come l’olfatto e l’udito virtuali?

E’ importantissimo, perché vorrei che, come capita spesso a
me, chi si imbatte nelle mie opere, possa venir afferrato, accompagnato
dolcemente per mano dal soggetto dipinto, per essere trasportato nel mio mondo
immaginario e di conseguenza pervaso da un senso di benessere e di pace,
ricordando i VERI piaceri della vita.

Quali sono i tuoi prossimi progetti artistici? Hai qualche
mostra o collaborazione in arrivo?

Dal 6 al 22 febbraio 2026 si svolgeranno Le Olimpiadi
invernali di Milano Cortina 2026 coinvolgendo i territori di Lombardia (la mia
Regione), Veneto e Trentino-Alto Adige. Saranno i Giochi più diffusi di sempre
coprendo un’area di 22.000 km quadrati. Partendo da questo mi sono detta:
“perché non realizzare una serie dedicata proprio alle Olimpiadi? E così ho
iniziato titolando la Serie proprio “Milano Cortina”.

Trattasi di Opere su tele Gallery 80x80cm: in ognuna di esse
ripropongo un’icona (donna) dell’arte, uno sport, alcuni personaggi famosi dei
fumetti più amati (POP) e cito alcuni degli Sponsor. Non mancano, comunque, i
miei colori e i miei simboli.

Ultimamente ho iniziato collaborazioni con Associazioni
culturali che stanno organizzando Mostre, a partire dal mese di Aprile, in
tutta Italia a cui, lietamente, parteciperò.

A settembre è prevista un’importante Mostra a Roma dove sarò
presente.

Se dovessi definire il tuo percorso con una parola o un
concetto, quale sarebbe?

A questa domanda vorrei rispondere con un testo di Serena
Seri a me dedicato perché ha colto la mia essenza e il mio intento in questo
mio percorso artistico:

“Si è sempre meravigliati, piacevolmente emozionati ogni
qualvolta Mariella Rinaldi propone un suo componimento artistico… perché anche
se preoccupati, stanchi, tristi, tesi, l’artista riesce, magicamente, a
sollevare il nostro animo, e farlo volteggiare, volare… allentando la tensione,
le preoccupazioni, e molto di più.   Da
sempre, l’ARTE è stata riconosciuta un rimedio terapeutico di grande efficacia.
Spesso è difficile staccare la spina. Si ha un chiodo fisso che forse annienta…
E poi arriva Lei, sempre nuova, spumeggiante, mai ripetitiva, intrigante…che
vibra…e la nostra mente, mentre volge l’attenzione verso il tuo soggetto, in
maniera involontaria, si decomprime, come una pentola a pressione bollente,
appena spenta. A nome di tutti quelli che l’Ammirano, mi sento di ringraziare
di cuore l’artista per la serenità, leggerezza, bellezza… che, come con una
bacchetta magica, infonde attraverso le sue opere.” Grazie Serena Seri!

Contatti

Email info@mariellarinaldi.it

Sito Web Mariella Rinaldi

Facebook Mariella Rinaldi 

Instagram mariellarinaldi

Mariella Rinaldi colori e forme che rivoluzionano e
tornano a raccontare.”       

Sono nata e vivo tutt’ora a Lecco, la città de “I Promessi Sposi”. A 4
anni ricevetti in regalo un libro con immagini e lettere da colorare: la
passione e l’attrazione verso il colore nacque lì. Da bambina, fin dai tempi
dell’asilo, mentre i miei compagni facevano il riposino pomeridiano, io mi
divertivo in compagnia della carta e dei colori. Sono sempre stata molto
creativa e quel bisogno di tracciare segni, di sfinire i pennelli sui fogli mi
proteggeva in un modo magico, solo mio e mi rendeva felice.

La mia prima insegnante di educazione artistica è stata un punto di
riferimento nel mio iniziale approccio all’ arte, essendo stata poi in futuro
indirizzata verso un percorso di studio distante dall’arte e dalla pittura,
porto con me il bagaglio formativo dei miei primi anni di studi artistici.

Quando compii dieci anni l mi regalarono un cavalletto, una tela e dei
tubetti di colori primari. Dipinsi un paesaggio su una piccola tela, lo feci
incorniciare e lo conservo tutt’ora.

Durante l’adolescenza ho frequentato Corsi di pittura su tela a olio e
corsi di decorazione su ceramica

E nel corso degli anni mi sono sempre dedicata all’arte dipingendo e
sperimentando varie tecniche pittoriche.

Nel 1992 e nel 1993 partecipazione
ai primi Concorsi di Pittura “Premio Internazionale “Contea di Bormio” ottenendo
in entrambi gli anni riconoscimenti (Premio Segantini)

Tra il 1997 e il 2014 ho gestito
un Laboratorio nel quale mi occupavo anche di decorazioni artistiche su
svariati materiali: tela, ceramica, vetro soffiato, legno etc.

Finalista – Premio
Fabrizio de Andrè anno 2023

Mostra Collettiva a Roma presso Borgo Pio Gallery “Pop o Non Pop,
Questo è il problema” dal 4 agosto 2023 al 28 agosto 2023

Mostra Collettiva a L’Aquila “Contemporaneo- Appunti di Viaggio”
dal 07 al 10 settembre 2023.

Mostra Collettiva a Brera (MI)
presso Concept Art  “Il Ritratto” dal 28
ottobre 2023 al 06 novembre 2023.

Premio ricevuto in data
07.03.2024 – Concorso ARTI FIGURATIVE 2024

“ANTONELLO DA MESSINA” IX ed. PROMOSSO DALLA RIVISTA “IL
CONVIVIO” Diploma
d’onore: Mariella Rinaldi (con opera Ultima cena)

Finalista del Premio
Internazionale LE ALI 2024 per la sezione Arti Visive (Pittura) L’opera
selezionata LA
GIOCONDA (rivisitazione) esposta nella mostra collettiva a Villa Cuturi a Marina di Massa dal 22
giugno 2024 al 29 giugno 2024

Partecipazione con 9 opere alla Biennale
d’Arte di Vigevano dal 08 aprile 2024 al 31 maggio 2024.

Mostra Collettiva a Frascati “Not Only Urban” col Patrocinio
del Comune di Frascati dal 21 giugno al 30 giugno 2024.

Mostra Internazionale Collettiva a Buenos Aires –
Argentina presso Pertutti Abasto dal 25 giugno 2024
(durata Mostra 2 mesi) organizzata e curata da Carlos Eduardo Vera
(Sophie Espacio de Arte)

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

 L’ArteCheMiPiace – Interviste

Fabio Tolu

la luce, la materia e l’arte senza confini

di Giuseppina Irene Groccia |01|Aprile|2025|

Fabio Tolu si distingue per un approccio materico e luminoso all’arte contemporanea. La sua formazione nel settore edile e nella cartellonistica ha affinato una sensibilità tecnica che lo ha portato a esplorare le possibilità espressive di materiali industriali come plexiglass, polistirolo e LED. Il risultato è una produzione che coniuga scultura, installazione e light art, dando vita a opere capaci di trasformare lo spazio attraverso il dialogo tra materia e percezione visiva.

La sua ricerca si muove in una dimensione fluida, non vincolata a uno stile definito. Il suo lavoro si inserisce nel solco della Pop Art e dell’estetica fantasy, ma se ne distacca per un approccio istintivo, svincolato dalla necessità di una progettazione preliminare. L’elemento luminoso non è solo un mezzo tecnico, ma una componente concettuale che amplifica il carattere immersivo delle sue opere.

Un momento significativo del suo percorso è rappresentato da “Batman Night and Day“, prima opera in cui la luce diventa parte integrante della narrazione visiva. Con “La Magia di Franchino D.J.“, l’artista porta avanti questa ricerca, lavorando sulla stratificazione tra pittura e illuminazione per evocare suggestioni legate alla musica elettronica.

La sua partecipazione a mostre e concorsi nazionali e internazionali evidenzia un costante interesse per il confronto e la crescita artistica. La sua produzione si configura come un’indagine aperta, in cui la sperimentazione materica e luminosa diventa un mezzo per ridefinire i confini tra arte e design.

In questa intervista, Fabio Tolu racconta il suo percorso artistico, le ispirazioni che guidano il suo lavoro e il ruolo centrale della luce nelle sue creazioni. Attraverso le sue parole, emerge una visione dell’arte come continua evoluzione e sperimentazione, dove tecnica e intuizione si intrecciano per dare vita a opere uniche e inaspettate.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue opere?

Non ho un tema predefinito, le mie opere sono molto diverse tra loro sia come soggetti che come stile.

Amo realizzare ciò che mi viene in mente senza dover progettare prima, affidandomi completamente all’ istinto.

Quando realizzo un’ opera il mio obbiettivo è quello di stupire gli interlocutori senza dover necessariamente comunicare alcun tipo di messaggio. 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

Il mio stile artistico è caratterizzato da un approccio versatile e adattabile, che si è evoluto nel tempo grazie all’influenza di diverse correnti e tecniche. Inizialmente, mi concentravo su forme più tradizionali e realistiche, ma con il passare del tempo ho iniziato a esplorare stili più astratti e concettuali. Questa evoluzione è stata guidata dalla mia curiosità e dalla voglia di esprimere emozioni e idee in modi sempre nuovi.

La tua esperienza nel settore edilizio e della cartellonistica ti ha dato una ottima conoscenza dei materiali. Come scegli quali materiali combinare nelle tue opere e c’è stato un esperimento che ti ha particolarmente sorpreso nei risultati?

Le tue creazioni sembrano fondere arte e design, con un forte uso della luce per giocare con la percezione. Come nasce l’idea di integrare l’illuminazione nei tuoi lavori e cosa vuoi trasmettere attraverso questo elemento?

L’ idea di integrare l’illuminazione nei miei lavori nasce dalla volontà di esplorare come la luce possa trasformare e arricchire l’esperienza visiva. La luce non è solo un elemento funzionale, ma diventa un mezzo espressivo che può influenzare l’atmosfera e la percezione di un’opera. Attraverso il gioco di ombre e riflessi, cerco di creare un dialogo tra l’arte e lo spazio circostante, invitando lo spettatore a interagire e a vedere le cose da diverse angolazioni. Volevo trasmettere un senso di meraviglia e introspezione, mostrando come la luce possa rivelare dettagli nascosti e trasformare la realtà in qualcosa di magico.

La tua ispirazione dal mondo fantasy e dalla Pop Art suggerisce un forte legame con l’immaginario collettivo e la cultura di massa. Qual è il messaggio che vuoi lasciare a chi osserva le tue opere e c’è un’opera che consideri particolarmente rappresentativa del tuo percorso?

La mia ispirazione dal mondo fantasy e dalla Pop Art riflette un desiderio di connettermi con l’immaginario collettivo e la cultura di massa, elementi che spesso influenzano le nostre esperienze quotidiane. Il messaggio che voglio trasmettere attraverso le mie opere è che l’arte può essere un mezzo per esplorare e celebrare la fantasia, la creatività e l’individualità. 

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato particolarmente la tua visione?

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Un’opera che considero particolarmente significativa per me è “Batman night and day” con cui ho partecipato al concorso Artista d’ Europa a Milano. Questo lavoro è il primo che ho realizzato utilizzando l’ illuminazione, è nato in un momento dove  sentivo la necessità di esplorare nuovi orizzonti. L’opera rappresenta una sorta di evoluzione per me, perché è stato il punto in cui ho imparato a spingere i confini del mio linguaggio artistico, mescolando Plexiglass, pellicole, sculture 3D e luci. Il suo significato risiede non solo nell’aspetto finale, ma nel viaggio che ha comportato la sua realizzazione.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

Vedo l’arte nella società contemporanea come un potente strumento di riflessione, comunicazione e trasformazione. L’arte non è solo una forma di espressione estetica, ma anche una forza che stimola il pensiero critico e, soprattutto, offre uno spazio per la visione e l’immaginazione.

Il mio lavoro, in quanto artista contemporaneo cerca di portare qualcosa di nuovo, qualcosa che possa provocare e far riflettere chi guarda. 

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come artista e come le hai superate?

Le difficoltà che ho affrontato come artista sono varie e, in qualche modo, inevitabili. Ogni artista, credo, si trova a fare i conti con ostacoli durante il proprio percorso. Trovare il giusto equilibrio tra rimanere fedele a me stesso e, allo stesso tempo, riuscire a comunicare in modo efficace con chi osserva, è una sfida costante.

In generale, credo che ogni difficoltà sia un’opportunità di crescita. 

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

La cosa che mi ha spinto ad iscrivermi a questo evento è la parola “ricerca” intesa come percorso artistico, infatti l’ opera con cui partecipo è il frutto dello studio che porto avanti da mesi sulla luce applicata all’ arte. Partecipare a Everland Art è per me una grande opportunità di confronto, di visibilità e di crescita e rappresenta una buona occasione per mettermi in evidenza.

Le mie aspettative riguardo a questa esperienza sono molteplici. Prima di tutto, spero che questa mostra mi permetta di esplorare nuove modalità di interazione con il pubblico, per capire come le mie opere vengano percepite e interpretate. Ogni feedback, ogni reazione che riceverò sarà fondamentale per capire se sono riuscito a comunicare il messaggio che desideravo trasmettere e, al contempo, come posso migliorare il mio lavoro.

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se c’è un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso di esse?

Per questa esposizione a Everland Art, ho scelto l’ opera “La Magia di Franchino D.J.”, realizzata in collaborazione con una giovane artista Rachele Cialdini, 17 anni che si è occupata di dipingere il volto del personaggio in maniera magistrale. 

Ho scelto D.J. Franchino perché per me è stato un’ icona, D.J., vocalist e produttore di musica elettronica-house che ha fatto ballare intere generazioni. Ho voluto raffigurare la “Magia” che tanto decantava sulle console di tutta Italia. 

Il processo creativo che ha guidato la realizzazione di questa opera è stato istintivo, mi sono concentrato sull’idea di come potesse essere raffigurata la “Magia” e spero che il risultato finale abbia centrato l’ obiettivo. 

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Per il futuro, ho diversi progetti che mi stimolano e mi
motivano, da un mese circa provo nuovi prodotti per la realizzazione di effetto
marmo e di effetto pietra spaccata con buoni risultati.  In questi giorni infatti ho iniziato un’
opera commissionata che vorrei realizzare con queste tecniche e sono molto
fiducioso perché conferiscono una texture unica, ma potrebbero anche aggiungere
una dimensione sensoriale interessante, specialmente quando combini
l’illuminazione per enfatizzare determinati dettagli.

Obiettivi non ne ho e non me ne voglio dare, preferisco
rimanere aperto a nuove possibilità e che l’ispirazione arrivi nel momento
giusto. Questo approccio mi consente di rimanere flessibile e di adattarmi alle
opportunità e alle sfide che il percorso artistico mi presenta.

Email info@fabiotolu.it

Sito Web Fabio Tolu

Tik Tok Fabio Tolu

Instagram fabio_tolu_creator_of_ideas

Facebook Fabio Tolu

You Tube Fabio Tolu

Fabio Tolu nasce a Pisa il 6 maggio 1980, dove attualmente risiede. Di professione impresario nel settore dell’edilizia e della cartellonistica luminosa, ha sviluppato una profonda conoscenza dei materiali, che ha saputo trasformare in un linguaggio artistico personale e innovativo.

Avvicinatosi al mondo dell’arte negli ultimi due anni, Tolu sperimenta con plexiglass, polistirolo, LED e altre superfici industriali, dando vita a opere che uniscono materia e luce in un dialogo continuo tra forma e percezione. Le sue creazioni spaziano da sculture tridimensionali a installazioni luminose, con richiami alla Pop Art e a immaginari fantastici. La sua ricerca è guidata dall’istinto e dalla volontà di sorprendere, senza vincolarsi a un unico stile o messaggio.

Il suo talento è stato riconosciuto attraverso la partecipazione a prestigiosi concorsi d’arte, tra cui il Premio Internazionale Artista d’Europa 2023 (Milano), il Concorso GM Mostre 2024 (Napoli), il Premio Artista Nella Storia 2024 (Roma) e il Premio Top Selection 2024 (New York).

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

  L’ArteCheMiPiace – Interviste

Andrea Scardigli

L’anima della fotografia musicale

Andrea Scardigli, nato a Roma nel 1972, è un fotografo con un percorso artistico ricco e sfaccettato. Dopo una carriera nel teatro come attore e mimo acrobata, ha trovato nella fotografia un nuovo linguaggio espressivo, trasformando la sua sensibilità scenica in immagini capaci di catturare emozioni autentiche. Diplomato presso la Scuola Permanente di Fotografia Graffiti Express, ha esplorato diversi generi, dal ritratto al nudo artistico, fino a specializzarsi nella fotografia musicale, un ambito che unisce la sua passione per l’arte visiva e per la musica jazz.

Con uno stile spontaneo e fortemente incentrato sul reportage, Scardigli riesce a cogliere l’essenza dei suoi soggetti, lasciando che siano le loro emozioni a guidare lo scatto. La sua opera “L’Insostenibile Leggerezza”, scelta per la mostra Everland Art, ne è un perfetto esempio: un’immagine nata in un momento critico di luce, ma capace di immortalare un’atmosfera irripetibile.

Attraverso il bianco e nero, la pazienza e un’attenta osservazione del ritmo musicale, Andrea Scardigli continua a esplorare il potere della fotografia come mezzo di comunicazione artistica, portando il pubblico dentro la magia della musica dal vivo.

Vi invito a scoprire direttamente dal protagonista come la sua arte si è evoluta nel tempo e quale messaggio cerca di trasmettere attraverso le sue fotografie.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso
artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso
l’arte?

Sono diplomato in liceo artistico e ho sempre avuto la
passione per Arte e la Fotografia… sin da piccolo disegnavo e fotografavo.

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Semplicemente tramite anima e emozioni del soggetto che
scatto davanti, soprattutto in questo ambito musicale che i soggetti tutti
spontanei senza una regia.

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo?

Il mio stile artistico e prevalentemente reportage senza un
programma, ovviamente con il tempo il mio stile si è sempre concentrato
sull’anima ed emozione nell’ ambito della fotografia musicale.

In che misura l’ambiente artistico in cui sei cresciuto, con
genitori avvocati ma una forte connessione con l’arte, la pittura e
l’architettura, ha influenzato la tua evoluzione come fotografo, in particolare
nel ritratto e nella moda?

I miei genitori mi hanno trasmesso Arte e pittura e
Architettura, sono un nipote D’arte di un famoso Architetto del 900 (Arch.
Mario Marchi) anche lui mi ha trasmesso passione in tutto perfino la
fotografia. Come tutti i fotografi iniziano a lavorare nel campo del reportage
per poi passare al tipo di stile e genere fotografico adatto alle loro
esigenze.

Io sono stato molto fortunato a lavorare in vari generi
contemporaneamente, ritratto, nudo artistico e matrimonio…
per poi dedicarmi completamente al genere musicale jazz  per via che da piccolo ho suonato 2 strumenti, Clarinetto e Sax.

Dopo il tuo infortunio che ti ha costretto a ritirarti dal
mondo del teatro, come hai trovato la tua nuova strada nella fotografia? Ci
sono elementi della recitazione e dell’espressione teatrale che porti nel tuo
lavoro fotografico? In che modo il tuo background nel mimo e nella recitazione
ti aiuta a interagire con i soggetti e a raccontare storie attraverso le tue
fotografie?

Certamente, anche dopo un infortunio mi ero trovato senza
sentire nulla e quindi quel silenzio che avevo nell’ udito ho dovuto trovare un
modo di comunicare agli altri con la fotografia. Certo non è stato tutto facile
ma con il tempo mi ha dato forza anche dopo aver fatto un delicatissimo
intervento di impianto cocleare e ho potuto riacquistare buona parte del mio
udito, mi ha permesso di potenziate le mie capacità artistiche con la fotografia.

Gli elementi che porto con me sono: la pazienza; la
perseveranza sul mio lavoro. Soprattutto in questo genere di fotografia
musicale che devi ascoltare e controllare emozioni del musicista e il ritmo
musicale.

Grazie alla mia breve carriera artistica di mimo e attore,
mi ha permesso di sfruttare la mia capacità anche nella fotografia.

Quali tecniche fotografiche preferisci utilizzare per
catturare l’essenza dei tuoi soggetti, e come le hai sviluppate nel corso degli
anni?

Uso la macchina fotografica reflex scatto in modo naturale a
colori, poi le convertisco in bianco e nero in post- produzione.

Unica caratteristica essenziale per catturare i miei
soggetti in modo significativo è quella di avere molta pazienza e osservare il
soggetto tramite occhiello del corpo macchina e aspettare il momento giusto per
poi scattare la foto.

Che ruolo ha la tecnologia (fotocamere, software di
post-produzione) nel tuo processo creativo e nella realizzazione delle tue
opere fotografiche?

Non ha nessun ruolo, uso il necessario delle attrezzature
tecnologiche di post-produzione come ogni fotografo deve usare per lavorare e
mettere in risalto le proprie foto.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Io lavoro esclusivamente in bianco e nero.

Il Bianco e nero mette in risalto espressività dal soggetto,
emozione del soggetto.

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo
il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Il mio lavoro incide con avere degli ottimi rapporti con la
direzione artistica del teatro e in particolare il manager oppure il leader del
gruppo musicale per poter avere l’accredito ufficiale per poter eseguire e
scattare durante il concerto.

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri
particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Si la foto “L’insostenibile leggerezza” che sarà esposta
nella mostra Everland Art.

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea?
Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

E’ una domanda da 1000 euro… scherzi a parte – la considero un
valore aggiunto nell’arte contemporanea, visto che la fotografia è considerata come un mezzo di comunicazione artistica e visiva.

Spero che il pubblico apprezzi il mio contributo, la mia
arte, soprattutto il genere di fotografia che sto rappresentando (fotografia
musicale).

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come
artista e come le hai superate?

Le difficoltà sono sempre tante e non finiscono mai,
dobbiamo andare a pari passo con le nuove tecnologie, come per i concorsi
fotografici…

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

Conosco molto bene associazione, ho partecipato precedentemente a due mostre a Salerno.

Spero di poter arricchirmi sempre di più con la visibilità e
partecipando alle mostre collettive degli artisti.

Soprattutto far conoscere al pubblico il bello della
fotografia musicale.

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno
di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi
raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se
c’è un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso
di esse?

La foto “L’Insostenibile Leggerezza” è una delle mie preferite. Nel progetto ho presentato diverse immagini, e sono felice che abbiano scelto proprio quella che ho sempre ammirato.

L’opportunità di esporla è stata anche frutto di un pizzico di fortuna: lo scatto è avvenuto in un momento critico dal punto di vista dell’illuminazione scenica, che era già molto debole e stava per spegnersi del tutto. Sono riuscito a catturare gli ultimi istanti prima che tutto sprofondasse nel buio.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Cercare di valorizzare sempre meglio le foto jazz, mostrare
il lato umano e le emozioni che trovo osservando e ascoltando la musica tramite
la macchina fotografica.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

 L’ArteCheMiPiace – Interviste 

L’Acquerello come Metafora della Vita

Nata e cresciuta tra le fornaci di Murano, in una famiglia di maestri vetrai, Gabriella Zanchi ha respirato fin dall’infanzia un’atmosfera intrisa di creatività e artigianalità. Nonostante ciò, la sua formazione, si è sviluppata in modo autonomo e istintivo, portandola a esplorare il linguaggio dell’acquerello come espressione più autentica del suo sentire.

L’acqua, elemento primario della sua tecnica, diventa nella sua ricerca pittorica il simbolo di un equilibrio tra controllo e libertà. Il pigmento che si diffonde sul foglio, in un gioco di trasparenze e imprevedibilità, rievoca il flusso stesso dell’esistenza: impossibile da governare del tutto, ma sempre capace di sorprendere. In questo senso, l’artista abbraccia l’imperfezione e il caso come parte integrante del processo creativo, accogliendo la trasformazione del colore durante l’asciugatura come un’eco della mutevolezza della vita stessa.

Dipingere è per lei un atto istintivo e meditativo, un dialogo continuo tra l’idea e la materia, tra la visione interiore e la sua manifestazione sul foglio di carta cotone. I dettagli finali – miche metallizzate, acrilico e inchiostri – conferiscono identità alle sue “creature”, come se ogni opera fosse una sorta di alchimia visiva, un ponte tra la dimensione spontanea dell’acquerello e la necessità di definizione del segno.

Se la sua infanzia è stata segnata dalla solidità del vetro e dalle tensioni di un carattere forte in un ambiente familiare altrettanto intenso, la sua esperienza in montagna ha rappresentato un punto di svolta: immersa nella natura incontaminata, ha trovato nell’acquerello la via per tradurre sulla carta la bellezza mutevole del mondo circostante. 

Nel suo percorso artistico, l’acquerello diventa anche filosofia di vita, un dialogo costante tra istinto e materia, tra caso e intenzione. Ed è proprio da qui che nasce il suo universo creativo, che ora esploriamo più da vicino attraverso le sue parole.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso
artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso
l’arte?

Disegno da quando ho memoria di me stessa, da bambina uno
dei miei passatempi preferiti era fare dei disegni che poi nella mia mente,
univo in incredibili storie che inventavo solo per me, mentre le disegnavo;
quindi credo si possa dire che non ci sia stato un momento particolare che mi
ha avvicinato all’arte, ma piuttosto che questa passione per l’arte mi ha
accompagnato fin da sempre.

Con l’acquerello la mia avventura è iniziata qualche anno fa
ed è stato subito amore; ho finalmente trovato la tecnica pittorica che più mi si
addice.

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Spero sempre che il messaggio che possa arrivare
all’osservatore sia qualcosa di positivo, di gioioso, un messaggio di
spensieratezza e serenità. Dipingere mi fa provare queste sensazioni; è la mia uscita
d’emergenza dalla frenesia del mondo, dal peso della vita..e quindi spero che i
miei dipinti trasmettano leggerezza, un’energia buona, che faccia bene allo
spirito delle persone anche per un solo attimo.

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo?

Attualmente nel punto in cui mi trovo del mio percorso
artistico, in riferimento al mio modo di fare arte contemporanea, mi definirei
borderline tra il surrealismo e l’astrattismo… non saprei bene dove collocarmi
con le mie illustrazioni. 

Sono pochi mesi che i miei lavori hanno intrapreso questa
direzione; prima ho avuto un periodo di qualche anno in cui dipingevo
illustrazioni di volti con velleità art-nouveau, prima ancora dipingevo alberi
in stile tendente al naif…

Questo cambio di direzione verso ciò che creo adesso è nato
da un bisogno di una libertà d’espressione meno controllata, più istintiva, che
mi possa dare una più ampia possibilità di ricerca e sperimentazione, una
possibilità totale di uscire dagli schemi.

L’acquerello, con la sua imprevedibilità, sembra riflettere
la sua visione della vita. C’è stato un momento in cui questa caratteristica
dell’acquerello l’ha aiutata a vedere o affrontare una situazione personale in
modo diverso?

Che la vita sia imprevedibile è una delle uniche certezze
che ho, oltre al fatto che un giorno dovrò morire; ed è proprio questa
eventualità che ho dovuto prendere in considerazione l’estate scorsa, quando ho
avuto dei problemi di salute che mi hanno messa davanti al fatto che il mio
tempo su questa terra, per me forse sarebbe giunto al termine a breve, che
questa possibilità mi ha regalato una visione diversa dell’esistenza in sé. L’imprevedibilità dell’acqua, il muovere il pigmento di
colore facendolo scivolare, cercando di sfumarlo, portarlo dove l’ispirazione
vorrebbe creare una forma, cercare un controllo, una simbiosi con questo
elemento imprevedibile e affascinante, che comunque ha sempre l’ultima parola
nell’asciugatura che rivelerà un qualcosa di diverso, di vicino a ciò che
abbiamo creato ma diverso, è qualcosa di magico e di metaforico; m’insegna a
lasciar andare, lasciar che sia, accettare che come nella vita, non posso avere
il controllo su tutto.

Accettare l’imperfezione del mio essere umana e in perpetuo
mutamento.

Il mio modo di fare arte cambiò; tutto ciò che stava
accadendo nella mia vita si rifletteva nel mio rapporto con l’acquerello, nella
mia ricerca continua, nei miei tentativi di evoluzione, perché la mia arte è
imprevedibile e imperfetta, e mutogena, è fuori controllo come un acquerello,
come lo sono io… come lo è la vita.

Essendo cresciuta in una famiglia di Maestri Vetrai a
Murano, crede che l’arte del vetro abbia influenzato in qualche modo il suo
approccio alla pittura ad acquerello, magari nel modo di percepire la luce, la
trasparenza o i colori?

No, non credo che il vetro abbia influenzato il mio modo di
dipingere. Sicuramente sono cresciuta in un ambiente molto stimolante
artisticamente parlando. Sono stati più che altro i miei dipinti a suggerire una
collaborazione con mio fratello nel reinterpretare certe forme, creando
sculture in vetro tratte dalle mie illustrazioni; questo è un progetto ancora
in fase di sviluppo ma che mi entusiasma molto. Vedere le mie creature prender forma tridimensionalmente
nella materia che è il vetro, nascere dalle magiche mani di Fabiano, è molto
emozionante per me.

Parla di un processo istintivo e di un’evoluzione continua
nella sua ricerca artistica. C’è un tema ricorrente o un’emozione specifica che
sente di voler esplorare sempre di più nei suoi lavori futuri?

Riconosco la mia poca tecnica nel dipingere, io non sono
un’acquerellista nel senso stretto del termine; non possiedo la maestria
tecnica di questo tipo di pittura. Ciò nonostante ambisco ad acquisire sempre più padronanza
per poter aver più possibilità di espressione, ma sono molto più attratta dalla
sperimentazione, dal farmi guidare dall’istinto e dall’emozione che mi dà
dipingere; per me è liberatorio e estasiante a tratti, una sorta di forma
meditativa che mi permette di staccarmi da tutto il resto. Quindi pur essendo
consapevole delle mie lacune, della mia poca tecnica, non sento la necessità di
apprendere in modo scolastico.

Questo è il mio percorso, in questi anni ho imparato molto
da sola sperimentando e continuerò a farlo, perché anche se imperfetto, questo
è il mio modo, questa è la mia arte, questa sono io e non voglio assomigliare a
nessun altro che a me stessa.

Amo visceralmente la natura in tutte le sue forme, la
considero la forma più alta e sublime di bellezza; m’ispiro alla flora, alla
fauna, all’Universo e alla meraviglia di tutto il Creato! Non amo gli artifici,
il finto, il falso… amo la Luce e cerco di stare nel bello, di trasmettere il
bello, non nel senso stretto del termine, la bellezza è soggettiva; intendo
trasmettere una sensazione di gioia, di serenità, di purezza, di pulito e
onesto, nella semplicità e nell’imperfezione, sempre!

Il mondo ha bisogno di Luce e di buone energie, e io non dipingo
la tristezza, il dolore, la paura… anche nei momenti difficili in cui magari
provo tristi emozioni, soprattutto se le provo non le voglio dipingere ma cerco
la Luce, per non far spazio alla negatività e non darle nutrimento.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Quando inizio un nuovo lavoro non ho bene in mente che cosa
andrò a dipingere; a volte ho idea dei colori che vorrei usare, di una
particolare sensazione, uno stato emozionale e niente altro. Dipingo una forma,
ne aggiungo un’altra, e così via… il risultato finale è una sorpresa in realtà,
e molto spesso mi racconta qualcosa di me, di ciò che sto vivendo magari… a
livello subconscio spesso fa emergere delle chiavi di lettura che mi aiutano
poi a comprendere qualcosa di personale. Altre volte no, semplicemente sono
illustrazioni che mi guardano dal foglio, e io guardo loro.

Amo dipingere in solitudine, ascoltando musica di ogni tipo
e a volte mi accorgo che può essere anche la musica stessa a guidarmi nel
creare.

A volte canto mentre dipingo… altre volte sono talmente
immersa che mi accorgo che non mi stacco da ciò che sto creando da troppo
tempo, perché magari sono ore che dipingo e non ho pranzato, o semplicemente
capisco che è ora di smettere perché mi bruciano gli occhi o si è fatto buio.

Oltre alla base in acquerello, i miei lavori sono ricchi di
dettagli che dipingo con miche metallizzate, inchiostri, acrilici… e quindi
diventa un viaggio infinito di particolari finché quel che vedo mi piace da
poterlo definire finito, completo.

Dipingere mi catapulta in una dimensione in cui tutto è
senza peso e mi sento libera e parte di un mondo inaccessibile agli altri, un
mondo parallelo solo mio.

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

Ho deciso di mettermi in gioco, di proporre i miei lavori
affacciandomi in questo mondo a me sconosciuto delle esposizioni. Ho sempre
dipinto per me stessa, non ho mai pensato veramente che le mie creazioni
potessero suscitare l’interesse di molti. Ma negli ultimi mesi, la mia arte è
stata molto apprezzata inaspettatamente; diverse opere hanno trovato casa in
America, qualcosa mi è stato commissionato in Italia… e quindi ho pensato che
forse è giunto il momento di prender coraggio e uscire allo scoperto.

Questa è la seconda esposizione collettiva a cui partecipo,
la mia prima è stata l’anno scorso a dicembre a Venezia; un’esposizione del
piccolo formato con cui ho partecipato con due illustrazioni, riscontrando
feedback positivi.

Mi sono imbattuta per caso nel bando di questa esposizione
internazionale e ho provato a partecipare alle selezioni.

Non ho molte aspettative a dire il vero, sono molto felice
di partecipare e ciò che m’interessa di più è il parere di persone esperte
nell’ambito dell’arte, riguardo la mia pittura; credo che questo mi potrà
aiutare a credere un po’ più in me stessa, ad alzare un po’ la mia autostima e
a darmi un po’ di coraggio nel propormi, se otterrò un buon riscontro.

Spero che la mia opera possa suscitare un’emozione
nell’osservatore.

Sono una goccia in un oceano di artisti incredibili, di
opere meravigliose, e sono fiera di portare il mio piccolo contributo nel mondo
dell’Arte, con gratitudine a chi mi dedicherà del tempo, all’osservatore che si
soffermerà per un momento e al quale spero con tutto il cuore di poter donare
un’istante di bellezza.

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno
di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi
raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella realizzazione e se c’è
un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso di
esse?

Presenterò un’illustrazione su carta cotone 76x56cm, tecnica
mista di acquerello, acrilico, miche metallizzate e inchiostro.

L’opera che espongo si chiama AMAMORFIA ed è ispirata alla
creazione. Una sorta di camera gestazionale, un improbabile grembo materno;
reti di cellule, fascie muscolari ibridate a una botanica aliena, neuroni
abbozzati su figure mordide dai colori nei toni del rosa, del carnale..il tutto
in una continuità armonica che suggerisce l’espansione.

Credo il tutto mi sia stato suggerito dal fatto che sto per
diventare zia; io non ho figli e non ho vissuto la maternità. La gravidanza
della compagnia di mio fratello è la prima che mi capita di vivere da vicino,
il pensiero di come si stia formando giorno dopo giorno mia nipote, credo mi
sia stata d’ispirazione subconsciamente, nella creazione di quest’opera.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Devo seguire il mio corpo, mi sto riorganizzando la vita per
poter invecchiare e degenerare nel miglior modo possibile. Attualmente sono
un’artigiana vetraia, ma non potrò continuare a fare questo lavoro per molto
ancora. Entro la fine di quest’anno attuerò dei cambiamenti che mi
permetteranno di avere molto più tempo da dedicare alla pittura, che è la cosa
che mi dà più gioia e entusiasmo in assoluto!

Mi sto riavvicinando alla mia famiglia, che mi sta aiutando
molto in questo cambiamento.

Sono felice, non vedo l’ora di aver più tempo per
l’arte… non tutti i mali vengono per nuocere, e io mi sento molto fortunata!

Per il resto, nella mia arte, nella mia vita, mi lascerò
trasportare dagli eventi, cercherò di evolvere ed esplorare, di creare e di
sperimentare, cercando di essere fluida come acqua, di lasciare che tutto
scorra… come acquerello su un foglio di carta cotone!

Contatti

Email zanchigabriella@gmail.com

Nata a Venezia nel 1979, [Nome dell’Artista] proviene da una famiglia di artigiani vetrai da più generazioni e cresce immersa nella creatività di una fornace di vetri artistici a Murano. Suo padre e suo fratello sono Maestri Vetrai, e quest’ultimo è particolarmente noto a livello internazionale. Pur non lavorando direttamente nella produzione in fornace, il suo ruolo si concentra sulla progettazione, sul disegno e sulle fasi di lavorazione del vetro pre e post produzione.

La passione per il disegno l’accompagna sin dall’infanzia, diventando una costante nel suo percorso. Spirito libero e indipendente, a 18 anni lascia la casa di famiglia per intraprendere una serie di esperienze che la portano a esplorare nuovi orizzonti. Tra queste, un periodo di quattro anni vissuto in montagna, immersa nella natura più autentica, segna una svolta profonda nella sua vita e nel suo rapporto con l’arte. È proprio in questo contesto, tra paesaggi incontaminati e cieli stellati, che si avvicina all’acquerello, trovando in questa tecnica la forma espressiva più affine alla sua sensibilità.

L’acquerello diventa per lei non solo un mezzo artistico, ma una vera e propria filosofia: il dialogo tra l’acqua e il pigmento, tra il controllo e l’imprevedibilità, riflette la sua visione della vita. Il processo di asciugatura, che trasforma e sorprende l’artista stessa, diventa una metafora dell’accettazione dell’inaspettato. Dipinge in modo istintivo, lasciandosi guidare dalle emozioni e dai colori, costruendo le sue opere strato dopo strato, fino a dare forma a pensieri e suggestioni che emergono sul foglio di carta cotone.

I dettagli finali – miche metallizzate, acrilico e inchiostri – arricchiscono le sue creazioni, donando loro un’identità più definita. La sua ricerca è in continua evoluzione, spinta dal desiderio di scoprire e trasmettere bellezza ed emozione, condividendo con il pubblico frammenti del suo mondo interiore attraverso la delicatezza dell’acquerello.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

“Full Immersion” di Matteo Sarro: dopo il successo di Roma, la mostra approda in Belgio

Dopo l’esordio di successo a Roma, Full Immersion di Matteo Sarro, a cura di Maria Marchese, avrà una continuazione in Belgio.

La mostra dell’artista beneventano Matteo Sarro, a cura di Maria Marchese, presso lo Spazio Valeriani, in quel di Roma, ottiene grandi consensi da parte del pubblico presente. Un esordio tanto promettente non poteva non avere un proseguo: mentre ancora siamo nel vivo dell’esperienza espositiva, Sarro ha iniziato una produzione inedita per un’”immersione totale” in terra belga.

Il 14 Marzo è stata inaugurata “Full Immersion” , la prima mostra personale di Matteo Sarro : un’immersione totale tra le opere e tra i consensi del pubblico presente, intervenuto numeroso presso lo Spazio Valeriani, che ne decretano il successo. Con – geniale l’allestimento ideato dall’artista e dalla curatrice Maria Marchese , dove l’apposizione di specchi tra le opere ha sortito l’effetto desiderato, ossia di azzerare il confine tra le persone ed i manufatti, tra la vita quotidiana e l’arte, tra pensiero e materia. Sono  14 le opere presenti in mostra – tele, sculture ed oggetti di design – che raccontano il percorso artistico di Sarro, dagli esordi ad oggi. Esse convincono innanzitutto per la cifra distintiva dell’artista, che denota una personalità “esotica”, intesa come squisita capacità di esplorare e sperimentare l’inconsueto, traducendolo, poi, in creazioni che seducono esteticamente e psicologicamente. Affascinano, infatti, le grandi tele come ”Lembo” ed “Oltre”, che raccontano un importante e profondo legame con il luogo d’origine, Benevento, conla famiglia e la tradizione, dai colori terrosi su fondi immacolati, ma dalle forme incerte, tanto quanto le tele più piccole, le ultime della produzione “sarriana” , come “Purity” e “Légerecomme une pierre”, contraddistinte da un’approfondita indagine nella sfera del colore, tradotta in nuances ricercate, a volte riflessive altre “audaci”. Tra le prime e le seconde si intende chiaramente un distacco rispetto ai principi che sono stati fondamento giammai, però, rinnegati dall’artista, bensì ri – dimensionati, ossia  hanno acquisito un peso diverso, nel contesto della sua crescita.

L’esperienza di Matteo Sarro, sia esistenziale che artistica, testimonia un rapporto “partenza/tornanza” alle origini che evolve, invertendo i valori, via via che la propensione alla scoperta di altre terre, insita nell’artista da sempre, e la sua inclinazione naturale alla sperimentazione, lo conducono altrove. Tutta la sua produzione si contraddistingue per la mescita della farina, simbolo dei legami ancestrali, con le resine acriliche, portavoce di esplorazioni nell’ignoto; questo stesso connubio muta, nelle sue stagioni, nelle proporzioni: la presenza della farina diminuisce esponenzialmente, lasciando spazio alle “azioni” delle resine, determinando una serie di interessanti variazioni morfologiche delle sue pietre.

Durante la serata erano presenti Mario Tacinelli, curatore d’arte, direttore artistico, con l’artista Luisa Valeriani, di Spazio Valeriani, che ha ospitato “Full Immersion”, e molte altre personalità di spicco nel panorama artistico italiano, tra cui Gino Rossi, art dealer, Laura Mantovi, jewelery designer, la stylist Giuseppina Lauria, lo scrittore Ruggero Capone, le artiste Irene Malish e Anastasia Chaikovskaia… 

Questo esordio così promettente dell’artista non poteva non avere un seguito: dal 3 Luglio al 3 Ottobre 2025, sarà l’”Alof Brussels Shuman” di Bruxelles ad ospitare la mostra a cura di Maria Marchese.

Full Immersion sarà Visitabile fino al 24 Marzo 2025.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla nostra Newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

Segui i nostri canali Social

                   

        

 Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

  L’ArteCheMiPiace Interviste

di Giuseppina Irene Groccia |25|Marzo|2025|

Patrizia Nigro è un’artista che intesse un dialogo intimo con la natura, l’umanità e il mondo spirituale, dove ogni opera diventa un racconto silenzioso delle sue esperienze e riflessioni. La sua arte, che spazia dalla scultura in legno di recupero alla pittura, è una risposta rispettosa e poetica ai temi della fragilità e della bellezza del nostro ambiente. La scelta di lavorare con il legno trovato, un materiale già modellato dalla natura, rispecchia la sua visione di un mondo che offre costantemente spunti di rinascita, ma che necessita di essere ascoltato e protetto.

Le sculture di questa artista sono molto più di semplici oggetti; essi sono frammenti di storie di vita, modellate dal tempo e dalla forza degli elementi. La sua tecnica, che unisce il figurativo e il fantastico, è un invito a fermarsi e a guardare il mondo con occhi nuovi, più attenti e consapevoli. Il legno, nelle sue mani, diventa simbolo di resilienza, e ogni sua opera, dai vortici che richiamano alla protezione della terra agli omaggi alla bellezza della quotidianità, è un messaggio di speranza. L’artista, infatti, non cerca solo di far riflettere, ma di suggerire la possibilità di un cambiamento positivo, con il potere che ogni piccolo gesto umano può avere sul futuro del nostro mondo.

Attraverso la sua partecipazione a mostre e il continuo impegno nella ricerca, l’artista riesce a comunicare con l’osservatore, cercando allo stesso tempo di crescere, di esplorare nuovi orizzonti creativi. Il suo percorso è una testimonianza del valore dell’arte come linguaggio universale, capace di unire e di risvegliare sensibilità condivise. 

Lacrime di
rugiada  80×100 acrilio su tela

Nel dialogo che segue, Patrizia Nigro racconta con profondità e sensibilità il suo percorso artistico, le ispirazioni che guidano la sua creatività e il messaggio che desidera trasmettere attraverso le sue opere

Puoi raccontarci come hai
iniziato il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o un evento
particolare che ti ha spinto verso l’arte?

L’amore
per l’arte lo nutro sin da piccola, è sempre stato il linguaggio a me più
congeniale per comunicare con gli altri. All’inizio ho espresso questa passione
con i disegni, poi con le matite colorate e, dopo diverse esperienze, attualmente
anche con i colori ad olio e quelli acrilici. Successivamente, mi sono
appassionata alla scultura del legno di recupero, un materiale caldo, che
possiede già una sua storia e che non inquina.

Mi
sono diplomata al Liceo Artistico di Eboli e, nel corso degli anni, ho frequentato
corsi privati di pittura ad olio, acrilico, seta e scultura.

L’amore
e il rispetto verso la natura, gli animali e l’essere umano, con le sue
fragilità, sono diventati i temi della mia arte.

Qual è il tema o il
messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue opere?

Essendo amante
della natura, cerco di interpretare quello che essa mi offre, come ad esempio i
piccoli legni che raccolgo sulla riva del mare o dei fiumi, e comunico la loro
bellezza. Si tratta per me di “objet trouvè”, ovvero oggetti che hanno in sé
una loro storia e un enorme  fascino.

Con essi realizzo
sculture, con le quali cerco di trasmettere quanto riescono a emozionare e
farci riflettere sull’importanza di valorizzare e proteggere il nostro ambiente
naturale.

Come descriveresti il tuo stile artistico e
come si è evoluto nel corso del tempo?

Io ho usato la
mia arte per comunicare, elemento fondamentale per me. Ho studiato scuola
classica e, dopo aver sperimentato diversi stili e tecniche, sono arrivata ad
avere un mio stile personale, che potrei definire figurativo, fantastico e in
parte surreale; tuttavia, la ricerca e lo studio continuano sempre.

Il soffio della foresta – scultura in legno
riciclato dalla montagna e mare 45x20x60

Nei tuoi sogni trovi risposte come sussurri
del vento. C’è stato un sogno in particolare che ha influenzato profondamente
una tua opera? Se si, come si è trasformato poi in arte?

Si, questo
avviene spesso, a volte non proprio durante il sonno, ma durante un riposo a occhi
chiusi.

Uno tra i più
recenti è avvenuto in un momento doloroso della mia vita. Sono scivolata sul
ghiaccio e ho rotto il polso destro e io sono destrorsa.

Stavo riposando
sul divano ed è lì che questa immagine mi è apparsa.

Quando mi sono
destata, l’immagine era lì precisa, ma non sapevo come disegnarla sul taccuino;
con fatica ci sono riuscita, anche se era così confuso da poterlo riconoscere.

Si è trasformato
in un’opera d’arte quando, dopo un paio di mesi, mi è arrivata una richiesta
per partecipare a una collettiva, che aveva un tema libero.

Nel frattempo, era
scoppiata la guerra in Ucraina e, stando in convalescenza, vedevo tutti i
giorni scene orrende con donne che fuggivano dalla guerra. Così è nato “Lacrime
di rugiada”, un telo di un metro e novanta per uno e quaranta, acrilico su
tela. Per me era un urlo di aiuto, un invito a riflettere su cosa era più
importante, le cose o le persone, ma anche un suggerimento di speranza e una
risposta, data dalla figura della donna, che ritengo rigeneratrice in tutti i
sensi.

Soffio – 90×70 olio e acrilico
su tela

Lavori con il
legno di recupero, dando nuova vita a materiali già modellati dal tempo e dalla
natura. C’è stato un pezzo di legno che ti ha particolarmente colpita per la
sua storia o la sua forma, ispirandoti a creare qualcosa di speciale.

Da molti anni recupero
pezzi di legni che ritengo interessanti e belli, in passato realizzavo oggetti
decorativi per il giardino e per la casa; dopo ho trovato alcuni legni, nei
quali intravedevo già una donna che voleva essere ripulita e portata al suo
splendore. Ad esempio, Lidia, la dama dal cappellino rosso, Virginia ecc. Un
pezzo di legno che mi ha colpito particolarmente, di recente, è stato un
vortice che avevo visto in un sogno, nel quale c’erano tanti vortici che
risucchiavano al loro interno tutto quello che trovavano sul loro cammino.

Quest’ estate, andando
in spiaggia, ho notato un pezzo di legno di un certo volume, che assomigliava
ad un vortice.

Prelevato,
ripulito, pitturato e assemblato è diventato un vortice molto voluminoso, dove
ho posto al centro animali in via di estinzione, sempre in legno di recupero e
scolpiti da me.

Un vortice che
vuole porre l’attenzione sulla fragilità della nostra terra e tutto ciò che ne
fa parte. Le mie opere, però, suggeriscono sempre un filo di speranza; infatti,
ho posto al centro un bambino dipinto d’oro, con un drappo che andava al centro
del vortice come fosse un cordone ombelicale, suggerendo la rinascita.

L’uomo ha sempre
la possibilità di apportare un contributo positivo su tutto.

La tua arte è un
invito a riscoprire la bellezza del mondo con occhi attenti e consapevoli. Qual
è il messaggio più importante che speri di trasmettere a chi osserva le tue
opere?

Quello che mi
piacerebbe trasmettere è l’amore per una vita più sana e rispettosa del mondo e
di tutto ciò che contiene.

Quadro “Ariel” olio su tela 80 x60                             Scultura  legno riciclato 45x18x35                                                               

Qual è il
processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o
rituali a cui sei particolarmente affezionata?

La mia formazione
classica e figurativa mi guida nella realizzazione dei miei quadri, ma quello
che per me è fondamentale sono i piccoli pezzi di legno che trovo per “caso” in
giro; dopodiché continuo a operare in una forma bidimensionale con il quadro,
dove applico le tecniche, olio, acrilico e china ecc., ma cercando sempre modi
sperimentali e contemporanei.

Preferisci
lavorare su tela in solitudine o trovi ispirazione anche da contesti
collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Di solito, lavoro
da sola nel mio studio o in giardino, sia scolpendo il legno che dipingendo.
Dal mio punto di vista, non sono importante io come artista, ma la mia opera,
anche se, essendo un insegnante, comprendo l’esigenza dello spettatore di conoscere
il mio modo di creare. Infatti, quando mi è stata assegnato il compito di dipingere
un murales con i ragazzi/e, ho lavorato davanti a tutti ed è stato piacevole.

Come vivi il rapporto tra arte e pubblico? In
che modo il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Sono convinta che
un’opera d’arte si completi con lo sguardo di chi l’osserva.

Quindi, ha molta
importanza il parere dello spettatore, ma, personalmente, non mi lascio
condizionare da pareri poco concreti; colgo stimoli costruttivi come conferme o
spunti per migliorarmi. Nell’ultima mostra personale, ho avuto modo di
osservare come le persone fossero incuriosite dai personaggi creati con le
sculture in legno riciclati e dai colori dei quadri; ciò che più destava il
loro interesse era capire la relazione scultura-quadro e, alla fine, entravano
anche loro in relazione con l’opera che ammiravano, creando una sinergia quasi
magica.

Scultura in
legno riciclato dalla montagna e il mare “Cappellino rosso” 8x9x34

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato,
che consideri particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua
storia?

Da premettere che
tante opere da me realizzate hanno sempre un significato importante per me. Ma
se devo raccontarne una, quella è la scultura “La bellezza che caratterizza
ogni istante”, una donna che va a spasso con il cagnolino. Si tratta di legni
riciclati dal mare e dalle campagne, che apparentemente sembravano poco affascinanti
e belli, ma che invece assemblati hanno dato vita a me stessa. Io, infatti, ho
sempre avuto dei cani sin dalla nascita, amici di sempre, che rendono bella la
quotidianità e la vita.

Come vedi il
ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro
contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

L’arte unisce i
cuori e gli animi di tutti, ha un linguaggio universale; è per questo che mi
lascio emozionare da qualsiasi forma di vera arte.

La mia arte nasce
dalle emozioni e suggerisce riflessioni su temi attuali; mi auguro che possa
avere un piccolo ruolo nella società attuale.

Quadro
“Annalisa” 60×80  olio su terla      Scultura in legno riciclato dal mare 14x14x50

Quali sono le
maggiori difficoltà che hai affrontato come artista e come le hai affrontato e
come le hai superate?

Nel mondo
dell’arte esistono tanti bravissimi artisti e tanti stili; è difficile entrarci
e fare in modo che si venga presi in considerazione.

Il mercato
dell’arte è sempre imprevedibile, io punto sulle persone che conosco e di cui mi
fido e cerco canali che non mi illudano, ma che aiutino a sponsorizzare le mie
opere.

Vortice – olio, acrilico e china 108×64

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

La spinta viene
dalla voglia di farsi conoscere come artista e scelgo sulla base delle mie conoscenze.
Ho conosciuto, infatti, Maria Di Stasio in una recente mostra a Salerno: una
persona splendida, empatica, umile e molto professionale con la quale si è
creato subito un bel rapporto. Poi la dott.sa Bognolo, che era il critico della
mostra, una persona sensibile e con una grande professionalità; mi ha
emozionata la critica alle mie sculture, perché ha colto esattamente il senso
di quello che volevo trasmettere. Da questa mostra mi aspetto visibilità nella
città di Roma, un luogo che celebra l’arte da sempre. Ogni mostra è un
arricchirsi di esperienze e relazioni, conoscenza di nuovi artisti, la cui arte
mi spinge a confrontarmi e migliorarmi.

In che modo hai deciso di presentare la tua
arte all’interno di questo percorso espositivo e quali opere ha scelto di
esporre? Ci puoi raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro
realizzazione e se c’è un significato o un messaggio particolare che volevi
trasmettere attraverso di esse?

Ho scelto due
opere, un dipinto ad olio 60×80 e una scultura in legno riciclata dalla
montagna 8x9x32, perché una completa l’altra e insieme vogliono suggerirci una
riflessione sul rapporto che l’uomo ha con la natura e gli animali, un rapporto
che deve basarsi sul rispetto dell’ambiente e l’amore verso ogni essere
vivente.

La scultura è
stata la musa ispiratrice del quadro; ho trovato quel piccolo pezzo di legno
durante una passeggiata con i miei cagnolini, in primavera, su una montagna
vicino casa mia, Monte Cavallo. Immediatamente, ho pensato all’essere vivente
in esso contenuto, una donna che corre sulle vette innevate e si lascia
avvolgere dalla natura ricoperta da quel candido manto nevoso, in compagnia di
chi vive in quei luoghi, un furetto. Nel dipinto ho voluto illustrare anche la
stagione della primavera, con i bucaneve che colorano quel bianco e una luce
dal fondo che li fa brillare.

Il messaggio che
ho voluto trasmettere è l’importanza di imparare a godere di tutto quello che
ci circonda, la natura e gli esseri animali, perché ci trasmettono la gioia di
vivere.

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro?
Ci sono nuovi ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

I mie progetti
sono semplici: riuscire a fare ciò che mi piace fare, continuare a dialogare
con le mie opere e riuscire a sperimentare nuovi ambiti. Nell’arte vi sono
tanti mondi da esplorare e a me piace conoscerli.

Contatti

Email patriziaorgin@gm,ail.com

Facebook Patrizia Nigro

Instagram patrizia_nigro_artist

Patrizia Nigro – Biografia

Nata nel 1959 ad Altavilla Silentina (Salerno), Patrizia Nigro vive da oltre quarant’anni a Vipiteno, dove ha sviluppato e consolidato il suo percorso artistico. Diplomata al Liceo Artistico di Salerno, ha inizialmente intrapreso la carriera di maestra d’asilo, senza mai abbandonare la sua passione per l’arte. Nel corso degli anni, ha sperimentato e affinato diverse tecniche, spaziando dalla pittura alla scultura, fino alla creazione di scenografie teatrali.

Profondamente ispirata dalla natura, dagli animali e dalla dimensione spirituale, Nigro realizza sculture in legno di recupero, trasformando materiali plasmati dal tempo e dagli elementi in opere d’arte cariche di significato. La sua ricerca artistica si esprime anche attraverso la pittura, che utilizza per arricchire le sue creazioni di profondità e dettagli evocativi.

Oltre alla produzione artistica, ha condotto corsi di pittura e disegno per bambini e adulti, trasmettendo la sua sensibilità e il suo sapere a nuove generazioni. Ha partecipato a numerose mostre in tutta Italia, ricevendo riconoscimenti per la sua capacità di raccontare, attraverso l’arte, il delicato equilibrio tra uomo e natura. Il suo lavoro è un invito a riscoprire la bellezza del mondo con occhi attenti e consapevoli, celebrando la possibilità di trasformazione e rinascita insita in ogni frammento di vita.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

Invia la tua candidatura alla seguente email: gigroart23@gmail.com

Oppure contattaci attraverso questo Form

1. Nome

2. Email

3. Testo

   

Se l’articolo ti è piaciuto, ti invitiamo ad interagire attraverso la sezione commenti di seguito al post, arricchendo così il blog con le tue impressioni. 

E se trovi interessanti gli argomenti trattati nel Blog allora iscriviti alla newsletter e seguici anche sui canali social di L’ArteCheMiPiace.

In questo modo sarai aggiornato su tutte le novità in uscita.

ISCRIVITI ALLA NEWSLETTER

Ricevi nuovi post via email:

Iscriviti

                   

        

Questo blog non rappresenta una testata giornalistica in quanto viene aggiornato periodicamente, ma senza una cadenza predefinita. Non può pertanto considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge n° 62 del 7.03.2001 stante  la carenza del carattere QUALIFICANTE della periodicità. [TAR Lazio,sent n° 9841/2017] 

L’autrice declina ogni responsabilità per quanto pubblicato dai lettori nei commenti ad ogni post che saranno cancellati se ritenuti offensivi o lesivi dell’immagine o dell’onorabilità di terzi, di genere spam, razzisti o che contengano dati personali non conformi al rispetto delle norme sulla Privacy.

I testi critici scritti dall’autrice e inseriti nel blog non possono essere utilizzati o riprodotti online o altrove senza una richiesta e un consenso preventivo. La riproduzione di articoli e materiale presente nel blog dovrà essere sempre accompagnata dalla menzione dell’autore e della fonte di provenienza.

Alcuni testi o immagini inseriti in questo blog potrebbero essere tratti da fonti online e quindi considerati di dominio pubblico: qualora la loro pubblicazione violasse eventuali diritti d’autore, vogliate segnalarlo via email per la rimozione immediata. 

L’autrice del blog declina ogni responsabilità per i siti collegati tramite link, considerando che il loro contenuto potrebbe subire variazioni nel tempo.

L’ArteCheMiPiace – Interviste

Al Confine tra Istinto e Materia

Carmela Tulino

di Giuseppina Irene Groccia |24|Marzo|2025|

Carmela Tulino non si lascia definire da etichette, né da accademiche imposizioni. La sua arte nasce da un atto di ribellione quieta, come un’onda che scivola senza fretta, ma con una forza tutta propria. È un viaggio fatto di materia e sentimenti, una danza fra le emozioni più intense e le superfici che le ospitano. Ogni suo quadro non è solo una rappresentazione, ma una trasformazione – come la polvere ceramica che plasma, come il colore che si fa vivo, che si infila nelle fessure lasciate dalla vita.

Nel suo mondo, la forma non è mai solo forma, e il colore non è solo colore. C’è sempre un racconto dietro ogni pennellata, una memoria che si affaccia senza svelarsi completamente, perché ogni opera è come una pelle, una superficie irregolare che respira. È la sintesi di un’esplorazione interiore, che non cerca risposte, ma pone domande, invitando l’osservatore a tuffarsi nel suo tumulto silenzioso, nella tensione fra razionale e irrazionale, fra ciò che si mostra e ciò che si nasconde.

Se le sue radici affondano nel restauro e nella valorizzazione culturale, Carmela riesce a mescolare l’arte del recupero con quella della creazione. Ogni strato di colore che sovrappone, ogni segno che lascia sulla tela, è un richiamo al passato, ma anche un atto di rinnovamento. Non si ferma mai alla superficie: sotto ogni gesto c’è la volontà di far emergere qualcosa di profondo, di misterioso. Le sue influenze, distanti eppure intime, spaziano da Schiele a Bacon, da Burri all’immaginario vittoriano, ma è nella sua materia che trova la vera voce.

E quando dipinge, tutto in lei diventa un atto fisico, quasi primordiale. Non c’è schema, né progetto: la tela è una zona di sperimentazione, dove l’istinto trova spazio per esprimersi. La musica che accompagna il suo gesto non è solo un sottofondo, è parte di quel silenzio interiore da cui sgorga ogni opera. Ogni quadro che nasce è come un piccolo universo, in continua espansione, che non smette di svelarsi.

L’arte di Carmela Tulino è un invito a un incontro intimo, senza parole, fatto di forme, colori e silenzi. Ogni opera è una chiave, ma non c’è una sola porta da aprire. La sua arte è un riflesso che si moltiplica, sempre differente per chi la guarda. E in questo, forse, risiede la sua forza: nell’offrire uno specchio che non restituisce mai la stessa immagine.

In questo contesto di continua evoluzione artistica, abbiamo avuto l’opportunità di dialogare direttamente con Carmela Tulino, per scoprire più a fondo il suo percorso, le sue influenze e il processo che guida la sua creatività. Ecco cosa ci ha raccontato.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo
percorso artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha
spinto verso l’arte? 

Il mio percorso artistico è nato quasi per gioco.
Non provengo da una famiglia di artisti, quindi l’arte per me è sempre stata
più una scoperta personale che una tradizione da seguire. Ho frequentato il
Liceo Artistico P.A. De Luca di Avellino, dove ho iniziato a esplorare diverse
tecniche e materiali, ma il vero punto di svolta è arrivato quando mi sono resa
conto che l’arte mi permetteva di esprimere ciò che le parole non riuscivano a
dire. Non c’è stato un evento preciso, ma piuttosto una serie di momenti: le
esperienze nei laboratori artigianali, i progetti di valorizzazione culturale a
cui ho partecipato, e persino il restauro di mobili antichi — tutti tasselli
che mi hanno avvicinata sempre di più a questa dimensione creativa. Ogni volta
che dipingo, è come se stessi traducendo emozioni e pensieri in qualcosa di
tangibile, lasciando che il colore e la materia parlino al posto mio. 

Qual è il
tema o il messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue
opere? 

Il cuore delle mie opere risiede nell’esplorazione delle emozioni
umane e nella trasformazione di queste in forme e colori. Non seguo regole
accademiche precise: il mio approccio è istintivo, quasi viscerale. Ogni opera
nasce da un’esigenza interiore, spesso legata a esperienze personali o
riflessioni più profonde sulla condizione umana. Il tema principale è la lotta
tra ragione e sentimento, tra ciò che mostriamo al mondo e ciò che custodiamo
dentro di noi. Mi affascina rappresentare quella tensione emotiva, il conflitto
tra identità personale e condizionamenti sociali. Opere come “Intolleranze
sentimentali” ne sono un esempio: il volto distorto e il gesto esasperato
raccontano l’esplosione di emozioni trattenute troppo a lungo. Non voglio
imporre un significato preciso; lascio volutamente aperta l’interpretazione,
perché chi osserva possa trovare il proprio riflesso nell’opera, instaurando un
dialogo intimo e personale con essa. Per me, l’arte non deve dare risposte, ma
suscitare domande. 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo? 

Descriverei il mio stile come una fusione
tra istinto ed emozione, tradotta attraverso tecniche miste e stratificazioni
materiche. Uso spesso lavaggi di colore e materiali come stucco o polvere
ceramica per creare superfici vive, quasi tattili. Ogni strato aggiunto è come
una traccia del processo interiore che accompagna la creazione dell’opera.
Inizialmente il mio lavoro era più legato alla figurazione classica,
influenzato dalla mia formazione in conservazione dei beni culturali e
restauro. Col tempo, però, ho sentito la necessità di rompere con quella struttura
e lasciare più spazio all’improvvisazione e all’intuito. Ho iniziato a
sperimentare con texture più materiche e colori più liberi, cercando non tanto
di rappresentare una realtà esterna, quanto di dare forma a quella interna —
fatta di contrasti emotivi e riflessioni personali. Il mio stile, quindi, è in
continua evoluzione, proprio come il mio modo di sentire e vivere l’arte. Ogni
opera è un punto di passaggio, mai un punto d’arrivo. 

La sua esperienza spazia
dal restauro alla decorazione, dalla scenografia all’interior relooking. Qual è
il filo conduttore che unisce tutte queste espressioni artistiche nel suo
percorso e come hanno arricchito la sua identità professionale? 

Il filo
conduttore che lega tutte queste esperienze è senza dubbio la trasformazione.
Che si tratti di restauro, scenografia o interior relooking, il mio obiettivo è
sempre stato dare nuova vita a qualcosa — che sia un oggetto, uno spazio o
un’idea. Il restauro mi ha insegnato il valore del passato e la responsabilità
di rispettarlo, ma anche come riportare alla luce ciò che sembrava perduto. La
scenografia, invece, mi ha dato la libertà di creare ambienti che raccontano
storie, dove lo spazio stesso diventa un linguaggio visivo. L’interior
relooking mi ha mostrato quanto l’estetica possa influenzare il modo in cui
viviamo e percepiamo gli ambienti quotidiani. Tutte queste esperienze hanno
arricchito la mia identità artistica, portandomi a sviluppare una visione più
completa e versatile. Ogni tecnica e disciplina ha lasciato qualcosa nel mio
modo di creare: il restauro mi ha dato precisione e pazienza, la scenografia ha
amplificato la mia capacità narrativa, e il relooking mi ha insegnato a
guardare oltre l’apparenza. Questo bagaglio si riflette nelle mie opere, dove
il contrasto tra materia e colore non è mai casuale, ma frutto di una ricerca
continua tra memoria e rinnovamento. Alla fine, credo che ogni trasformazione —
di un oggetto, di uno spazio o di un’emozione — racconti sempre, in qualche
modo, una rinascita. Ed è proprio questo il concetto che porto con me in ogni
mia creazione.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro?
Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato
particolarmente la tua visione? 

Le mie principali fonti di ispirazione
nascono da una combinazione di esperienze personali ed esplorazioni artistiche.
Più che seguire uno specifico movimento, mi lascio guidare dall’emozione e
dalla materia, ma inevitabilmente alcune influenze hanno lasciato un segno profondo
nel mio percorso. Dal punto di vista artistico, mi sento vicina
all’espressionismo per la sua capacità di trasformare l’interiorità in forme
viscerali e colori intensi. Artisti come Egon Schiele e Francis Bacon mi
affascinano per la loro rappresentazione cruda e disturbante dell’animo umano.
Allo stesso tempo, la ricerca materica di Alberto Burri e l’uso delle superfici
vive e “ferite” mi hanno spinto a sperimentare con texture e
materiali diversi, come la polvere ceramica e lo stucco. Sul piano personale,
le esperienze legate al restauro e alla valorizzazione del patrimonio culturale
hanno plasmato la mia sensibilità verso la materia e il tempo. Ogni oggetto
antico, ogni superficie logorata dal tempo racconta una storia, e questo
concetto di “memoria tangibile” si riflette nei miei lavori, dove le
stratificazioni di colore e materia cercano di trasmettere una sensazione di
vissuto, quasi archeologica. Infine, la mia tesi sugli illustratori vittoriani
di Alice nel Paese delle Meraviglie ha aggiunto un altro livello di
ispirazione: il loro modo di giocare con la deformazione della realtà e con
l’ambiguità visiva ha influenzato il modo in cui rappresento i corpi e le
espressioni nei miei dipinti. In sintesi, la mia arte nasce da una continua
fusione tra emozione, memoria e sperimentazione materica. Ogni opera è una
sorta di viaggio personale, ma aperto a chi la osserva, affinché possa
ritrovare qualcosa di sé in quelle forme e in quei colori.