“15 – La fotografia oltre l’umano” approda a Cannistrà

Un ponte tra Varese e la Sicilia per l’arte contemporanea

Dal vernissage di Varese al Museo a Cielo Aperto di Cannistrà: un progetto condiviso che unisce arte, territori e visioni.

Non una semplice mostra, ma un dialogo di sguardi e sensibilità che prosegue oltre la galleria, trasformandosi in un gesto di bellezza e condivisione.

Dopo il successo ottenuto a Varese presso la CathartGallery di Carla Pugliano, l’esposizione “15 – La fotografia oltre l’umano”, ideata e curata da Ilaria Pisciottani, si prepara a vivere una nuova tappa in Sicilia, dove le opere saranno accolte nel Museo a Cielo Aperto del Borgo di Cannistrà, grazie alla visione e all’impegno congiunto del presidente dell’Associazione Culturale Cannistrà, Vincenzo Mirabile, e di Tonino Privitera, agitatore culturale e responsabile della comunicazione dell’associazione.

La mostra, inaugurata lo scorso 27 settembre a Varese, si è rivelata un evento di grande rilievo artistico e umano. 

La curatrice Ilaria Pisciottani, giornalista fotografa e artista fluxus, ha saputo intrecciare visioni differenti e poetiche personali, creando una narrazione coerente che supera i confini individuali per farsi esperienza collettiva.

Determinante la professionalità della gallerista e artista Carla Pugliano, fondatrice della CathartGallery, spazio culturale immersivo nato per favorire il dialogo tra materia e spirito, tra l’urgenza contemporanea e la ricerca interiore. Artista riconosciuta a livello internazionale, Pugliano è stata insignita del Leone d’Oro alla Triennale di Venezia 2024, ha esposto alla 60ª Biennale di Venezia e alla XIV Florence Biennale. Dal 2025 è consulente artistico per l’Atlante dell’Arte Contemporanea (Giunti), progetto che verrà presentato al MoMA di New York. Le sue opere sono presenti in collezioni private e istituzionali.

Anche una delle sue opere sarà installata nel Borgo d’arte di Cannistrà

Fondamentale anche il contributo critico di Roberto Mutti, tra le voci più autorevoli della fotografia italiana, che ha arricchito la serata con riflessioni sulla storia e sull’evoluzione del linguaggio fotografico.

Il progetto ha riunito quindici autori di rilievo – Matteo Abbondanza, Fabrizio Ceci, Michele Coccioli, Monica Cossu, Giuseppina Irene Groccia, Matteo Groppi, Sonia Loren, Alessio Marzola, Maria Cristina Pasotti, Ilaria Pisciottani, Christine Selzer, Louis Selzer e Pier Paolo Tralli – i cui lavori dialogano tra loro in un percorso di ricerca che indaga il rapporto tra immagine, identità e contemporaneità.

Alla mostra di Varese si è avuta anche la presenza di Giorgio Lotti, storico fotoreporter e protagonista di oltre sessant’anni di storia italiana, ha ulteriormente impreziosito l’inaugurazione, portando la testimonianza viva di una carriera costruita su oltre 400.000 scatti e su incontri con i grandi protagonisti del Novecento.

Con sensibilità e lungimiranza, il presidente Vincenzo Mirabile ha accolto l’idea di ospitare le opere nel Museo a Cielo Aperto di Cannistrà, condividendo con Ilaria Pisciottani e Tonino Privitera la convinzione che la cultura possa e debba essere bene comune e motore di rinascita territoriale.

Ad Agosto 2024 Ilaria Pisciottani era già stata invitata da Tonino Privitera ad installare dei suoi autoritratti nel Borgo d’arte  creando così un ponte tra fotografia e street art.

Ed ora altre 13 Fotografie di grande formato saranno installate creando forse la prima  vera e propria galleria a cielo aperto d’Italia.

Le fotografie infatti  diventeranno parte integrante del percorso artistico permanente del borgo, trasformando le pareti di Cannistrà in spazi di dialogo e bellezza condivisa.

Un aspetto innovativo che la curatrice stessa, insieme a Roberto Mutti, ha voluto sottolineare è il carattere sperimentale del progetto: Cannistrà si conferma tra i precursori nell’accogliere la fotografia come mezzo espressivo contaminante, capace di dialogare con installazioni, affreschi e linguaggi propri di un Borgo d’Arte.

Una visione di ampio respiro, che rompe barriere e apre nuove prospettive, in cui anche gli artisti fotografi hanno accolto con entusiasmo la proposta di inserirsi in un contesto tanto originale quanto poetico.

Un’iniziativa che conferma il ruolo dell’ Associazione Culturale Cannistrà come custode pro tempore dell’arte e della cultura, al servizio della comunità e del bene comune. 

Un modo di fare cultura che nasce dal basso, con dedizione e spirito di collaborazione, convinti che la bellezza possa generare anche nuove opportunità sociali, culturali ed economiche per il territorio.

Giuseppina Irene Groccia è stata l’artefice del catalogo ufficiale e della rassegna stampa della mostra, che ha documentato l’intero percorso con rigore e sensibilità.

Come ha ricordato la curatrice Ilaria Pisciottani:

“Il successo si ha perché succede qualcosa”.

E a Cannistrà, grazie alla sinergia tra artisti, istituzioni e cittadini, sta davvero succedendo qualcosa di importante: la bellezza diventa casa, e l’arte si fa comunità.*

📍 Borgo di Cannistrà (ME)

👤 Vincenzo Mirabile – Presidente

📣 Tonino Privitera – Agitatore culturale e Responsabile Comunicazione

✉️ toninoprivitera@virgilio.it

📞 +39 392 0620035

🌐 www.cannistra.eu

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DIS’ART MANTE 

L’arte come resistenza poetica e disarmo interiore e collettivo.

Con intervento di Andrea Barretta, noto critico d’arte, scrittore e giornalista

Da una riflessione condivisa, segnata dal senso di impotenza di fronte a conflitti e ingiustizie che abitano il nostro tempo, sempre più rumori di fondo nelle nostre esistenze, nasce DIS’ ART MANTE. 

Un titolo che si fa dichiarazione di intenti: l’arte come disarmo spirituale, simbolo di empatia, fratellanza e spirito condiviso. Un invito a non cedere all’indifferenza, a ritrovare attraverso l’arte la forza rigeneratrice dell’umano. Il percorso espositivo assume i tratti di una lettura esistenziale, quasi cristica: l’opera diventa slancio d’amore verso l’animo ferito, atto poetico che consola e ridesta. 

Risuona qui l’eco delle parole di Ernst Fischer: «L’arte non può cambiare il mondo, ma può contribuire a renderlo meno disumano». In questo solco la mostra si muove, trasformando vulnerabilità in testimonianza, sofferenza in dialogo, fiducia in presenza viva. 

DIS’ ART MANTE è parola-ponte, spazio simbolico che unisce amore, solidarietà e dimensione umana. L’arte si offre come resistenza sensibile, espressione che sceglie bellezza e consapevolezza condivisa in risposta alla violenza e al disinteresse. L’antitesi tra guerra e compassione si fa nucleo pulsante di questa mostra: l’arte come arma disarmante d’amore in cui l’impulso creativo diventa abbraccio simbolico verso l’essere fragile, memoria attiva che rifiuta l’assuefazione e risveglia la coscienza generale. 

Due artisti, due visioni, un’impellenza comune: quella di dare voce al silenzio assordante della guerra e del disagio sociale, alla progressiva anestesia collettiva che ci attraversa. DIS’ ART MANTE si presenta così come una bipersonale intensa e necessaria, in cui la pittura diventa strumento introspettivo e messaggio, sonda che penetra il non detto e restituisce il vero.

In esposizione le opere di Francesca Thermes e Cristiano Emanuele Ranghetto (C.R.E.!), entrambi impegnati a tradurre sulla tela ciò che spesso sfugge allo sguardo. La loro pittura non si limita a rappresentare, ma cerca di connettere di nuovo l’essere umano alla propria sensibilità, opponendo un’azione silenziosa di speranza al vuoto dell’indifferenza.

Ad impreziosire il percorso sarà il prestigioso intervento del giornalista, scrittore e critico d’arte Andrea Barretta, presente all’inaugurazione del 18 ottobre. Reduce da una grande mostra a sua cura al Museo della Stampa di Soncino “Il tempo di Warhol e la Pop art”, Barretta è attivo da anni nel panorama delle arti visive contemporanee, ha curato mostre dedicate, tra gli altri, ad Andy Warhol, Enrico Baj, Mimmo Rotella e Mario Schifano, ricevendo riconoscimenti internazionali, tra cui l’interesse del Metropolitan Museum di New York. È autore di saggi e monografie e membro del comitato critico del Catalogo dell’Arte Moderna Mondadori.

“Armi deposte” – Opera di Francesca Thermes

Note sugli ARTISTI

FRANCESCA THERMES

Francesca Thermes, artista autodidatta con un background professionale in architettura e design d’interni tra Napoli e Roma e Gardone Riviera, vive e lavora a Varese dal 2017. Ha sempre coltivato la propria vocazione espressiva anche attraverso musica, poesia e pittura.

Nel suo atelier affacciato sul centro cittadino, sviluppa un linguaggio pittorico personale e meditativoche attraverso il silenzio interiore si concretizza in forme astratte, nature morte e paesaggi emotivi.
Con fondi blu e oro attraversati da tratti netti e strutture fluttuanti, le sue opere raccontano ricordi, battaglie interiori e isole immaginate, in un equilibrio visivo tra ordine e poesia, tra materia e sogno. Quadri come Tromba d’aria e Fiocchi Caleidoscopici evocano forze primordiali, mutamenti e frammenti di ciò che ci attraversa.
“Sono in primis un architetto, ma anche una pittrice, una cantante, una poetessa.
Nella mia esperienza personale ho trovato esplorativo dare spazio in parallelo alla parte artistica, approfondendo il canto, la composizione poetica e le tecniche espressive della pittura, entrando così sin dall’infanzia a contatto diretto con la mia parte emozionale.Nella pittura paragono il mio lavoro ad un’esplosione, da cui ne seguono immagini che scorrono frammentate come note su supporti inaspettati che si traducono poi in forme grafiche usando il pennarello e il colore.”

Il lavoro di Francesca Thermes si distingue per la capacità di rendere visibile l’invisibile, di dare forma alle ferite e allo smarrimento del nostro tempo. Ogni sua composizione diventa uno spazio sospeso tra realtà e sogno, in cui colore, segno e materia si fondono per risvegliare sensibilità e sguardo condiviso. La sua creatività non si limita a rappresentare, si rivela in un flusso simbolico che trasforma l’esperienza estetica in un gesto di empatia. Attraverso questo dialogo, le opere di Thermes diventano atti di ascolto e consolazione, capaci di rispondere, con delicatezza, alle tensioni e alle ferite del mondo contemporaneo. Ogni oggetto del quotidiano, scatole, ritagli, etichette, non è per lei estraneo al processo creativo: lo percepisce già come elemento vivo delle sue composizioni, pronto a diventare materia poetica che si fonde con forme e colori, dando origine a visioni in continua trasformazione. Come supporti, Thermes utilizza sia le tele classiche sia materiali di riciclo come cartoncini, tavole di compensato o multistrato, intervenendo con pennarelli acrilici colorati o neri per bordare e rifinire le forme, di cui ama definire i contorni. Per Thermes DIS’ ART MANTE rappresenta l’esigenza di dare forma a ciò che non si vede, offrendo opere silenziose ma potenti, in cui la solidità della struttura incontra la leggerezza del vento.

“La guerra ha sempre colpito i più deboli” – Opera di Cristiano Emanuele Ranghetto

CRISTIANO EMANUELE RANGHETTO (C.R.E.!)

Cristiano Emanuele Ranghetto, in arte C.R.E.!, è pittore, scultore e poeta. Vive a Varese e si è formato presso il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle Arti di Brera, dove ha conseguito il Dottorato in Scultura.
Artista poliedrico ed eclettico, spirituale e visionario, Ranghetto considera l’arte un atto profetico e un mezzo per risvegliare coscienze addormentate.

Il suo stile, ispirato alla Scuola di New York e influenzato da Klee, Vedova e Miró, si declina in una cifra espressiva originale che fonde spiritualità, segno e materia.

Ideatore del Multivisionismo, Ranghetto crea dipinti che ruotano a 360°, invitando lo spettatore a scoprire volti, animali, figure e simboli nascosti, in base all’umore e all’orientamento dell’opera.
“Il Multivisionismo è pedagogico: incita anche a intraprendere una nuova visione del mondo, sperando di migliorarlo. Il mio nome, Cristiano Ranghetto Emanuele Italiano, si riassume nell’acronimo C.R.E.! che invita a creare e partecipare attivamente all’esistenza del quadro. Credo fermamente che l’immaginazione debba essere rispettata e risvegliata: chi fruisce di quest’opera interattiva deve essere coinvolto, diventando partecipe e, in un certo senso, anche artista. In definitiva, questi dipinti vogliono essere un invito alla scoperta, alla creatività e alla partecipazione, perché l’arte e l’immaginazione sono strumenti fondamentali per esplorare e arricchire la nostra realtà e soprattutto per risvegliare le coscienze attraverso il linguaggio universale dell’arte”

Ranghetto esporrà anche le sue sculture: “L’arte ha il dovere di mettere in luce i problemi creati dall’uomo. Il materiale che prediligo per realizzare le mie sculture è l’argilla: essa è terra, parte fondamentale del pianeta in cui viviamo, il quale soffre perché soffocato dall’uomo, suo parassita. Uso la terracotta che poi corrodo, con l’intento di simboleggiare le ferite che il pianeta ha subito e continua a subire dall’uomo.”

L’arte di Cristiano Ranghetto è un viaggio nell’imprevedibile, dove il colore diventa specchio dell’inconscio e la materia si trasforma in presenze mutevoli: volti, creature, paesaggi interiori che emergono e svaniscono come nuvole in metamorfosi. Ogni opera è un invito a perdersi nello sguardo, a riscoprire l’immaginazione sopita e a lasciarsi guidare dal gioco visionario del Multivisionismo. Le sue opere sono pedagogiche e interattive, e al contempo profondamente riflessive: un invito a guardare il mondo da più angolazioni e, forse, a cambiarlo.

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La mostra è curata da Carla Pugliano, artista riconosciuta a livello internazionale e fondatrice della CathArt Gallery, spazio culturale immersivo nato per favorire il dialogo tra materia e spirito, tra l’urgenza contemporanea e la ricerca interiore. Tra gli altri riconoscimenti e tra le partecipazioni, Pugliano è stata insignita del Leone d’Oro alla Triennale di Venezia, ha esposto alla 60ª Biennale di Venezia e alla XIV Florence Biennale. Dal 2026 è, inoltre, Consulente artistico per l’Atlante dell’Arte Contemporanea (Giunti) che verrà presentato al Mo.MA di New York. Le sue opere sono in collezioni private istituzionali e museali.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

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FOTOGRAF@MENS, La salute mentale, Oggi

L’esposizione – FOTOGRAF@MENS La salute mentale, oggi – a
cura del Dipartimento di Salute Mentale ASL Roma 2 e del Direttore artistico
Francesco Zizola, è organizzata dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e
Contemporanea e sarà visitabile in modo interattivo dal 2 al 12 ottobre 2025 su
prenotazione diretta sul sito della GNAMC.

Tutti i visitatori
con accesso gratuito dovranno prenotarsi indicando la fascia oraria di visita
sul sito web
https://www.ticketone.it/eventseries/la-galleria-nazionale-2890614/?affiliate=T2C

Per ulteriori agevolazioni i visitatori dovranno far
pervenire una richiesta preventiva di prenotazione, indicando giorno e fascia
oraria, inviando una mail a romensfestival@gmail.com con oggetto “GNAMC”, con
successiva necessaria mail di conferma da parte dell’organizzazione.

L’esposizione fotografica nasce nell’ambito della IV
Edizione del Festival della Salute Mentale RO.MENS 2025, promosso dal DSM ASL
Roma 2 con la collaborazione dell’Assessorato ai Servizi Sociali e alla Salute
di Roma Capitale e il Patrocinio della RAI, con l’obiettivo di sensibilizzare
il grande pubblico sui temi della salute mentale, l’inclusione sociale e la
lotta al pregiudizio attraverso il linguaggio dell’arte fotografica.

Percorso espositivo

L’esposizione fotografica è curata da un team
interdisciplinare composto dal Direttore Artistico Francesco Zizola con il
supporto scientifico del dott. Gianluca Monacelli per l’ASL Roma 2,  si traduce in un percorso fotografico in cui
le opere vincitrici del concorso “Fotograf@Mens, La salute mentale, oggi”, sono
integrate con le fotografie realizzate attraverso il concept proposto dal
direttore artistico sull’auto-rappresentazione e realizzate all’interno dei
laboratori fotografici dei Centri Diurni del DSM dell’ASL Roma 2 e il teatro
del carcere di Rebibbia.

Il percorso espositivo presenta più di 180 autoritratti,
realizzati all’interno dei laboratori fotografici dei Centri Diurni e nell’area
della salute mentale penitenziaria di Rebibbia del DSM dell’ASL Roma 2, con la
partecipazione di centoventicinque cittadini, compresi utenti ed operatori.

Le foto del concorso, selezionate e ammesse all’esposizione
sono venti su duecentoundici, con un totale di 60 Autori che hanno aderito al
concorso da tutto il territorio nazionale e non solo (Tours, Francia).

Le 20 foto selezionate dalla giuria parlano di vita che
esprime anche la follia ‘come dimensione umana’ (Basaglia) accostata e
integrata alla salute mentale. Nel senso che la salute può essere attraversata
dalla follia ma questa non necessariamente nega e oscura il benessere psichico
delle persone, soprattutto se si crea uno spazio di reciprocità, di
negoziazione e condivisione con l’altro, che poi è inclusione sociale. Ovvero
riconoscere ad ognuno il proprio posto nel mondo accanto all’altro. La salute
mentale dice Basaglia, può ritrovarsi in tutto, nel senso che può stare in ogni
incontro e in ogni relazione. In un certo qual modo anche la creatività si deve
situare accanto alla ‘follitudine’ perché conserva ed esprime quella
possibilità unica che ognuno di noi possiede di dar voce a quel modo altro di
pensare – creativo –  che travalicando
l’ordinario fornisce pensieri originali.
E così la follia come pure la creatività sono condizioni umane.

Il concept sull’autoritratto, che si integra e si abbina con
il concorso fotografico, segue le traiettorie del pregiudizio e dell’identità.
Non abbiamo certezze assolute, ma sappiamo bene quanto lo sguardo possa essere
di per sé dotato del potere del giudizio e abbia la capacità di ferire e
proiettare l’ombra del pregiudizio dello stigma e la distanza. Pensiamo ad
esempio al bullismo nelle scuole o ai comportamenti discriminatori nei luoghi
di lavoro e della società civile.

Metterci il volto!! Contro il pregiudizio sarà possibile a
tutti coloro che verranno a visitare l’esposizione realizzare, in un set fotografico
dedicato, il proprio autoritratto che potrà diventare parte integrante e
interattiva con l’esposizione in progress trasformandosi in un’esposizione
vivente.  Mettendo ognuno il proprio
volto, uno accostato all’altro, con il movimento artistico e concettuale voluto
dal direttore artistico Francesco Zizola, non ci sarà alcuna distinzione tra i
cittadini, che siano essi operatori, ospiti dei servizi sanitari, del carcere,
amici o visitatori dell’Esposizione. In questo modo sarà possibile dimostrare
che si può smontare il pregiudizio per un volto trasversale della normalità.

La mostra “15 – La Fotografia oltre l’umano”, a cura di Ilaria Pisciottani e New Format Art, ha aperto le sue porte alla CathArt Gallery di Carla Pugliano con un vernissage che ha registrato una notevole affluenza di pubblico e un clima di vivo entusiasmo.

La serata si è distinta non solo per l’ampia partecipazione, ma soprattutto per l’intensità degli scambi tra artisti e visitatori. Un’interazione fertile, quasi “dirompente”, capace di trasformare l’incontro inaugurale in un vero laboratorio di idee e stimoli, arricchendo il dialogo sia tra gli autori stessi sia con chi ha preso parte all’evento.

Particolare apprezzamento ha suscitato l’intervento del critico e storico della fotografia Roberto Mutti, presenza autorevole e sempre capace di offrire spunti lucidi e illuminanti. Le sue riflessioni hanno contribuito a dare ulteriore profondità al progetto, collocando la mostra in un orizzonte culturale più ampio.

L’energia corale del vernissage ha confermato la forza di un percorso che intreccia sensibilità diverse, accomunate dalla volontà di superare i confini dell’immagine e di restituire alla fotografia un ruolo di linguaggio vivo, critico e poetico.

La mostra rimarrà visitabile fino all’11 Ottobre 2025

Orari della mostra

Martedì, mercoledì, giovedì e venerdì 16:30–18:30

Sabato 10:00–12:30 / 15:30–19:00

Domenica 15:30–19:00

Per informazioni e contatti

+39 392 8081554

myartcharlotte@gmail.com

 

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“Va in scena il dolore” – Le donne palestinesi si raccontano

Venerdì 19 settembre, alle ore 18:00, il Chiostro di Palazzo San Bernardino a Corigliano-Rossano (CS) ospiterà la prima rappresentazione drammaturgica “Va in scena il dolore”, uno spettacolo intenso e commovente che dà voce alle storie delle donne palestinesi.

Lo spettacolo, tratto da un testo pubblicato dalla Mongolfiera Editrice e disponibile su Amazon, prende forma attraverso i versi di Umberto Romano, che ci ricordano come la memoria sia volubile e selettiva, emergendo nei momenti più inattesi. Le parole raccontano dolore e speranza, vita e sacrificio, ma anche il desiderio profondo di lasciare un messaggio d’amore e pace: «Bisogna vivere le cose per raccontarle, in un tempo che ruba tempo ai sogni e alle speranze… così che quando i bambini vedranno l’aquilone penseranno che sia un angelo a portare la pace».

Un altro verso dello stesso autore ricorda: «Mi basta morire sulla mia terra, essere sepolta in essa… germogliare come un fiore colto con tenerezza da un bimbo del mio paese».

Lo spettacolo vede la partecipazione di un cast straordinario, composto da:

 

 

Franco Ciro, Francesca Romano, Maria Pia Mandia, Katya Genova, Giusy Stasi, Liliana Zangaro, Anna Milieni, Rossella Scaramuzza, Valentina Torrisi, Francesca Russo, Maria Manfredi, Loredana Sisto, Maria Teresa Bua, Graziella Colamaria, Gianfranco De Luca.

 

Momenti musicali a cura di Pino Salerno.

 

 

L’iniziativa è promossa dall’Associazione V.E.S.C.A, insieme a SosteniAmo, La Mongolfiera Editrice, Forum Terzo Settore e Circolo Culturale Rossanese, con il supporto del media partner L’ArteCheMiPiace.

 

Vi aspettiamo venerdì 19 settembre alle ore 18:00 al Chiostro di Palazzo San Bernardino – Corigliano-Rossano per vivere insieme un racconto potente, che unisce arte, memoria e testimonianza.

 

 

 

 

Clicca sulla copertina per richiedere il libro

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Tra Mitologia e Denuncia

Le Performance di “Pane di Pace”

di Redazione|15|Settembre|2025|

A Grimaldi, la XVIII edizione della mostra Tornare@Itaca, curata dalla critica d’arte Mimma Pasqua, celebra la pace attraverso il “Pane”. L’evento, intitolato Pane di Pace, si è svolto nel cortile di Casa Pasqua – Libera sede d’arte, dove il pane, simbolo di vita e condivisione, si è trasformato in un potente gesto di denuncia.

Gli artisti Giuseppe Aiello, Claudio Angione, Cali’, Francesca Campana, Liliana Condemi, Maria Rosaria Cozza, Luce Delhove, Emanuele De Stefano, Diego Ferrari, Gabriele Ferrari, Andrea Gallo, Domenica Gualtieri, Eleonora Giannetti, Alfredo Granata, Luigia Granata, Domenico Grosso, Rosy Imbrogno, Nicola Labate, Elda Longo, Lucia Paese, Sabrina Marotta, Massimo Melicchio, Assunta Mollo, Ilaria Montenegro, Raffaella Piane, Ivana Ruffolo, Antonio Scarpino, Ale Senso, Luigi Patitucci, Luciana Vita e Joseph Waweru Wache sono stati chiamati a creare opere commestibili da spezzare e condividere con i presenti, esprimendo una condanna profonda e una presa di posizione personale contro la carestia che colpisce la popolazione palestinese.

L’esibizione ha unito arte e attivismo, culminando nella significativa performance di Maria Rosaria Cozza. L’artista ha indossato due abiti creati da Veronica Martino, appartenente al duo artistico Soeve, che realizza abiti in carta e plastica. In quella serata, in qualche modo, era presente anche Sonia Quercia, compagna di percorso di Veronica Martino nel duo, recentemente scomparsa ma ancora viva nella memoria e nello spirito delle loro creazioni. Presidente dell’Associazione Ruskia, che promuove la storia e la cultura del territorio, l’artista ha realizzato per l’occasione due abiti ispirati ai miti greci.

Nella prima performance, The Indifference of Death, si è sviluppata una potente allegoria visiva contro la guerra. Il vassoio, solitamente associato al servizio, diventa un palcoscenico su cui è “servita” la brutalità del conflitto. Le bandiere contrapposte e i soldati rappresentano le ideologie e gli schieramenti che alimentano la guerra, dimostrando che la vera battaglia si combatte tra simboli e non solo tra esseri umani. Al centro, i cumuli di macerie e di teschi simboleggiano la distruzione materiale e le innumerevoli vittime innocenti. I teschi, spogli di ogni identità, rappresentano un genocidio universale e rendono la morte anonima. Il loro uso esplicito cattura l’attenzione dello spettatore, trasformando l’immagine in una supplica disperata per un cessate il fuoco e un monito a non ignorare l’ingiustizia.

Con indosso l’Abito Elicona, ispirato al sacro monte delle Muse e ai suoi tramonti ramati, Cozza rappresenta l’apice della creatività e della bellezza, l’essenza stessa dell’arte. Questo abito si contrappone al vassoio che “serve” l’orrore della guerra: mentre l’abito celebra la vita e l’ispirazione con i suoi colori dorati, il vassoio espone teschi e macerie, simboli di distruzione. L’allegoria mette in luce la tragica dicotomia tra la bellezza che l’umanità può creare e la brutalità che può scatenare. L’Abito Elicona diventa così un monito su ciò che viene distrutto da una guerra ingiusta: non solo vite, ma anche ispirazione e spirito creativo.

In un secondo momento, con la performance In the Heart There Is No Diversity, Cozza combina la bellezza mitologica dell’Abito Galatea, che evoca la purezza del Mare Nostrum e il suo antico mito, con la tragica realtà contemporanea dei naufragi. Proprio come i moderni Ulisse, le persone in fuga dalla guerra cercano il loro ritorno a Itaca attraverso lo stesso mare che fu dimora della ninfa. Il vassoio con i cuori anatomici diventa simbolo centrale, ricordandoci che differenze superficiali come il colore della pelle sono irrilevanti. L’opera ci invita a guardare oltre le apparenze, riconoscendo la comune natura umana e la capacità di empatia e amore, nutrendo un senso di fratellanza di fronte alla tragedia.

La performance di Maria Rosaria Cozza ha lasciato un’impronta indelebile sull’intera manifestazione. Le due artiste coinvolte collaborano da tempo per realizzare performance molto originali, utilizzando abiti creati a mano. La loro ricerca spazia da un’attenta riproduzione storica fino alla creazione di vestiti con materiali di riciclo, dimostrando notevole versatilità e creatività.

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

 

 

 

 

 

 

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