L’ArteCheMiPiace – Interviste

Riki Krea

l’arte come ribellione e risveglio

di Giuseppina Irene Groccia |06|Aprile|2025|

 

 

 

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso artistico?
C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Il mio percorso non è iniziato, è sempre stato. Fin da piccolo,
ho sentito l’urgenza di reinventare il mondo con le mie mani, di piegare la
materia al mio bisogno estetico e funzionale. Nessuna forma preconfezionata
poteva soddisfarmi. Poi è arrivato il COVID, non solo come pandemia, ma come
rivelazione. Ha squarciato il velo, ha mostrato gli ingranaggi nascosti della
società. Da quel momento, la mia arte ha smesso di essere solo creazione: è
diventata contestazione.

 

 

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Questa collezione è una lama sottile tra ironia e denuncia. Un
riflesso scomodo della nostra epoca, un mondo che corre, consuma, ingoia e
dimentica. Io non offro risposte, ma pongo domande. Ogni opera è un
cortocircuito visivo, un invito a guardare oltre il velo dell’ovvio e
interrogarsi sull’assurdità che chiamiamo “normalità”.

 

 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto
nel corso del tempo?

Non parlerei di stile, perché lo stile è un recinto, una
categoria, un’etichetta che imprigiona. Il mio percorso è libero, in costante
metamorfosi. Mi muovo per istinto, passando da fiore in fiore come una
farfalla, esplorando forme, materiali e significati senza mai inchiodarmi a una
sola direzione. Ogni opera è un esperimento, una domanda aperta, un gioco serio
con la realtà.

 

L’evoluzione? È semplicemente il movimento naturale del mio essere, un viaggio
senza meta ma con un’incessante sete di scoprire e sovvertire.

 

 

 

Affermi che non inventi, ma trai ispirazione dalla natura,
cambiandone la prospettiva. Qual è stato il momento in cui hai realizzato che
questa visione poteva diventare il filo conduttore del tuo lavoro?

Non c’è stato un momento preciso, ma un lento risveglio. La
natura non ha bisogno di essere inventata, è già perfetta. Noi siamo solo
interpreti, traduttori di un linguaggio antico che spesso ignoriamo. Ho
iniziato a osservarla con occhi nuovi, a catturare le sue geometrie, i suoi
ritmi nascosti, la sua logica invisibile, e da lì ho capito: non serve creare
dal nulla, basta cambiare prospettiva. Il mio lavoro è questo: prendere l’ovvio
e renderlo straordinario, svelare il codice segreto che ci circonda e
trasformarlo in una nuova esperienza visiva e concettuale.

 

Le tue opere mostrano una forte matrice di design: come riesci a
bilanciare la funzionalità propria del design con l’espressività dell’arte,
senza che una sovrasti l’altra?

Non le vedo in conflitto, perché funzionalità ed espressività
sono solo due facce della stessa medaglia. Il design cerca l’equilibrio tra
estetica e utilità, mentre l’arte esprime un concetto, un’emozione, una
provocazione. Io lascio che si intreccino, che dialoghino, che si contaminino a
vicenda. La forma non è mai solo decorativa, il messaggio non è mai fine a sé
stesso. L’arte deve avere un’anima, il design un senso. Il vero bilanciamento
sta nel non separare questi due mondi, ma nel fonderli in qualcosa di nuovo,
dove il bello non è solo da guardare, ma anche da vivere.

 

 

Se la natura è la tua fonte primaria di ispirazione, quali sono
gli elementi o i fenomeni naturali che più di altri continuano a sorprenderti e
influenzare le tue creazioni?

Mi affascinano le geometrie frattali, dove il piccolo riflette
il grande, e l’armonia del caos, che nasconde un ordine invisibile. Mi ispirano
la trasformazione continua della natura e la sua capacità di creare forme
perfette senza spreco. Osservo, assorbo, e traduco tutto questo nel mio lavoro.

 

 

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro?
Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato
particolarmente la tua visione?

La mia ispirazione viene dalla vita vissuta, dall’attimo
presente, dal saper vedere l’immenso nel minuscolo. Non cerco influenze, non mi
lascio contaminare da tendenze. Preferisco le suggestioni pure, quelle che
emergono dall’essenza stessa delle cose, senza filtri né compromessi.

 

 

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Il mio processo creativo è istintivo e diretto: idea, azione,
creazione. Non mi perdo in attese o troppi schemi, il vero rituale è fare,
lasciare che l’intuizione guidi la mano senza troppe sovrastrutture. Creare è
un atto immediato, un dialogo tra visione e materia.

 

 

Preferisci lavorare su tela in solitudine o trovi ispirazione
anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Non faccio distinzioni: il contesto è solo un’altra sfumatura
della creazione. La solitudine affina la visione, il collettivo amplifica lo
stimolo. Ogni spazio, ogni momento, ogni influenza è parte del tutto.

 

 

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo il
feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

L’arte è un riflesso, ma il primo specchio è sempre il mio. Creo
per necessità, per espressione, senza cercare conferme. Il pubblico osserva,
interpreta, reagisce e va bene così.

 

---

Ogni sguardo aggiunge un livello di lettura, ma il punto di
partenza resta sempre lo stesso: il mio.

 

 

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi
che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

L’arte è passione pura, un modo per esprimere e condividere ciò
che ci muove. Nella società contemporanea, ci ricorda che tutti possiamo
creare, in ogni forma. Il mio lavoro nasce da questa meraviglia: l’arte è in
ognuno di noi e può trasformare ogni gesto in qualcosa di unico.

 

 

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come
artista e come le hai superate?

Spesso ciò che esprimo non viene immediatamente compreso o
apprezzato, ma ho imparato a vedere queste sfide come opportunità di crescita.
Con il tempo, ho imparato a restare fedele alla mia visione, sapendo che l’arte
non deve essere per tutti, ma che ha il potere di connettere chi è pronto a
vedere oltre.

 

 

 

 

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

La trovo un’opportunità unica di confronto e di crescita. Mi ha spinto
il desiderio di condividere la mia ricerca artistica con un pubblico più ampio
e di confrontarmi con altri artisti, ognuno con la propria visione e
sensibilità. Le aspettative sono di apprendere, di essere stimolato da nuove
prospettive e di ampliare il mio linguaggio espressivo.

 

 

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno di
questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi
raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se
c’è un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso
di esse?

Ho scelto opere che esplorano i piccoli dettagli quotidiani
spesso ignorati, ma ricchi di significato. Il mio processo creativo si è
concentrato sull’osservazione attenta e sull’importanza di fermarsi a vedere
ciò che normalmente sfugge. Volevo trasmettere l’idea che la bellezza e il
valore si trovano nei particolari più semplici.

 

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Da un paio d’anni sto studiando la geometria sacra basata
sull’ottava, un concetto senza fine che connette tutto. Non so dove mi porterà,
ma sicuramente offrirà un grande slancio per qualsiasi altra esplorazione
futura.

 

 

Chi sono?

 

Sono me stesso, senza etichette né definizioni. L’io è già un’illusione dell’ego, e io non voglio rinchiudermi in

un ruolo. Non sono solo un artista, un designer, un sognatore o un rivoluzionario. Sono un creativo, uno spirito libero. Creare è il mio linguaggio, il mio modo di esistere. Non ho mai trovato poesia nei prodotti preconfezionati, strumenti di un consumismo senz’anima. Così ho iniziato a dare

forma alle mie idee fin da bambino, lasciandole emergere con naturalezza.

Questa, parte di una collezione, non è nata da un progetto, ma da un impulso, da un’ispirazione che ha preso vita prima dentro di me e poi nel mondo.

 

 

Riccardo Furlanetto

 

 

 

 

 

 

 

 

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

 

 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

 

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

 

 

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 L’ArteCheMiPiace – Interviste

Tra Pois e Linee

Le Rivisitazioni Visionarie di Mariella Rinaldi

di Giuseppina Irene Groccia |04|Aprile|2025|

Nel panorama dell’arte contemporanea, l’opera che sfida il
tempo e le convenzioni assume forme sempre più diversificate e imprevedibili.
Tra questi percorsi, uno in particolare si distingue per la sua capacità di
dialogare con il passato mentre rinnova la visione del presente, offrendo nuove
prospettive visive che raccontano storie di donne e mondi altamente rappresentativi. Questo
linguaggio, che unisce il rigore dell’astrazione a una potenza simbolica, supera il semplice atto di rappresentare per diventare una continua rielaborazione
del vissuto, un atto di rivisitazione e rinascita. Di questa visione potente e
trasformativa è protagonista Mariella Rinaldi.

La sua arte si costruisce su un linguaggio visivo che
mescola simbolismi, colori e forme, spingendosi aldilà della figurazione per
esplorare le profondità di un’astrazione intrisa di significati. Il suo stile è
un punto di incontro tra la potenza della Pop Art e una riflessione
personale sulla contemporaneità. Ma se nel Neo Pop l’eco del consumismo e della
cultura dei mass media si fa sentire forte e chiara, nel lavoro di questa
artista è la figura femminile a risplendere. Le sue opere sono più che semplici
rappresentazioni: sono omaggi, tributi visivi che, attraverso l’uso di simboli
iconici e una tavolozza di colori vividi e carichi di simbolismo, danno nuova
vita a volti e storie di donne che hanno segnato la storia, ma che rischiano di
essere dimenticate. Il centro delle sue creazioni è proprio l’idea di
rivisitare il passato per non farlo cadere nell’oblio, un atto di resistenza
contro la marginalizzazione delle figure femminili, anche nel panorama storico
e artistico.

Il viola, il verde, l’arancione da semplici colori, si
trasformano in attivatori di sensazioni e emozioni: la calma mista a energia,
la stabilità che sfocia nella rinascita, la pace interiore che scaturisce
dall’azione. Ognuno di questi colori, insieme ai motivi ricorrenti dei pois e
dei cuori rossi, arricchisce l’opera, conferendole una dimensione emozionale e
simbolica che valica l’apparenza estetica. Le linee bianche e nere, in particolare,
parlano di contraddizioni universali, come quella tra luce e oscurità, e di una
tensione che pervade l’intero mondo artistico della Rinaldi.

In questa costante evoluzione creativa, Mariella, oltre a
riproporre i canoni del Neo Pop, li reinventa con una forza prorompente,
esplorando il connubio tra cultura popolare e alta arte, tra visione personale
e storia collettiva. Con ogni serie, la sua ricerca si fa più profonda e
avvincente, come quella dedicata alle Olimpiadi invernali Milano-Cortina 2026,
dove l’artista infonde il dinamismo degli sportivi in un linguaggio visivo che
fonde tradizione e innovazione. La sua arte non ha paura di sfidare i limiti e
di mescolare riferimenti storici e contemporanei, rendendo ogni opera un
frammento di memoria viva.

Mariella Rinaldi è un’artista che sa osservare il mondo e lo
ricrea, modellandolo attraverso la sua visione personale, elevando la pittura a
mezzo di trasformazione e rendendo ogni dipinto un atto di restituzione e
innovazione. Il suo percorso è una ricerca incessante che non si accontenta di
emulare o ripetere, ma che ogni volta reinventa, sempre attenta a restituire
nuova vitalità a quello che, nel tempo, potrebbe essere dimenticato. Con un
linguaggio che è tanto estetico quanto emotivo, l’artista ci invita a guardare
il mondo attraverso una lente diversa, a riscoprire il valore intrinseco di ciò
che spesso diamo per scontato.

In questa intervista, Mariella ci accompagna nel suo affascinante viaggio creativo, rivelandoci come le sue rivisitazioni artistiche trasformano simboli e immagini, dando vita a nuove visioni e riflessioni sulla realtà contemporanea.

Ricordi il momento esatto in cui hai capito che l’arte
sarebbe stata una parte fondamentale della tua vita?

Ogni volta che mi pongono questa domanda riesco solo a
rispondere che il mio rapporto con la pittura ed il disegno sono nati con me:
non ricordo esattamente quando, poiché i miei giochi da bambina consistevano
per lo più nei disegni. Naturalmente mi dedicavo anche ai giochi tradizionali,
ma ogni occasione era per me stimolo di esprimermi attraverso matite, pastelli
e acquarelli. Mi divertivano molto i personaggi di Walt Disney. Questo mio
“amore”, con il passare degli anni, ha migliorato anche altre mie abilità
manuali, che mi hanno spinto a voler conoscere l’arte sempre di più e portato a
sperimentare in mondi, per me, allora, nuovi e sconosciuti.

Certo è che la pittura, mi ha sempre aiutata ad esplorare e
comprendere le mie emozioni e a sviluppare della mia intelligenza emotiva.

Ci hai raccontato che fin da piccola trovavi conforto nel
disegnare mentre i tuoi compagni riposavano. Come descriveresti quel senso di
protezione che l’arte ti ha sempre donato?

Interagire con i colori, fin da piccola, mi ha sempre
portato a migliorare il mio umore e nei “miei momenti artistici” ho sempre
ritrovato un benessere psico-fisico generale…difficile da spiegare a parole!

In quegli istanti, tenere in mano un pennarello, avere il
banco cosparso di colori ed un foglio bianco davanti ai miei occhi, mi faceva
sentire al sicuro, in un mondo (anche se per pochi attimi) tutto mio, dove
tutto diventava possibile, perché ciò che immaginavo si proiettava magicamente
in un disegno. Ricordo la meraviglia negli occhi dei “grandi” che, guardando i
miei disegni, rimanevano stupiti.

Quali sono state le prime influenze artistiche che hanno
segnato il tuo cammino?

I miei primissimi dipinti a olio su tela sono stati paesaggi
naif e nature morte.

All’inizio del mio percorso mi sono avvicinata all’arte
classica e neoclassica, per lo studio delle forme, della luce, delle
prospettive e delle proporzioni; con il trascorrere degli anni mi sono poi
ritrovata ad ammirare opere più moderne e contemporanee che mi hanno fatto
avvicinare alla Pop Art.

Dopo i tuoi primi approcci con il disegno e la pittura, hai
avuto momenti di incertezza o hai sempre sentito che questa era la tua strada?

MAI! E’ stato amore a prima vista … Non ricordo un solo
istante in cui io abbia dubitato di quello che desideravo dalla pittura e di
ciò che la Lei (la pittura) ricercava da me!

Hai frequentato corsi di pittura e decorazione su ceramica:
quanto questi studi hanno influito sul tuo stile e sulla tua tecnica?

No, pochissimo direi: I corsi di pittura e decorazione che
ho frequentato mi hanno fornito solo alcune basi e fondamenta della pittura.

Nella tua evoluzione artistica, hai sperimentato diverse
tecniche pittoriche. Ce n’è una che senti più tua rispetto alle altre?

Decisamente l’Acrilico.

Un indubbio vantaggio della pittura acrilica è la sua
nitidezza data dalla solidità della struttura. Una linea dritta, un contorno
appaiono perfettamente delineati! L’ asciugatura è molto rapida e per una
persona come me, a cui non piace aspettare… è l’ideale!

Sei stata definita “Pittrice della Luce, del
Possibilismo e della Resilienza”. Cosa significano per te queste
espressioni?

Luce: il Bianco, cosparso di pois (ottimismo) o righe nere
(contrapposizione tra il bene e il male)

Possibilismo (il Viola): dentro ad ogni mio dipinto si
percepisce la speranza di dimostrare che è possibile aggirare o neutralizzare
ostacoli ritenuti insormontabili, cercando vie d’uscita basate sul desiderio di
Cambiamento e di Rinascita, facendo leva sul protagonismo attuale e potenziale
delle persone, spingendole ad elevarsi, per essere più utili a sé e agli altri.

Resilienza (il Verde) la Speranza che ognuno possa trovare
la forza di far fronte in maniera positiva a eventi traumatici e la capacità di
saper riorganizzare la propria vita davanti alle difficoltà.

In effetti mi sento di affermare che Ognuno a suo modo è
resiliente, anche se non lo sa!

Siamo tutti resilienti! nostro malgrado. Per esempio,
resistiamo allo stress senza spezzarci… fronteggiamo venti contrari… e ci
rimbocchiamo le maniche ogni volta che la vita ce lo richiede!

Vorrei che chiunque osservi le mie opere possa coglierne il
tema della Vita, della Speranza, della Possibilità di Cambiamento, della Gioia
e della Meraviglia e della Luce: quella Luce in fondo al tunnel che non è poi
così lontana!!

Il tuo stile viene associato all’arte pop e, in particolare,
all’influenza di Roy Lichtenstein. Come vivi questo confronto e quanto ti
ispira il movimento Hip Hop nel tuo lavoro?

Roy Lichtenstein, come sappiamo, è stato uno dei principali
artisti della pop art americana insieme ad Andy Warhol. Essere associata ad un
Grande come lui non può essere per me che un onore.

La Pop Art, caratterizzata da colori vivaci, immagini audaci
e un approccio ironico, ha sfidato le convenzioni dell’arte tradizionale,
trasformando oggetti quotidiani e icone della cultura pop in opere d’arte. Il
mio intento è proprio questo: attirare lo sguardo degli spettatori, anche di
coloro che non fanno parte del mondo vero e proprio dell’Arte, e stupirli
creando curiosità e interesse.

Le tue opere creano assonanze e dissonanze cromatiche,
allegoriche ed empatiche. Come scegli le palette di colori e le forme che
caratterizzano i tuoi dipinti?

Ogni volta che mi appresto a comporre e/o rivisitare
un’opera, nella mia mente si creano automaticamente immagini e forme che io
“vedo” ben chiare e che poi vengono proiettate tramite il pennello sulla tela.

Non ho una schema che vale per tutto, agisco molto d’
istinto: è un impulso naturale, che mi fa accostare i colori (verde, viola,
arancione), le forme (i pois e righe bianco/nere) e i miei simboli (cuore/fiori
pop), presenti nella maggior parte delle mie ultime opere.

Nel tuo percorso artistico, hai spesso rielaborato
capolavori classici dell’arte, trasformandoli con una prospettiva contemporanea
e neopop. Cosa ti spinge a reinterpretare queste opere storiche, e quale
messaggio intendi trasmettere attraverso questa fusione tra passato e presente?

Nella maggior parte delle mie opere, i colori forti e i miei
simboli si miscelano con immagini di donne che hanno fatto la storia dell’arte
e non solo. La mia rivisitazione in chiave neo pop tende a voler non far
dimenticare, a ridare vita a volti e immagini che troppo spesso rischiano di
venir dimenticate, o semplicemente date per scontate, come se ormai avessero
perso il loro potere iconico nel celebrare le Donne. Questa dovrebbe essere la
chiave di lettura per interpretare i miei dipinti: rivisitare per non
dimenticare, LE DONNE NON HANNO BISOGNO DI UN GIORNO A LORO DEDICATO, MA DI UNA
VITA!

In altre opere, diventa predominante il desiderio di
dialogare con il passato per proiettarlo verso il futuro. E anche l’invito a
riconsiderare i nostri simboli culturali e religiosi in una luce nuova,
ricordando che l’arte, come il nostro rapporto con il Divino, sono in costante
evoluzione.

Uno dei tuoi lavori più sorprendenti parte dall’opera di
Picasso, “Guernica”. Cosa ti ha spinto a rielaborare questo
capolavoro?

L’idea è nata insieme al mio Curatore Alessio Musella.

Ho reinterpretato l’Opera di Picasso con l’intento di
sorprendere i fruitori, cercando di realizzare una rivoluzione visiva,
concettuale ed emozionale: colui che osserva l ‘opera dovrebbe coglierne il
tema della vita ed decollare per un Viaggio ricco di suggestione e
piacevolezza, acquisendo una sensazione di benessere.

La tua reinterpretazione crea una rivoluzione visiva ed
emotiva. Come hai deciso di affrontare un tema così potente e drammatico
trasformandolo in un messaggio di speranza e rinascita?

Partendo dal presupposto che Picasso nella sua opera  Guernica ha voluto esprimere una denuncia
contro la violenza cieca del bombardamento e di tutte le guerre, che colpiscono
allo stesso modo donne, uomini, bambini e animali, distruggendo ogni forma di
vita, uno degli elementi linguistici più evidenti è l’assenza di colore,
l’impiego esclusivo di toni di grigio e colori molto spenti  (il colore grigio è stato scelto da Lui anche
perché disegnato sulla base di fotografie in bianco e nero che gli erano
arrivate dai bombardamenti di Guernica). Ovviamente questo incupisce maggiormente
perché si parla proprio di guerra… oltre tutto la colorazione per Lui non
avrebbe avuto senso perché voleva raccontare le macerie, per cui anime senza
colore; IO sono in netta contrapposizione con il monocromo di Picasso
stesso,  poiché nella mia opera voglio
dare un senso di speranza, per cui ripercorro questa disgrazia avvenuta a
Guernica, attraverso i miei i miei simboli e la mia colorazione proprio perché,
a differenza di Picasso (che, ricordiamolo, è stato COSTRETTO dal governo a
creare questo dipinto, tra l’altro utilizzando dei bozzetti che aveva già usato
per altri dipinti), la mia è, invece, UNA
SCELTA, soprattutto in questo momento, per dare SPERANZA:  rivisitare uno dei capolavori mondiali che
parla proprio della bruttezza della guerra dandogli, invece, una colorazione…
per cui RESILIENZA.

In questa opera ho delineato i volti Umani nelle cui
espressioni si può scorgere il DOLORE, LA RABBIA, LA FRUSTAZIONE, L’ANGOSCIA E
IL FALLIMENTO e le sagome degli animali, anch’essi colpiti – loro malgrado –
inconsapevoli (a differenza dell’UOMO) ed inermi, dalle conseguenze crudeli
della guerra che come sempre INIZIA PER VOLONTA’ dell’UOMO.

Nella mia opera si notano subito: il Verde, il Viola e il
Cuore Rosso.

-le varie tonalità di VERDE per esprimere il mio desiderio
che nel mondo non ci sia più guerra, cercando di dare SPERANZA per le
generazioni future.

– il colore VIOLA che, solitamente, associo al mistero, alla
mistica, all’inconscio, alla malinconia, ma anche al fascino, al sogno e alla
magia, QUI lo associo alla PENITENZA: che l’essere umano deve subire ogni volta
che DECIDE di iniziare una guerra.

-L’ARANCIONE che simboleggia da sempre la PACE interiore

– il CUORE ROSSO: la passione e l’amore che ci vuole per la
vita e per l’arte, QUI è un RICORDO DELLA VITA.

Il mio messaggio vuole essere di SPERANZA per una VISIONE DI
UN MONDO MIGLIORE!

Lo spettatore delle tue opere viene immerso in un’esperienza
multisensoriale. Quanto è importante per te coinvolgere non solo la vista, ma
anche le emozioni e persino i sensi come l’olfatto e l’udito virtuali?

E’ importantissimo, perché vorrei che, come capita spesso a
me, chi si imbatte nelle mie opere, possa venir afferrato, accompagnato
dolcemente per mano dal soggetto dipinto, per essere trasportato nel mio mondo
immaginario e di conseguenza pervaso da un senso di benessere e di pace,
ricordando i VERI piaceri della vita.

Quali sono i tuoi prossimi progetti artistici? Hai qualche
mostra o collaborazione in arrivo?

Dal 6 al 22 febbraio 2026 si svolgeranno Le Olimpiadi
invernali di Milano Cortina 2026 coinvolgendo i territori di Lombardia (la mia
Regione), Veneto e Trentino-Alto Adige. Saranno i Giochi più diffusi di sempre
coprendo un’area di 22.000 km quadrati. Partendo da questo mi sono detta:
“perché non realizzare una serie dedicata proprio alle Olimpiadi? E così ho
iniziato titolando la Serie proprio “Milano Cortina”.

Trattasi di Opere su tele Gallery 80x80cm: in ognuna di esse
ripropongo un’icona (donna) dell’arte, uno sport, alcuni personaggi famosi dei
fumetti più amati (POP) e cito alcuni degli Sponsor. Non mancano, comunque, i
miei colori e i miei simboli.

Ultimamente ho iniziato collaborazioni con Associazioni
culturali che stanno organizzando Mostre, a partire dal mese di Aprile, in
tutta Italia a cui, lietamente, parteciperò.

A settembre è prevista un’importante Mostra a Roma dove sarò
presente.

Se dovessi definire il tuo percorso con una parola o un
concetto, quale sarebbe?

A questa domanda vorrei rispondere con un testo di Serena
Seri a me dedicato perché ha colto la mia essenza e il mio intento in questo
mio percorso artistico:

“Si è sempre meravigliati, piacevolmente emozionati ogni
qualvolta Mariella Rinaldi propone un suo componimento artistico… perché anche
se preoccupati, stanchi, tristi, tesi, l’artista riesce, magicamente, a
sollevare il nostro animo, e farlo volteggiare, volare… allentando la tensione,
le preoccupazioni, e molto di più.   Da
sempre, l’ARTE è stata riconosciuta un rimedio terapeutico di grande efficacia.
Spesso è difficile staccare la spina. Si ha un chiodo fisso che forse annienta…
E poi arriva Lei, sempre nuova, spumeggiante, mai ripetitiva, intrigante…che
vibra…e la nostra mente, mentre volge l’attenzione verso il tuo soggetto, in
maniera involontaria, si decomprime, come una pentola a pressione bollente,
appena spenta. A nome di tutti quelli che l’Ammirano, mi sento di ringraziare
di cuore l’artista per la serenità, leggerezza, bellezza… che, come con una
bacchetta magica, infonde attraverso le sue opere.” Grazie Serena Seri!

Contatti

Email info@mariellarinaldi.it

Sito Web Mariella Rinaldi

Facebook Mariella Rinaldi 

Instagram mariellarinaldi

Mariella Rinaldi colori e forme che rivoluzionano e
tornano a raccontare.”       

Sono nata e vivo tutt’ora a Lecco, la città de “I Promessi Sposi”. A 4
anni ricevetti in regalo un libro con immagini e lettere da colorare: la
passione e l’attrazione verso il colore nacque lì. Da bambina, fin dai tempi
dell’asilo, mentre i miei compagni facevano il riposino pomeridiano, io mi
divertivo in compagnia della carta e dei colori. Sono sempre stata molto
creativa e quel bisogno di tracciare segni, di sfinire i pennelli sui fogli mi
proteggeva in un modo magico, solo mio e mi rendeva felice.

La mia prima insegnante di educazione artistica è stata un punto di
riferimento nel mio iniziale approccio all’ arte, essendo stata poi in futuro
indirizzata verso un percorso di studio distante dall’arte e dalla pittura,
porto con me il bagaglio formativo dei miei primi anni di studi artistici.

Quando compii dieci anni l mi regalarono un cavalletto, una tela e dei
tubetti di colori primari. Dipinsi un paesaggio su una piccola tela, lo feci
incorniciare e lo conservo tutt’ora.

Durante l’adolescenza ho frequentato Corsi di pittura su tela a olio e
corsi di decorazione su ceramica

E nel corso degli anni mi sono sempre dedicata all’arte dipingendo e
sperimentando varie tecniche pittoriche.

Nel 1992 e nel 1993 partecipazione
ai primi Concorsi di Pittura “Premio Internazionale “Contea di Bormio” ottenendo
in entrambi gli anni riconoscimenti (Premio Segantini)

Tra il 1997 e il 2014 ho gestito
un Laboratorio nel quale mi occupavo anche di decorazioni artistiche su
svariati materiali: tela, ceramica, vetro soffiato, legno etc.

Finalista – Premio
Fabrizio de Andrè anno 2023

Mostra Collettiva a Roma presso Borgo Pio Gallery “Pop o Non Pop,
Questo è il problema” dal 4 agosto 2023 al 28 agosto 2023

Mostra Collettiva a L’Aquila “Contemporaneo- Appunti di Viaggio”
dal 07 al 10 settembre 2023.

Mostra Collettiva a Brera (MI)
presso Concept Art  “Il Ritratto” dal 28
ottobre 2023 al 06 novembre 2023.

Premio ricevuto in data
07.03.2024 – Concorso ARTI FIGURATIVE 2024

“ANTONELLO DA MESSINA” IX ed. PROMOSSO DALLA RIVISTA “IL
CONVIVIO” Diploma
d’onore: Mariella Rinaldi (con opera Ultima cena)

Finalista del Premio
Internazionale LE ALI 2024 per la sezione Arti Visive (Pittura) L’opera
selezionata LA
GIOCONDA (rivisitazione) esposta nella mostra collettiva a Villa Cuturi a Marina di Massa dal 22
giugno 2024 al 29 giugno 2024

Partecipazione con 9 opere alla Biennale
d’Arte di Vigevano dal 08 aprile 2024 al 31 maggio 2024.

Mostra Collettiva a Frascati “Not Only Urban” col Patrocinio
del Comune di Frascati dal 21 giugno al 30 giugno 2024.

Mostra Internazionale Collettiva a Buenos Aires –
Argentina presso Pertutti Abasto dal 25 giugno 2024
(durata Mostra 2 mesi) organizzata e curata da Carlos Eduardo Vera
(Sophie Espacio de Arte)

 

 

 

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