L’ArteCheMiPiace – Interviste

Tommaso Garofalo

Il Colore come Linguaggio dell’Anima

di Giuseppina Irene Groccia |13|Marzo|2025|

L’arte di Tommaso Garofalo nasce da un impulso viscerale, un’illuminazione folgorante avvenuta negli anni ’80 tra le pagine di “L’arte Moderna” di Giulio Carlo Argan. Da allora, il suo percorso artistico si è sviluppato come una continua esplorazione interiore, caratterizzata da una pittura astratta e informale in cui il colore diventa il protagonista assoluto.

Lontano da schemi precostituiti, Garofalo dipinge con gestualità libera e istintiva, creando opere che non rappresentano il mondo esterno in modo figurativo, ma lo trasformano in emozioni pure. Attraverso cromie audaci e accostamenti inaspettati, i suoi dipinti evocano sensazioni immediate, trasmettendo un dialogo profondo con lo spettatore. L’uso dei colori vivaci suggerisce energia e ottimismo, mentre le tonalità più tenui si fanno portavoce di introspezione e malinconia.

La sua recente decisione di dedicarsi interamente all’arte dopo una lunga carriera nel settore commerciale segna un punto di svolta, un momento in cui l’esperienza accumulata attraverso viaggi e incontri si sedimenta sulla tela, trasformandosi in un racconto visivo universale. L’opera Panta Rei, scelta per l’evento EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, sintetizza questa poetica, ponendo lo sguardo sulla mutevolezza della realtà e sulla coesistenza di caos e speranza.

C’è un’energia silenziosa , un linguaggio che non si affida alle parole ma si nutre di colore e movimento. Le sue opere non cercano di rappresentare il mondo, ma di decifrarlo attraverso pulsazioni cromatiche e segni istintivi, come frammenti di un discorso interiore in continua evoluzione. Ogni pennellata è un’emozione catturata nell’istante, un dialogo aperto tra caos e armonia, tra il vissuto e l’immaginato. La sua pittura è un invito a perdersi nei mutamenti della forma e della luce, in quel flusso incessante dove il tempo, le esperienze e le sensazioni si trasformano senza sosta.

Puoi raccontarci come
hai iniziato ii tuo percorso
artistico? C’e
stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Negli anni 80, nella zona di San Biagio
dei librai a Napoli, mi colpi un libro usato di Giulio Carlo Argan “L’arte Moderna” e lo acquistai. Sfogliandolo mi colpirono
tantissime opere soprattutto quelle
di Picasso che esprimevano una tale intensità emotiva, una tale
forza espressiva da folgorarmi. In
quel momento ho sentito un’irresistibile spinta interiore, un desiderio di iniziare a
dipingere.

Quell’esperienza e stata una vera e propria
rivelazione. Ho capito che l’arte non era
solo qualcosa da ammirare, ma anche
un mezzo per comunicare, per esplorare le proprie

emozioni e per dare forma
al proprio mondo interiore.

 

Quale ii tema o ii messaggio
principale che cerchi
di comunicare attraverso le tue opere?

I miei dipinti hanno tematiche che spaziano dalla natura al sociale che rispecchiano
lo stato d’animo del momento e che mira a esprimere le emozioni, le angosce e le speranze.

 

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

 

II
mio stile si caratterizza
per la spontaneità e l’imprvvisazione con gestualità libera e istintiva senza schemi o regole tradizionali. Non rappresento la realtà in modo figurativo, ma attraverso forme e colori
non sempre convenzionali. l miei dipinti hanno sempre avuto queste caratteristiche.

 

II colore sembra
essere ii vero
protagonista delle tue opere. Qual e ii tuo rapporto con la scelta cromatica e come i colori diventano veicolo delle
tue emozioni e delle tue visioni astratte?

I colori hanno la capacita di evocare emozioni immediate e istintive per comunicare sentimenti complessi
in modo diretto e potente. Ad esempio, colori
vivaci e saturi
possono esprimere gioia, energia
e passione, mentre
tonalità piu
tenui e sfumate possono
evocare calma, malinconia o introspezione. Allo stesso
tempo oso con
accostamenti audaci e

inaspettati
per creare effetti dirompenti. ln sintesi, i colori sono ii cuore
pulsante dell’arte e ii rapporto con essi, è un dialogo
continuo e appassionato. Attraverso la scelta cromatica, dò vita a emozioni e visioni astratte che invitano lo spettatore a immergersi in un mondo interiore ricco di significati
e suggestioni.

Dopo una lunga carriera nel mondo commerciale, hai deciso
di dedicarti completamente alla pittura.
C’e stato un momento preciso
in cui hai capito
che l’arte doveva
diventare il tuo
focus principale? Quanto la tua
esperienza professionale precedente ha influenzato il tuo approccio creativo?

II momento in cui ho deciso di dedicarmi all’arte non piu saltuariamente ma con assiduità è coinciso con la data del
pensionamento, il 1°aprile del 2024. Finalmente da quella data in
poi non dovevo più sottrarre tempo alla famiglia per dedicarmi a questa passione! Il lavoro che ho svolto per circa 40 anni nell’ambito
commerciale mi ha portato a conoscere decine di luoghi e persone e certamente questa
esperienza è stata una fonte immensa di ispirazione!

 

Ami esplorare
ii mondo
dell’astratto e
dell’informale, cercando
un linguaggio non
verbale per esprimere emozioni
e stati d’animo. C’è un sentimento o un tema ricorrente che senti di voler comunicare
attraverso la tua pittura?

L’arte astratta e informale non si limita a rappresentare ii mondo esterno, ma si addentra nel territorio delle emozioni e delle sensazioni, offrendo
un’esperienza estetica coinvolgente e personale.
Ogni opera è un’esplorazione unica dell’animo umano, un invito
a connettersi con i propri
sentimenti più profondi. L’arte astratta e informale, con la sua
liberazione
dalla rappresentazione oggettiva, diventa un potente veicolo per l’espressione di una vasta gamma di sentimenti.

 

Quale
è il processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Libertà e spontaneità: L’assenza
di forme riconoscibili mi permette di esprimere emozioni in modo diretto e
immediato, senza filtri. Uso spessissimo colori vivaci e forme dinamiche
per esprimere energia e ottimismo.

 

Preferisci lavorare
su tela in solitudine o trovi ispirazione anche da contesti
collettivi, come workshop
o eventi d’arte?

La pittura,
specialmente quella astratta e informale, è spesso
un’attivita introspettiva, ed è una forma di espressione molto personale.
Dipingere da solo permette di immergersi completamente nel proprio mondo interiore,
senza distrazioni esterne, consentendoti un’indipendenza artistica e spirituale.

 

 

Come vivi ii rapporto
tra l’arte e ii pubblico?
In che modo ii feedback
o le reazioni delle persone influenzano ii tuo lavoro?

II rapporto tra il pubblico e l’arte è un dialogo dinamico e complesso che può influenzare profondamente il lavoro di un
artista. II pubblico può essere una fonte inesauribile di ispirazione. Le reazioni, le emozioni e le interpretazioni del pubblico possono stimolare l’artista a esplorare nuove idee e prospettive.

 

 

Come vedi ii ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi
che il tuo lavoro contribuisca in qualche
modo a questo
ruolo?

L’arte nella società contemporanea
svolge un ruolo poliedrico e fondamentale, agendo come specchio
della società. L’arte offre
uno spazio di libertà in
cui gli artisti
possono esprimere le
proprie idee,
emozioni e visioni
senza censure o restrizioni.

Gli artisti
possono utilizzare ii loro
lavoro per
sensibilizzare ii pubblico su questioni
importanti, promuovere la giustizia sociale e difendere i diritti umani e farsi
promotori di identità e diversità, promuovendo l’inclusione, dando voce a comunità emarginate e rappresentando una vasta gamma di esperienze umane.

In definitiva, ii mio ruolo, anzi
direi la mia ambizione, è quella di essere
uno strumento al servizio dell’arte e della cultura, per contribuire a diffondere la conoscenza, la creatività e l’apprezzamento per l’arte nella società contemporanea.

 

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

 

La partecipazione di un artista a una
mostra collettiva è spesso motivata da una combinazione
di fattori, sia pratici che artistici.

La viisibilità e la promozione del proprio lavoro, in una location
prestigiosa come la Galleria d’Arte “Il Leone”, offre l’opportunità di “arrivare” ad un pubblico
più ampio ed

esperto ed è un’occasione per incontrare altri artisti, curatori,
critici e galleristi, creando preziose connessioni professionali, stimolando la
crescita e l’evoluzione artistica.

 

 

 

In che
modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno
di questo percorso espositivo
e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi raccontare ii processo creativo
che ti ha guidato nella loro realizzazione e se c’e un significato
o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso di esse?

L’opera che
ho deciso di esporre ha per titolo “Panta Rei” realizzata ad ottobre
2024 in piena guerra in
Ucraina e Gaza.

II significato letterale di “Panta Rei”
(Tutto scorre) sottolinea la natura mutevole e dinamica
della realtà. II quadro evoca l’idea del tempo che scorre inesorabile, trasformando ogni

cosa. Le diverse
tonalità e i segni sulla tela
possono rappresentare le varie fasi della vita, le esperienze che si
susseguono e si intrecciano. lmplica che nulla è permanente,
tutto è in continuo divenire, dove caos e ordine coesistono e coesiste anche l’indifferenza delle persone che nulla fanno per mutare le cose, anche quelle più negative e malvage. l colori vivaci
usati evocano ottimismo
e speranza, almeno questo è ii mio auspicio!

Contatti

Email togar62@libero.it

Sito Web www.tommasogarofalo.it

Facebook Tommaso Garofalo

Instagram togar.art

Tommaso Garofalo nasce a Napoli il 1° giugno 1962. Cresce immerso nell’energia vibrante della sua città natale, sviluppando sin dall’infanzia una profonda passione per l’arte e il viaggio. Dopo aver completato gli studi tecnico-industriali, intraprende una lunga carriera nel settore commerciale presso la multinazionale Michelin, dove lavora per 36 anni.

Parallelamente, nel tempo libero, coltiva la pittura da autodidatta, trovando in essa un rifugio espressivo e un mezzo per tradurre emozioni e riflessioni sul mondo. Nel 2022 si trasferisce a Roma con la sua famiglia e, con il sopraggiungere della pensione nel 2024, decide di dedicarsi completamente all’arte. Abbraccia così il linguaggio dell’astrazione e della concettualità, immergendosi pienamente nella scena artistica contemporanea.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

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 L’ArteCheMiPiace – Segnalazione Eventi

PERCORSI 

Un dialogo corale tra linguaggi artistici

La mostra “Percorsi”, ospitata dal MuPa – Palazzo Multimediale di Ginosa (TA) dal 22 marzo al 20 aprile 2025, nasce con l’intento di intrecciare diverse voci artistiche in un unico discorso espositivo, mantenendo al contempo la pluralità e l’autonomia di ogni linguaggio. 

L’evento, frutto della collaborazione tra il MuPa e il suo Direttore Piero Giannuzzi, l’artista e curatrice Mirella Bitetti, e  Giuseppina Irene Groccia artista e fondatrice di L’ArteCheMiPiace, si pone come un’esperienza visiva e concettuale in cui otto artisti, provenienti da differenti ambiti espressivi, si fondono in un insieme coeso, pur preservando la singolarità delle loro visioni.

Il titolo stesso, “Percorsi”, suggerisce l’idea di un viaggio tra estetiche, tecniche e sensibilità differenti, che si incontrano all’interno di un progetto espositivo unitario. Come in un coro in cui ogni voce mantiene la propria identità ma contribuisce all’armonia complessiva, così le opere in mostra dialogano tra loro, generando un’unità che non annulla le differenze, ma le valorizza.

Il MuPa, situato in un magnifico palazzo settecentesco completamente restaurato, offre il contesto ideale per questa collettiva. Con le sue sei sale dedicate a grandi personalità dell’arte italiana, Caravaggio, De Filippo, Fellini, Fracci, Morricone e Alighieri, si afferma come un punto di riferimento culturale per artisti e visitatori.

La selezione degli artisti, curata da Mirella Bitetti con la collaborazione di Giuseppina Irene Groccia, di L’ArteCheMiPiace, è stata guidata dalla ricerca di una coerenza narrativa, in cui le singole opere si intrecciano per costruire un discorso più ampio e stratificato.

Gli otto protagonisti di “Percorsi” rappresentano un ampio spettro della ricerca artistica contemporanea, spaziando dalla pittura alla fotografia, dalla digital art alla fiber art:

• Gaetano Carriero – Pittura
• Enzo Forgione – Pittura
• Giuseppina Irene Groccia – Digital Art
• Roselina Iacovelli – Pittura
• Olga Marciano – Pittura
• Diego Salvador – Fotografia
• Teresa Saviano – Fiber Art
• Christine Selzer & Katerina Dramitinou – Fotografia

Più che una collettiva nel senso tradizionale, questa mostra si configura come un insieme di otto mini-personali, in cui ogni artista ha l’opportunità di esporre sei o sette opere. Questo approccio consente a ciascun partecipante di delineare un proprio spazio espressivo, offrendo al pubblico una visione più approfondita del proprio linguaggio e della propria ricerca artistica. Al tempo stesso, l’allestimento crea un dialogo dinamico tra le diverse poetiche, componendo un mosaico armonico in cui unicità e pluralità si fondono in un’unica esperienza espositiva.

L’inaugurazione si terrà sabato 22 marzo alle ore 20:00.

📍 MuPa – Palazzo Multimediale, Via Giunchiglie 10, Ginosa (TA)
📅 22 marzo – 20 aprile 2025
🕗 Orari di apertura: tutti i giorni dalle 17:00 alle 21:00
🎟️ Ingresso gratuito

Contatti

phone +39 3802670907 

e-mail info@mupapuglia.it

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

La sezione Segnalazione Eventi propone informazioni su manifestazioni dedicate ad arte e cultura. Gli interessati alla pubblicazione degli eventi culturali in questa sezione, potranno inviare relativo comunicato stampa, locandina e altro materiale informativo alla seguente email: gigroart23@gmail.com

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  L’ArteCheMiPiace – Interviste

Un viaggio emozionale

attraverso l’Arte di

Alessandra Croce 

di Giuseppina Irene Groccia |12|Marzo|2025|

Alessandra Croce è un’artista dal percorso atipico e profondamente istintivo, capace di trasformare il proprio sentire in immagini di forte impatto emotivo. La sua pittura oscilla tra l’astratto e il figurativo, privilegiando la libertà espressiva rispetto ai canoni accademici. Il colore diventa il suo linguaggio primario, un mezzo per evocare sensazioni e stati d’animo piuttosto che rappresentare fedelmente la realtà.

Dopo un lungo periodo di distanza dall’arte, il ritorno alla pittura è stato per l’artista un atto necessario, un’esplosione creativa alimentata dall’urgenza di esprimersi senza vincoli. La sperimentazione è il cuore del suo processo artistico: il gesto pittorico può essere impetuoso o delicato, dettato dall’emozione del momento, mentre la musica e l’incenso accompagnano la nascita di ogni opera, creando un’atmosfera quasi rituale.

Le sue opere sono frammenti di anima, riflessi di un’introspezione profonda e di un rapporto viscerale con la tela. In lavori come Ectoplasm o Ghosts, emergono le suggestioni di un dialogo con il passato e con il mistero dell’esistenza, affrontato con una sensibilità che unisce dramma e ironia. Con un approccio autentico e senza compromessi, Alessandra Croce si inserisce nel panorama artistico contemporaneo come una voce personale e vibrante, capace di trasmettere emozioni pure e senza filtri.

Alessandra Croce è un’artista dalla sensibilità istintiva e dal linguaggio pittorico sorprendente, capace di trasformare emozioni e frammenti di vita in opere d’arte. In questa intervista, ci racconta il suo percorso, le sue ispirazioni e il significato più profondo del suo lavoro.

Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso
artistico? C’è stato un momento o un evento particolare che ti ha spinto verso
l’arte?

Non ho una formazione artistica, purtroppo quando mi avevano
consigliato di iscrivermi al liceo artistico, io mi ero vista scorrere davanti
vari pittori morti in miseria e, nella mia ingenuità, avevo detto che non
volevo morire di fame e avrei preferito fare altro, così mi sono iscritta al
linguistico e ho preso altre vie. Però ho continuato a disegnare e dipingere
per conto mio. È qualcosa che mi scorre dentro….

Qual è il tema o il messaggio principale che cerchi di
comunicare attraverso le tue opere?

Non ho un tema particolare. Ultimamente i miei lavori sono
astratti e quello che voglio comunicare sono sensazioni, sentimenti,
concetti…

Come descriveresti il tuo stile artistico e come si è
evoluto nel corso del tempo?

Credo che il mio stile sia istintivo e sensoriale: a volte
posso “prendere a schiaffi” la tela, altre volte accarezzarla dolcemente.
Più che materialmente direi che è la consapevolezza che si è evoluta, nel senso
che ora so cosa voglio esprimere (a volte almeno 😜)

Il tuo percorso artistico è stato caratterizzato da una
pausa creativa seguita da una ripresa recente. Cosa ti ha spinto a tornare
all’arte e in che modo questa pausa ha influenzato il tuo stile e la tua
visione creativa?

La pausa che c’è stata era data dalla frenesia della vita,
dal lavoro, dalla famiglia, dai vari impegni insomma. Ma ad un certo punto la
voglia e il bisogno di tornare all’arte sono esplosi. Sono caduta e mi sono
rotta malamente il polso destro: un disastro! Un fermo dal lavoro lungo mesi,
in un certo senso un nuovo inizio. Ho ascoltato quello che avevo dentro e ho
ricominciato; un cambiamento della visione e dello stile sì, ci sono stati, la
scoperta dei colori acrilici e l’astrattismo come praticamente unica forma
d’espressione.

Le tue opere si collocano tra l’astratto e il figurativo,
con una forte attenzione a colori e forme. Quali emozioni o messaggi cerchi di
trasmettere attraverso questa fusione di linguaggi?

Sono tutti pezzi di anima, ogni opera a sé

Non avendo una formazione artistica accademica, il tuo
approccio alla creazione è più istintivo o hai sviluppato tecniche e
riferimenti particolari nel tempo?

No, con la tecnica e la teoria non sono molto brava,
purtroppo. Sì, sono curiosa, guardo, chiedo, approfitto un po’ di mio figlio
Francesco che frequenta l’artistico. Mi piace sperimentare e provare tutto
quello che mi incuriosisce. Ma mi definisco decisamente troppo ribelle per
stare alke regole e all’interno di etichette

Quali sono le principali fonti di ispirazione per il tuo
lavoro? Ci sono artisti, movimenti o esperienze personali che hanno influenzato
particolarmente la tua visione?

No, non direi che ci siano particolari artisti o movimenti
da cui prendo ispirazione, non consapevolmente almeno.

Qual è il processo creativo che segui per realizzare le tue
opere? Ci sono tecniche o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Mi piace avere un po’ di tempo a disposizione quando mi
metto al lavoro, per cui purtroppo non posso dedicarmici tutte le volte che
vorrei. Ma a parte quello, una cosa che faccio praticamente sempre quando
dipingo, è ascoltare musica, da cui spesso traggo aiuto e ispirazione. Anche il
profumo dell’incenso mi fa spesso compagnia

Preferisci lavorare su tela in solitudine o trovi
ispirazione anche da contesti collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Non ho mai partecipato a workshop o eventi d’arte. Non so se
mi ci ritroverei Potrebbe essere interessante

Come vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo
il feedback o le reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Mi piace vedere che le mie opere piacciono e ritengo utile
conoscere l’opinione di occhi esperti Finora non mi pare che tutto ciò però
abbia influenzato il mio lavoro

C’è un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri
particolarmente significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Ognuno dei miei lavori ha un significato particolare per me
Mi è difficile sceglierne una, veramente. Forse Ectoplasm, Che ha una storia un
po’ particolare. Un mio collega era stato assassinato barbaramente, e la cosa
mi aveva molto colpita Nemmeno ora riesco ad esprimermi a parole Vedevo questo
fatto come un improvviso cambiamento di stato, un passaggio dall’essere al non
essere. Improvviso, neanche forse percepito e capito. Vedevo questa persona
come intrappolata tra due mondi. Il suo ritrovarsi a dover accettare una nuova
dimensione e nello stesso tempo di fuggire da essa O viceversa ?

Come vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea?
Pensi che il tuo lavoro contribuisca in qualche modo a questo ruolo?

Oggi l’arte ha parecchie strade per mostrarsi e la sua
diffusione è senz’altro una boccata d’aria per un mondo troppo spesso brutto
Può fare riflettere e far capire, può suggerire soluzioni, e può semplicemente
fare respirare una boccata d’ossigeno a chi è abbastanza sensibile da coglierla
L’arte può mostrare lati oscuri e negativi anche dove non si penserebbe di
trovarne; ma può essere anche lo splendido fiore che sboccia nascosto tra il
cemento e la spazzatura. Spero di riuscire a donare emozioni anch’io con i miei
lavori

Quali sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come
artista e come le hai superate?

Beh, prima di tutto ho dovuto affrontare me stessa: mostrare
i miei lavori, un po’ come aprirmi e permettere a chiunque di guardarmi dentro.
Poi difficoltà più materiali:  come fare
per mostrare i miei lavori, a chi rivolgermi. E qui entra in scena il maestro
Nico, artista a sua volta e maestro di mio figlio Giacomo. È stato lui ad
aiutarmi ad uscire dal bozzolo

Attualmente sei tra gli artisti selezionati per EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, l’evento organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio, che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio presso la Galleria Il Leone. Cosa ti ha spinto a partecipare a questa mostra e quali sono le tue aspettative riguardo a questa esperienza? Quali aspetti pensi possano  arricchire il tuo percorso artistico e contribuire alla tua crescita creativa?

Grazie alle piattaforme social, avevo “incontrato”
Maria Dì Stasio l’anno scorso Sono piuttosto istintiva anche nella vita, e mi
era piaciuta Ho partecipato a un altro evento organizzato da lei a Salerno e mi
sono trovata molto bene per serietà e professionalità. Everland Art – Percorsi
di Ricerca mi sembrava un’altra ottima occasione per farmi conoscere e crescere
artisticamente, quindi ho deciso di partecipare. Sono felicissima di essere
stata selezionata Sicuramente quest’esperienza mi arricchirà e il confronto con
altri artisti sarà molto utile. Magari ne conoscerò anche qualcuno e chissà
magari ci porteranno essere buone collaborazioni in futuro

In che modo hai deciso di presentare la tua arte all’interno
di questo percorso espositivo e quali opere hai scelto di esporre? Ci puoi
raccontare il processo creativo che ti ha guidato nella loro realizzazione e se
c’è un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere attraverso
di esse?

L’opera che ho deciso di presentare si intitola Ghosts ed è
ispirata ad un famoso dipinto, Gotico Americano di Grant Wood. Quel dipinto mi
ha sempre suscitato un senso di timore , l’ho sempre visto come  cupo e inquietante Con il mio lavoro volevo
sdrammatizzare l’originale. È un po’ un negativo fotografico, in contrasto con
l’opera del pittore americano E i miei personaggi appaiono con i contorni
bianchi e grigi, Non un forcone, ma un ombrello: qualcosa che unisce, non che
divide, e un certo senso di ironia Io lo vedo un po’ come un riappacificarsi ad
un certo punto dei due protagonisti, che per me erano in disarmonia Proprio due
fantasmi che ritornano dal passato per farsi una risata insieme

Quali progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi
ambiti o tematiche che vorresti esplorare?

Per il futuro vorrei riuscire a lavorare di piu ma non ho
ancora progetti precisi Ho molte idee che spero di riuscire a realizzare.

Contatti

Email acroce193@gmail.com

Facebook Alessandra Croce

Alessandra Croce è un’artista e pittrice originaria di
Vercelli, Piemonte, dov’è nata nel 1969.

La sua carriera artistica si distingue per l’uso di tecniche
miste e una spiccata sensibilità nei confronti dei colori e delle forme.

Da sempre ha mostrato un forte interesse per l’arte e la
creatività, ma non ha tuttavia ricevuto una formazione artistica  Ai tempi della scuola si è distinta in alcuni
concorsi e mostre per poi intraprendere strade diverse  Solo negli ultimi anni si è riavvicinata alla
sua passione.

Alessandra si è fatta notare per la sua capacità di evocare
emozioni attraverso le sue opere, spaziando tra temi che vanno dalla natura
alla figura umana.

Il suo stile è caratterizzato da un equilibrio tra astratto
e figurativo, spesso con una forte impronta personale.

Recentemente ha collaborato con alcune gallerie d’arte e ha
preso parte a eventi e rassegne artistiche, contribuendo così a diffondere la
sua visione creativa.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

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Tra Realtà e Immaginazione, l’Arte come Esplorazione Interiore

Enza Cotugno

L’arte come linguaggio silenzioso, come un ponte tra il reale e l’irreale, tra il visibile e l’indicibile. L’artista che oggi incontriamo ha fatto della pittura un mezzo di espressione sentito e liberatorio, capace di trasformare le ferite del passato e le sfumature dell’anima in immagini potenti, in cui luci e ombre dialogano con sensibilità e inquietudine.

Il suo percorso non è stato lineare, ma un viaggio tra luoghi e esperienze che hanno lasciato segni indelebili sulla sua visione artistica. Nata a Portogruaro, ha vissuto in diverse città prima di stabilirsi in Campania, portando con sé una sensibilità radicata nell’osservazione della natura e nella ricerca di un’identità fluida, non legata a confini geografici ma alla dimensione interiore dell’esistenza.

Autodidatta per vocazione, ha sperimentato sin da bambina diverse tecniche pittoriche, sviluppando nel tempo un linguaggio visivo in continua evoluzione. Il suo stile, inizialmente attento alla fedeltà dell’immagine, si è progressivamente spogliato di ogni rigidità per lasciare spazio all’istinto, all’ironia e alla libertà espressiva. La sua pittura è un viaggio tra emozioni sospese, tra materia e spirito, tra la ricerca dell’essenziale e la volontà di dare voce a ciò che spesso resta inascoltato.

Attraverso materiali poveri e superfici spesso grezze, l’artista costruisce mondi paralleli in cui il pubblico è chiamato a immergersi, a completare il senso dell’opera con la propria percezione e sensibilità. La sua arte non è mai esplicita, ma suggerisce, accenna, lascia spazio all’immaginazione e al dialogo interiore.

Il suo recente riconoscimento al premio internazionale Visioni ha rappresentato un momento significativo di visibilità per il suo lavoro, ma al centro della sua ricerca rimane un’urgenza autentica e personale: l’arte come strumento di trasformazione, come atto di resistenza alla superficialità, come modo per riscoprire la bellezza nell’inaspettato. Un percorso che continua a evolversi e a trovare nuovi spazi di espressione, come dimostra la prossima esperienza espositiva che la vedrà protagonista: a breve, infatti, le sue opere saranno in mostra in una prestigiosa galleria nel cuore del centro storico di Roma, in un evento dal titolo Everland Art – Percorsi di Ricerca, organizzato dall’Associazione Athenae Artis di Maria Di Stasio.

In questa intervista, esploriamo insieme il suo mondo creativo, il suo rapporto con la pittura e il significato intimo che attribuisce a ogni tratto e colore. 

  Puoi
raccontarci come hai iniziato il tuo percorso artistico? C’è stato un momento o
un evento particolare che ti ha spinto verso l’arte?

Sguardo diligente, ma introverso,
riservatezza, profonda timidezza: un’infanzia e adolescenza, le mie,
caratterizzate da tempo condiviso per la maggior parte in compagnia di me
stessa, ma non per questo in solitudine.

Abbiamo traslocato spesso con l’intera
famiglia e forse, questo, mi ha resa figlia di nessun luogo in particolare, ma
appartenente alle montagne, al mare e al creato di ogni luogo, in tutta la sua
bellezza variegata. Una caduta su pezzi di vetro, seguita da un’operazione mal
riuscita, compromisero a soli due anni e mezzo e per sempre, la funzionalità
della mia mano destra. Testardaggine e curiosità profonda, non mi hanno mai
impedito di sperimentare, seppur da autodidatta, l’arte, nelle sue svariate
tecniche e sfaccettature.

Disegno e pittura hanno accompagnato la
mia vita, dall’età di tre anni e ad oggi continua a sostenermi, a trasportarmi
ovunque io voglia, a trasformarmi in ogni cosa possibile o improbabile, a
rendermi un fantasma capace di oltrepassare la sottile linea che separa il
reale dall’irreale, a rendermi “viva”.

Qual
è il tema o il messaggio principale che cerchi di comunicare attraverso le tue
opere?

La pittura, rappresenta per me, un modo
di “urlare silenziosamente” ciò che, il più delle volte, è indicibile,
sensazioni indecifrabili, emozioni profonde, nascoste, le quali talvolta, si
tenta di esplorare, senza mai rivelarne il contenuto in maniera del tutto
chiara.

E così, il messaggio comunicato, diventa
un foglio sul quale compaiono puntini sospensivi, dove chiunque possa
continuare un discorso mai scritto, ma solo accennato.

Attraverso le mie opere, ogni immagine
diventa un mondo parallelo, salvifico, dove incontrarsi, senza regole, senza
distinzioni, in cui tutto è possibile e tutti hanno la possibilità di
riscattare la propria identità. Spesso prediligo materiale povero, di
scarto. È fondamentale, per me, il principio del
togliere ogni orpello e dar spazio all’Essenziale. Mi piace, inoltre, riscoprire la
“bellezza” laddove si reputi inaspettata ed insospettabile. E così l’arte diventa Espiazione,
Trasformazione, Anima.

In
che modo l’uso del colore influisce sulla percezione della profondità e
dell’atmosfera nelle tue opere? Hai delle tecniche particolari per bilanciare
contrasti e sfumature?

Luci ed ombre rendono possibile la
descrizione di stati d’animo contrastanti: un ossimoro delle diverse
sfaccettature presenti in un unico individuo.

Le tecniche sono varie, dipendono dall’istinto
del momento; di solito l’accostamento dei colori è dettato dalla volontà di
creare combinazioni armoniche ed equilibrate, talvolta combinazioni vivaci e
fresche, quasi fanciullesche, sono ideali per evidenziare dettagli inaspettati,
altre volte ancora, tratti scarni di inchiostro delineano armonie spoglie ed
essenziali.

Come
descriveresti il tuo stile artistico e come si è evoluto nel corso del tempo?

Essendo in un movimento perpetuo, lo
stile artistico si è evoluto con me e dentro di me.

Inizialmente sperimentavo, attraverso
copie d’autore, la capacità di somigliare il più possibile ad una immagine,
cercando di riprendere la realtà: da autodidatta, sentivo l’esigenza di
acquisire capacità di osservazione e di attenzione al dettaglio.

Durante un breve periodo, ho
approcciato, per pura curiosità, alla tecnica di decorazione di ceramica e
vetro, la quale mi ha dato la possibilità di approfondire i concetti di
“disciplina”, “pulizia estrema del tratto” e “alta precisione”, che
caratterizzano queste tecniche molto affascinanti, seppur lontane dal mio mondo
creativo.

Nel tempo, è iniziato un processo di
liberazione, sino ad arrivare ad oggi, in cui, talvolta non del tutto compresa,
accompagno la mia arte con ironia e spogliandola di razionalità a tutti i
costi, senza paura alcuna di giudizi o incomprensione.

Mi lascio libera di fluttuare in questo
mondo e nell’altrove.

Quali
sono le principali fonti di ispirazione per il tuo lavoro? Ci sono artisti,
movimenti o esperienze personali che hanno influenzato particolarmente la tua
visione?

Fonti di ispirazione sono, per me, la
Natura, l’Essere Umano, la Vita, la Morte, la Rabbia: il mistero delle emozioni
che ci caratterizzano, rendendoci parte di un unico spazio condiviso.

Il vissuto di ciascuno non può essere
escluso dalla propria visione artistica, impossibile non esserne influenzati.

Sono attratta dalla perfezione e dalla
capacità assoluta e inimitabile di governare luci ed ombre di Caravaggio,
affascinata dal Surrealismo e dai mondi onirici di Dalì, dall’eleganza
dell’essenzialità dei volti di Modigliani, dalla staticità espressiva di De
Chirico, dall’armonia e la comunicazione attraverso i cinque sensi di Kandinskij,
dall’incomprensibile bellezza dell’Action painting di Pollock, dal mistero
irrisolto e il profondo messaggio di denuncia di Banksy.

Ammirazione e profonda passione per
questi e tanti altri artisti.

La voglia di scrutare in essi ogni
segreto, il continuo senso di inadeguatezza rispetto tanta genialità, la
volontà e necessità, nonostante tutto, di esprimere un “punto di vista”
personale.

Qual
è il processo creativo che segui per realizzare le tue opere? Ci sono tecniche
o rituali a cui sei particolarmente affezionato?

Il processo creativo prende forma
lentamente, durante l’assolvimento degli obblighi quotidiani, si liberano spazi
interiori, necessari per la sopportazione di un mondo troppo rumoroso e veloce
per me.

Il mio rituale è lasciare che l’idea
fluisca, prima di assumere la forma definitiva.

Si distorce, cambia contorni e
lineamenti, si allinea, si distrugge, poi rinasce, più consapevole.

Non temo di perderla, la rispetto e così
evito di appuntare o fare qualunque schizzo o disegno preparatorio.

Attendo e lascio che sia pronta per
esprimersi in tutta la sua potenza.

Quando arriva il momento, lo sento con
chiarezza, negli istanti precedenti alla realizzazione, diventa una ossessione
da assecondare. I tratti iniziano a delinearsi.

Come
scegli la tua palette di colori per creare il gioco di luci e ombre nelle tue
opere? Segui un criterio specifico o lasci spazio all’istinto e all’emozione
del momento?

I colori rappresentano e risuonano la
stessa melodia dei pensieri, per cui emozioni ed istinto caratterizzano le
visioni man mano che prendono forma.

Di solito non utilizzo la matita, ma
direttamente il colore, il quale delinea, incorpora e si muove per il
raggiungimento di forme, immagini e suggestioni, espressione di un’intimità
quasi inafferrabile.

Preferisci
lavorare su tela in solitudine o trovi ispirazione anche da contesti
collettivi, come workshop o eventi d’arte?

Mio scopo principale è stato quello di
crearmi uno spazio in cui mi sentissi totalmente a mio agio e libera di
esprimermi.

In un luogo tranquillo, al di sotto di
una montagna e di fronte ad un uliveto, sorge la mia casa, dove ho effettuato
io stessa, sempre da autodidatta, diversi lavori di restauro di mobili e
arredamento, che la rendesse il più possibile simile al mio ideale, forse
imperfetto ma personalizzato e caloroso.

La mia ispirazione nasce dal silenzio e
lontananza dal rumore della vita, per cui durante la realizzazione delle mie
opere, mi accompagnano la musica e i suoni della Natura.

Nonostante la mia preferenza resti
quest’ultima, essendomi negli anni formata in Trucco Artistico, Teatrale,
Fotografico, Moda, Face e Body painting ed insegnando queste discipline, in diverse
scuole professionali campane, spesso ho partecipato ad eventi collettivi con
performances in cui il corpo umano diventava la mia tela.

Come
vivi il rapporto tra l’arte e il pubblico? In che modo il feedback o le
reazioni delle persone influenzano il tuo lavoro?

Per molti anni, spettatrici delle mie
opere, sono state le mura di casa, quasi un tempio di cassetti segreti da
custodire, senza dare la possibilità a nessuno di entrarvi. Non era per paura
di un giudizio negativo o positivo di ciò che rappresentassi o in che modo lo
facessi, forse solo paura di essere “leggibile” a tutti, rendendomi vulnerabile
e fragile.

Nel tempo, ho scoperto l’importanza del
confronto con altre realtà e storie, accorciando le distanze e rendendomi più
consapevole delle molteplici similitudini che ci accomunano agli altri.

Per quanto apprezzamenti e
riconoscimenti siano fondamentali per ammortizzare insicurezze e continue
domande su sé stessi, sulle proprie capacità e sul proprio operato, le reazioni
e il feedback delle persone non potrebbero influenzare il mio lavoro in quanto
se dipingessi ciò che aggrada gli altri, senza tener conto dei movimenti della
mia anima, non sarei più sincera e autentica, per cui diventerebbe nullo il mio
operato.

Trovo invece, molto interessante il
confronto costruttivo.

C’è
un’opera, tra quelle che hai realizzato, che consideri particolarmente
significativa per te? Puoi raccontarci la sua storia?

Tra le mie opere, una di quelle più
significative per me, è stata realizzata nell’ottobre del 2020 su di un
supporto 70×40 di materiale povero, un misto di pezzi di legno pressati,
materiale tra l’altro che utilizzo spesso nelle mie realizzazioni.

Il titolo dell’opera è “Il giorno in
più”, realizzato con acrilico, inchiostro e penna.

“Con dita scarne, intrise di nulla,

oltrepasso il varco,

ti sfioro appena

con petali di inchiostro e nero di
seppia.

Ci è concesso il giorno in più, prima
dell’ultimo congedo”

–       
L’Arte: un vascello per raggiungere chi
ha oltrepassato la vita  –

Così descrivo la mia opera, realizzato
di getto, in seguito alla scomparsa di un amico, l’illusione, mai abbandonata,
che potesse fare da tramite tra questo mondo e l’altrove.  

Come
vedi il ruolo dell’arte nella società contemporanea? Pensi che il tuo lavoro
contribuisca in qualche modo a questo ruolo? 

La società contemporanea talvolta appare
indifferente alle diverse forme d’arte, tende a non valorizzare ciò che a mio
parere, resterà come unica impronta tangibile del periodo attuale.

Un mondo diretto verso il razionale e il
digitale, sembra avere la meglio sulla creazione artigianale e sull’intuizione
della sensibilità umana. E così una società diretta al consumismo e al
capitalismo, genera una gioventù che considera un’artista, fallito, e un imprenditore
assetato di denaro, un esempio da seguire. Non so se il mio lavoro contribuisca
in qualche modo al ruolo dell’arte nella società contemporanea; però i corsi
che svolgo a scuola da ormai vent’anni sono rivolti a giovani in condizioni
altamente disagiate del Sud Italia, per cui il pensiero di contribuire a dare
una piccola opportunità di “risveglio” a questi ragazzi, genera in me speranza,
la quale non dovrebbe essere mai perduta.

Quali
sono le maggiori difficoltà che hai affrontato come artista e come le hai
superate?

Le maggiori difficoltà che affronto ogni
giorno e che cerco tutt’ora di superare, è la mancanza di attenzioni e
opportunità concesse all’Arte in genere, nei miei luoghi.

Inoltre, l’incalzare dei ritmi e degli
obblighi da assolvere quotidianamente, impediscono di dedicarsi per il tempo
necessario ad attività, qui, difficilmente riconosciute.

Recentemente
hai partecipato a Visioni, il premio d’arte internazionale organizzato dall’associazione culturale Athenae Artis di Maria Di Stasio. 

Che esperienza è stata per te? C’è
qualcosa di particolare che hai apprezzato o che ha arricchito il tuo percorso
artistico?

La partecipazione al Premio d’arte
Internazionale Visioni, la custodirò sempre con cura.

Questa opportunità è giunta improvvisamente
in un periodo per me spento, di cambiamento e particolare difficoltà emotiva.

Ho apprezzato molto la passione e
l’attenzione al dettaglio con il quale è stato realizzato l’evento.

Ho gradito la libertà lasciata a ciascun
artista di potersi esprimere nella forma d’arte più vicina a sé, senza cercare
una omologazione a tutti i costi.

Provo stima per l’organizzatrice Maria
di Stasio e l’intero staff che hanno saputo mettere a proprio agio tutti,
rendendo l’evento una opportunità di avvicinamento a mondi spesso sommersi da
una “normalità” ingombrante.

Le
tue due opere pittoriche presentate a Visioni sono state tra le protagoniste
dell’evento, distinguendosi al punto da farti ottenere una menzione speciale.
Puoi raccontarci il processo creativo che ti ha portato a realizzarle? C’è una
storia, un significato o un messaggio particolare che volevi trasmettere
attraverso di esse?

La prima opera presentata a Visioni dal
titolo “Di quale amore ho sete?” è un olio su tela 50×40 realizzata circa un
decennio fa.

“Luce scavata,

conserva le tue parole

in un sacco dorato.

Luce salvata da parole leggere,

bianche, che insegnano senza contenuti;

bisbigliano all’aria voci di perla.

Costellazioni di ricordi: suono sordo in
tasche nascoste.

Sei tu la risposta che scolora l’opaco
del mondo”

È questa la mia descrizione, di un’opera
nata dall’ispirazione del volto di una compagna di liceo, dai tratti
classicheggianti, i capelli raccolti e da perle che contornano un volto
assorto, avvolto da luci ed ombre contrastanti, occhi quasi socchiusi e rapiti
dal ricordo che colora di nuova luce un mondo che risulta opaco, senza una
presenza timidamente accennata.

Quel volto è solo un pretesto e diventa
protagonista di un ricordo probabilmente reale o forse solo immaginato, di sicuro
una evocazione alla complessità e intensità di sentimenti nascosti, capaci di
oltrepassare le porte del tempo.

La seconda opera presentata a Visioni,
si intitola Autoritratto – Anima di carta -, realizzata appositamente per il
Concorso, risale dunque al 2024.

La tecnica è acrilico e smalto su di un
supporto 62×37 di un materiale povero, al quale sono particolarmente
affezionata: si tratta di un pannello OSB (Oriented Strand Board) composto da
scaglie orientate di pino ed abete tenute insieme da una resina sintetica e
pressate successivamente, fino a formare una superficie liscia ed uniforme.

Questo pannello truciolato, è utilizzato
nei cantieri e nell’ambito di lavori edili, grazie alla sua elevata resistenza
meccanica, risulta particolarmente robusto e indeformabile anche sotto sforzo,
risulta privo di nodi, screpolature, cavità e punti deboli.

Infine è un legno di qualità elevata in
termini di prestazioni e versatilità, pur essendo uno dei legni più economici
in commercio.  

La scelta di questo affascinante
materiale, per uno dei miei pochi Autoritratti, non è casuale.

Il contrasto tra “un’anima di carta “e
un materiale tanto resistente è quasi un voler conferire a me stessa le
caratteristiche intrinseche del materiale stesso. E così, un corpo quasi trasparente,
scarno e composto dallo scheletro di un manichino, diventa una cosa sola con le
lamelle pressate del supporto, privo di punti deboli e resistente anche sotto
sforzo.

Così il volto, prima disegnato con
contorni ben delineati e poi cancellati più volte, sino a lasciare solo il
pigmento che resta impregnato tra le lamelle, è indice di ciò che resta di se
stessi, in seguito alle turbolenze della vita.

Anche i papaveri di un rosso spento,
sembrano volteggiare in un’atmosfera quasi funerea, ma ancora speranzosa.

Proprio in questi giorni prende il via una nuova esperienza espositiva per te. Hai scelto di partecipare nuovamente a un’iniziativa curata da Athenae Artis, sotto la direzione di Maria Di Stasio. Questa volta l’occasione è la prima edizione di EVERLAND Art – Percorsi di Ricerca, un’esposizione internazionale che si terrà dal 26 aprile al 3 maggio 2025 presso la Galleria Il Leone, nel cuore del centro storico di Roma.

Cosa ti ha spinto a rinnovare questa collaborazione e quali aspettative hai per questa nuova opportunità espositiva?

Sono entusiasta di partecipare ad Everland Art, questa nuova esperienza espositiva curata da Athenae Artis di Maria Di Stasio , in quanto nutro sincera stima per il suo impegno e le sue capacità organizzative, ma in particolar modo, la passione che la contraddistingue: trovo che siano necessarie figure di questo genere, soprattutto in un mondo sempre meno propenso alla meditazione, all’arte, alla manualità. La mia aspettativa è quella di sentirmi partecipe di un movimento, che dal sottosuolo, scalpita ed esiste ancora, seppur silenzioso, che ha ancora l’impeto di districarsi ed emergere, nonostante tutto. È un onore per me sentirmi parte di un confronto tra realtà così differenti, eppure così vicine. Mi fa sentire “viva”. 

Quali
progetti o obiettivi hai per il futuro? Ci sono nuovi ambiti e tematiche che
vorresti esplorare?

Il mio principale progetto per il
futuro, coincide anche con la mia più grande ambizione: quella di voler far
somigliare, il più possibile, la mia vita ai desideri.

Mi piacerebbe, inoltre, avvicinarmi
sempre più al concetto di recupero dell’essenziale e alla “rinascita” di esso,
sia materiale che metaforica, in forme di vita nuova.

©L’ArteCheMiPiace – Blog Arte e Cultura di Giuseppina Irene Groccia 

Il Blog L’ArteCheMiPiace da l’opportunità ad artisti emergenti ed affermati di usufruire di una vetrina in cui proporre il proprio talento, operando per la promozione e la valorizzazione degli stessi.

Ogni progetto promozionale diffuso sulle pagine di L’ArteCheMiPiace, compreso l’intervista, è soggetto a selezione e comprende approfondimento dei materiali forniti con consulenza, ricerca, redazione e diffusione.

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  L’ArteCheMiPiace – Segnalazione Eventi 

FULL IMMERSION

Mostra Personale di Matteo Sarro

Il 14 Marzo 2025, alle ore 18,00,
presso lo Spazio Valeriani, Roma, zona Viminale, si inaugura “Full Immersion”,
la mostra personale di Matteo Sarro, a cura di Maria Marchese, con la direzione
artistica di Mario Tacinelli e Luisa Valeriani. 

Con questa mostra, l’artista
seleziona alcune opere salienti del proprio percorso artistico, proponendo la
propria visione dell’arte nella vita e l’opposto, finchè entrambe le
possibilità coincidano.